Pinturas Abstratas Famosas Que Mudaram a Maneira Como Percebemos a Arte

“Que imagens podemos ter, pode-se dizer, depende de quem está imaginando.” - John Hospers, de Uma Introdução à Análise Filosófica

Dependemos dos visionários para abrir portas ocultas, para que possamos vislumbrar partes do mundo, e partes de nós mesmos, que de outra forma poderiam permanecer escondidas. A visão é a especialidade dos artistas abstratos, e ao longo dos últimos 100+ anos, muitas pinturas abstratas famosas conseguiram ampliar a visão da humanidade. Os visionários que criaram essas imagens não apenas nos concederam, aos espectadores, o dom de novas coisas para ver; eles nos ofereceram maneiras inteiramente novas de enxergar.

Pinturas Abstratas Famosas: 1910 – 1920

Admitidamente, algumas de nossas escolhas neste artigo podem ser controversas, já que cada amante da arte abstrata tem gostos diferentes. Mas a maioria provavelmente concordaria com nossa primeira seleção de pinturas abstratas que mudaram a forma como percebemos a arte. Untitled (First Abstract Watercolor), de Wassily Kandinsky, foi pintada em 1910 e é considerada pelos historiadores da arte como a primeira pintura puramente abstrata. A ousada representação de manchas, borrões e linhas vibrantes em cores renuncia a toda referência visual à realidade objetiva. Esta pintura libertou os artistas das amarras do tema e convidou os espectadores a se envolverem de uma maneira inteiramente nova com o conceito do que uma imagem pode ser.

Wassily Kandinsky - Untitled (First Abstract Watercolor), 1910. Aquarela, tinta indiana e lápis sobre papel. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Óleo sobre tela. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Colônia, Alemanha

Em 1925, Joan Miró dissolveu as barreiras entre Abstração e Surrealismo com sua pintura La mancha roja (A mancha vermelha). Miró não se considerava um abstracionista. Ele dizia que chegava em casa, faminto e exausto, e pintava as imagens que via em sua cabeça. La mancha roja (A mancha vermelha) transita na tênue linha entre a figuração antropomórfica, totens oníricos e pura abstração. Algo infantil, porém horrível, espreita dentro da imagem. Com esse conjunto de obras, Miró escancarou a porta para a iconografia oculta de nossos pesadelos e sonhos.

Joan Miro - La mancha roja (A mancha vermelha), 1925. Óleo e pastel sobre tela. 146 x 114 cm. Coleção Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Fundação Joan Miro, Barcelona

Pinturas Abstratas Famosas: 1930 – 1940

À medida que o mundo ocidental mergulhava em depressão, fome e guerra pela segunda vez no século XX, a abstração estava firmemente estabelecida como uma força importante no mundo da arte. Uma gama fantástica de métodos estava sendo empregada por artistas que trabalhavam nesse estilo, cada um contribuindo para os crescentes esforços de se conectar com algo puro, algo verdadeiro e algo livre dentro do espírito humano. Na Grã-Bretanha, o pintor Ben Nicholson expandiu seu trabalho abstrato para um conjunto do que ele chamou de pinturas de relevo branco. Uma de suas obras iniciais seminais, 1935 (relevo branco), abriu novos caminhos visuais, estabelecendo Nicholson como uma das vozes mais importantes da Abstração inglesa. Nicholson era amigo e influenciado pelo pintor Piet Mondrian. As obras de relevo branco expandiram o uso de linhas duras e espaço geométrico de Mondrian, introduzindo camadas dimensionais e uma paleta monocromática. As primeiras pinturas de relevo branco de Nicholson foram criadas em 1933, e quando 1935 (relevo branco) foi feita, ele já havia consolidado um estilo que combinava elementos de abstração, construtivismo, arte concreta, e que sugere as sementes iniciais do Minimalismo e da Abstração Pós-Pictórica.

No outro extremo do espectro, durante as décadas de 1930 e 1940, estavam os Expressionistas Abstratos, também conhecidos como Escola de Nova York. Rejeitando completamente a geografia racional e a redução espacial de artistas como Mondrian e Nicholson, os expressionistas buscavam conectar-se com a emoção primal em seu trabalho. Nenhum Expressionista Abstrato foi tão influente e bem-sucedido em personificar o estilo quanto Jackson Pollock.

Alcoólatra notório e neurótico, Pollock foi inspirado pela psicanálise a alcançar profundamente seu subconsciente em busca de inspiração. Seu trabalho se baseava na fisicalidade e em imagens inconscientes de totens para criar retratos ferozes da ansiedade moderna do pós-guerra. Uma das primeiras pinturas por gotejamento de Pollock, Full Fathom Five, pintada em 1947, mudou para sempre a arte abstrata. Esta obra é uma mistura de seu estilo anterior com pincel e sua técnica visionária de gotejamento. Inclui moedas, pontas de cigarro e outros pedaços aleatórios de seu estúdio, projetando um nível de textura e profundidade inteiramente novo para a Abstração. Full Fathom Five marcou um ponto de virada na carreira de Pollock e mudou para sempre nossa relação com a tela.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Óleo sobre tela com pregos, tachinhas, botões, chave, moedas, cigarros, fósforos, etc. 50 7/8 x 30 1/8 pol. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York

Pinturas Abstratas Famosas: 1950

Na década de 1950, os Expressionistas Abstratos já dominavam firmemente a imaginação do mundo da arte. Em todos os lugares, os artistas buscavam conectar-se com o eu primitivo, a mente inconsciente e as imagens ocultas do subconsciente. No meio desse fervor, surgiu uma tendência à calma, nascida parcialmente do crescente interesse de muitos artistas por filosofias orientais como o Taoísmo e o Budismo Zen. Um dos movimentos mais profundos a emergir dessa época foi um estilo de pintura abstrata conhecido como Pintura de Campo de Cor.

O objetivo da Pintura de Campo de Cor, como passou a ser geralmente entendido, era explorar a cor independentemente do tema, forma, linha e outras restrições da criação de imagens. Uma qualidade meditativa era buscada pelos pintores, e se bem-sucedida, era subsequentemente transferida da obra para seus espectadores.

A pintora abstrata Helen Frankenthaler foi uma das vozes mais profundas do movimento de Campo de Cor. Com sua pintura Mountains and Sea, pintada em 1952, Frankenthaler apresentou ao mundo uma nova técnica de pintura que ela inventou chamada “processo de absorção”. Nesse processo, Frankenthaler usava terebintina para diluir a consistência de suas tintas. Ela delicadamente derramava a tinta diluída sobre uma tela não preparada no chão, permitindo que a tinta penetrasse completamente na tela, dando à obra uma textura e aparência inteiramente novas. O processo de absorção criou campos sublimes de cor que assumiam configurações orgânicas e mutantes, tocando o sereno. Mountains and Sea de Frankenthaler é considerada uma das primeiras conquistas do movimento de Campo de Cor e permanece uma de suas imagens mais cativantes até hoje.

Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952. Óleo e carvão sobre tela. 86 5/8 x 117 ¼ pol. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nova York

Talvez o artista mais famoso associado aos artistas de Campo de Cor seja Mark Rothko, um artista que também rejeitava veementemente esse e a maioria dos outros rótulos. Rothko trabalhava inteiramente com a cor, buscando abrir um plano espiritual no qual ele e os espectadores pudessem experimentar a profundidade da emoção humana. Embora totalmente focado na cor, Rothko a considerava apenas um veículo pelo qual essa conexão espiritual poderia ser feita. Uma das obras iniciais definidoras de Rothko foi No. 2, Green, Red and Blue, pintada em 1953. Esta peça é icônica do corpo futuro de trabalho de Rothko, estabelecendo sua voz como um habitante singularmente cativante tanto dos mundos da arte abstrata quanto da espiritualidade transcendente.

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue, 1953. Coleção particular

Pinturas Abstratas Famosas: 1960 – 1970

À medida que a Abstração avançava pelas décadas de 1960 e 1970, muitos pintores já rejeitavam suas ideias fundamentais, retornando à figuração e explorando o campo da arte conceitual. No entanto, o poder da clareza e liberdade da Abstração ainda mantinha grande promessa. Uma das vozes mais sublimes desse período foi a pintora abstrata americana Agnes Martin. Conhecida por suas pinturas em grade com linhas, Martin permanece como uma voz icônica da Arte Abstrata.

A pintura de Agnes Martin, Night Sea, feita em 1963, é um dos primeiros exemplos do que se tornaria seu estilo definitivo. Na obra, um fundo quase monocromático azul é intersectado por um padrão meticuloso de grade pintado em folha de ouro. Esta obra abraça a cor, enquanto atribui igual importância à linha. Abraça a simplicidade enquanto comunica simultaneamente vastidão, complexidade e um senso de interdependência entrelaçada. Martin dizia que a linha, para ela, representava inocência. Ela esperava que o sentimento de inocência fosse transferido aos espectadores por meio de sua obra. A simplicidade de suas imagens e a sinceridade da emoção que ela esperava comunicar foram fundamentais para construir a ponte entre o Expressionismo Abstrato e o Minimalismo.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Óleo e folha de ouro sobre tela. 72 x 72 pol. © Espólio de Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), Nova York

Na década de 1970, Robert Motherwell sacudiu novamente o mundo da Abstração com uma voz que parecia o oposto do apelo do Minimalismo. Seus gestos primitivos e robustos transmitiam energia, força e ansiedade ao mesmo tempo. Havia uma força estoica neles e, ainda assim, uma emoção profunda emergia que personificava o poder e a liberdade da pura Abstração.

A obra definidora de Motherwell veio em 1971, chamada Elegia à República Espanhola nº 110. A energia furiosa desta pintura envolve o espectador e parece explodir da tela. Há uma vitalidade chocante nela, uma agressividade que transfere emoção e fúria para o espaço. Em um momento em que muitos pintores consideravam que a Abstração já havia se esgotado, Motherwell injetou uma força vital poderosa no estilo. Sua visão renovada e voz confiante ajudaram a Abstração a perdurar, e continuam a inspirar e fortalecer artistas abstratos até hoje.

Robert Motherwell - Elegia à República Espanhola nº 110, 1971. Acrílico com grafite e carvão sobre tela. 82 x 114 pol. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenciado por VAGA na Artists Rights Society (ARS), Nova York

Mudando Nossa Percepção do Futuro

Os artistas abstratos contemporâneos de hoje devem uma dívida a cada um desses artistas, tanto pelas formas como buscaram liberdade em seus modos de expressão quanto pelas maneiras como ajudaram os espectadores a abrir suas mentes para novas formas de ver. A abstração continua a abrir novas portas para nós enquanto tentamos compreender as infinitas complexidades que nossa sociedade em evolução nos apresenta. Ao se inspirar nos exemplos dos grandes artistas abstratos do passado, os artistas abstratos de hoje e de amanhã podem, esperançosamente, nos ajudar a traduzir nossas ansiedades e medos contemporâneos, e nos ajudar a ver além das limitações de nossos próprios olhos.

Imagem em destaque: Wassily Kandinsky - Composição VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nova York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio