Como Karel Appel Quebrou as Regras Através de um Experimento

Hoje, consideramos como garantido que a arte é um campo criativo. Mas o que isso significa? Para que algo seja criado, deve não ter existido anteriormente. A criatividade exige originalidade. Portanto, os artistas são originadores. Mas isso nem sempre foi assim. Em 1921, quando Karel Appel nasceu, a criatividade estava apenas começando a se afirmar como a força motriz da arte. Historicamente falando, antes do Modernismo, o sucesso no mundo da arte era alcançado mais frequentemente por meio de coisas como domínio técnico e estético do que pela criatividade. Esperava-se que os artistas profissionais imitassem o mundo observável, ou pelo menos o referenciassem, e o fizessem de uma maneira que fizesse sentido intelectual. Mesmo os artistas abstratos precisavam ser capazes de explicar aos espectadores e críticos o que estavam fazendo e por que estavam fazendo isso, referenciando ideologias e metodologias que estavam fundamentadas em padrões de pensamento existentes. Karel Appel fazia parte da geração de artistas que desafiou essa maneira de abordar a criação da arte. Em vez de abordar a arte a partir da perspectiva do que já existe, Appel defendia uma arte que expressasse o que ainda não existe. Ao fazer isso, ele instituiu um novo paradigma para os artistas baseado na criatividade e originalidade, que não apenas quebrou as regras, mas também talvez aboliu a necessidade de regras completamente.

Experimentação Indeterminada

Todos nós provavelmente estamos familiarizados com o aforismo: “Se não está quebrado, não conserte.” Por mais conciso e clichê que pareça, esse sentimento expressa a sensação que está no cerne do Modernismo. No final do século 19, qualquer pessoa no mundo ocidental que tivesse uma perspectiva global e que fosse capaz de observação crítica podia ver claramente que “estava quebrado”: o “it” sendo o progresso humano. A lógica da Civilização Ocidental havia levado a uma atmosfera de intensa competição e violência que ameaçava rasgar o tecido da humanidade. Embora houvesse, admitidamente, muitas pessoas na época se beneficiando financeiramente ou de outra forma do sistema quebrado, havia muitas mais que podiam ver que era hora de uma mudança.

O Modernismo é o nome que usamos amplamente para nos referir à época que começou perto do final do século XIX, durante a qual uma série de amplos esforços transformadores foram feitos pelas pessoas para reimaginar o que a sociedade humana moderna é e poderia ser. O princípio fundamental do Modernismo foi melhor expresso pelo autor Ezra Pound, quando ele disse: “Faça-o novo!” Ele estava falando sobre o desejo amplamente compartilhado que muitas pessoas tinham de trazer à existência algum tipo de realidade cultural alternativa. Mas a pergunta na mente de todo Modernista era: “Como fazemos isso novo?” A maioria das várias respostas propostas envolvia inventar novos estilos artísticos, ou abstrair a maneira atual de ver o mundo, ou inovar o uso de elementos estéticos como cor, linha ou forma. A solução proposta por Karel Appel era única. Ignorava completamente a estética e o estilo, e se concentrava em um fator simples: originalidade, possibilitada pela liberdade irrestrita de experimentar.

Karel Appel - Os Bombeiros Selvagens, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Karel Appel Foundation

A Presença da Ausência

Para Appel, o valor do ato artístico não tinha nada a ver com o produto que eventualmente seria criado como resultado do ato. O importante era o processo criativo. O ponto não era que um artista falasse sobre o que iria ser feito, ou julgasse ou explicasse o que eventualmente foi feito. O ponto era simplesmente criar: permitir que algo desconhecido se manifestasse, permitindo que o irreal se tornasse real. Como Appel disse, “Se o traço do pincel é tão importante, é porque expressa precisamente o que não está lá.” 

Karel Appel - Escultura Sem Título, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Karel Appel Foundation

Foi frequentemente observado que os primeiros esforços de Appel na criação estética experimental sem restrições se assemelham a imagens feitas por crianças. Suas composições quase figurativas, quase abstratas utilizam um vocabulário aparentemente caótico de cores e expressões primais de linha e forma. Na verdade, elas foram tão mal interpretadas que, quando foram exibidas pela primeira vez no final da década de 1940, foram publicamente zombadas. Mas Appel não se deixou abalar. Ele não era motivado pela aprovação pública. Ele estava dedicado a confrontar a ausência através de um processo de manifestação da presença. Ele estava em uma jornada em direção à originalidade, sem se importar com onde essa jornada terminaria ou como ela se pareceria.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Karel Appel Foundation

Karel Appel e o Grupo CoBrA

O que era tão chocante nas pinturas de Appel? Seria o fato de que ele parecia não se importar com os resultados estéticos de seu processo? Ou seria a liberdade com que ele criava que era tão perturbadora? A resposta pode ser encontrada nas circunstâncias do mundo em que a arte de Appel foi introduzida. Sua primeira exposição ocorreu em 1946, quando a Europa acabara de emergir da Segunda Guerra Mundial. A crença amplamente disseminada era de que o mundo havia enlouquecido. As práticas de reconstrução do continente e de enfrentar as perdas impressionantes impuseram um forte senso de angústia existencial à cultura. Havia um poderoso desejo metafísico de contextualizar a guerra para que os sobreviventes sentissem que o sacrifício havia valido a pena. 

Durante a guerra, os habitantes da Dinamarca, dos Países Baixos e da Bélgica foram efetivamente completamente isolados do resto do mundo pela ocupação alemã de seu território. Imediatamente após a guerra, ficou evidente que um pequeno grupo de artistas que passou a guerra em Copenhague, Bruxelas e Amsterdã havia chegado a uma abordagem semelhante à criação artística. O grupo, que incluía Appel, rejeitou a lógica e a racionalidade das instituições ocidentais existentes. Eles se inspiraram na arte popular primitiva e nas obras de arte de crianças. Eles criaram arte enraizada na intuição, espontaneidade e liberdade de expressão. Quando esses artistas começaram a expor juntos, foram chamados de grupo CoBrA, um rótulo tirado das primeiras letras de suas cidades nativas.

Karel Appel - Questioning Children, 1949. Gouache sobre madeira. Objeto: 873 x 598 x 158 mm, moldura: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque / Karel Appel Foundation

Uma Convergência de Influências

Appel não chegou à sua abordagem em um vácuo. Ele menciona em seus escritos ter visto uma exposição de Kurt Schwitters, sua primeira experiência testemunhando o que ele chama de objet trouvé, uma obra de arte feita a partir de objetos encontrados. Ele chama a experiência de “destruidora.” Isso o libertou da necessidade de seguir tradições históricas em relação aos meios, e, por essa questão, o libertou de todas as tradições históricas. A liberdade intuitiva e infantil com a qual Appel cria também deve uma dívida a artistas como Paul Klee e Joan Miro, ambos os quais transmitiram um espírito de liberdade desenfreada em seu trabalho.

Além das influências artísticas, Appel também escreve sobre três outras influências em seu pensamento. Ele menciona o livro Folhas de Relva do poeta americano Walt Whitman, o poema em forma longa As Canções de Maldoror do escritor uruguaio-francês Comte de Lautréamont, e os escritos de Jiddu Krishnamurti, um pensador influente sobre a natureza da humanidade. Juntas, essas influências exibem uma ampla gama de pensamentos. Folhas de Relva é uma das celebrações mais eloquentes e otimistas da liberdade e da abertura já escritas. As Canções de Maldoror, no entanto, é uma das explorações mais distintas do mal total já compostas. Enquanto isso, Jiddu Krishnamurti incentivou a dedicação apenas à consciência pessoal para experimentar a verdade e se tornar livre.

Karel Appel - da série Nude, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Karel Appel Foundation

O legado de Appel

Ao observar o entusiasmo irrestrito de crianças e artistas populares, Appel encontrou um caminho para descobrir dentro de si mesmo aquele mesmo senso de liberdade. Ele valorizou a importância de uma mente humana livre. Ele demonstrou de maneira prática como os artistas poderiam expressar livre e espontaneamente a experiência interna de sua própria verdade. Esse ato sozinho inspirou uma geração inteira de artistas, incluindo figuras importantes como Willem de Kooning e Jackson Pollock, que passaram a mudar o mundo por meio de movimentos como Art Informel e Expressionismo Abstrato. 

Mas além dos artistas individuais e estilos que ele influenciou, o verdadeiro legado da contribuição de Appel pode ser resumido nas palavras “processo criativo.” É inteiramente graças a artistas como Appel que hoje consideramos como garantido que o aspecto mais importante da arte deve ser a originalidade, e não a imitação. Em 1989, Appel resumiu sua experiência, dizendo: “A criatividade é muito frágil. É como uma folha no outono; ela pendura e quando cai você não sabe para onde está flutuando… Como artista, você tem que lutar e sobreviver na selva para manter sua liberdade criativa.” Ao abraçar a verdadeira originalidade, Appel eliminou a necessidade de aderir a qualquer caminho que não seja a livre expressão. Através de seu trabalho, aprendemos que o importante não é apenas coletar, categorizar e admirar os produtos do trabalho de um artista, mas maravilhar-se com a originalidade e a liberdade de onde esses objetos vieram, e abraçar sua fonte como o verdadeiro precioso e interminável processo de criatividade.

Imagem em Destaque: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Karel Appel Foundation
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park