Como Karel Appel Quebrou as Regras Através de um Experimento

Hoje, consideramos natural que a arte seja um campo criativo. Mas o que isso significa? Para que algo seja criado, ele não deve ter existido anteriormente. A criatividade exige originalidade. Portanto, os artistas são originadores. Mas nem sempre foi assim. Em 1921, quando Karel Appel nasceu, a criatividade estava apenas começando a se afirmar como a força motriz da arte. Historicamente, antes do Modernismo, o sucesso no mundo da arte era alcançado mais frequentemente por meio de coisas como domínio técnico e estético do que pela criatividade. Esperava-se que os artistas profissionais imitassem o mundo observável, ou pelo menos o referenciassem, e que o fizessem de uma maneira que fizesse sentido intelectual. Mesmo os artistas abstratos precisavam ser capazes de explicar aos espectadores e críticos o que estavam fazendo e por que o faziam, referenciando ideologias e metodologias fundamentadas em padrões de pensamento existentes. Karel Appel fez parte da geração de artistas que desafiou essa forma de abordar a criação artística. Em vez de abordar a arte a partir da perspectiva do que já existe, Appel defendia uma arte que expressasse o que ainda não existe. Ao fazer isso, instituiu um novo paradigma para os artistas baseado na criatividade e originalidade, que não apenas quebrou as regras, mas talvez aboliu a necessidade de regras por completo.

Experimentação Indeterminada

Provavelmente todos conhecemos o aforismo: “Se não está quebrado, não conserte.” Por mais conciso e clichê que pareça, esse sentimento expressa a essência do Modernismo. No final do século XIX, qualquer pessoa no mundo ocidental com uma perspectiva global e capaz de observação crítica podia ver claramente que “estava quebrado”: o “isso” era o progresso humano. A lógica da Civilização Ocidental havia levado a uma atmosfera de intensa competição e violência que ameaçava rasgar o tecido da humanidade. Embora houvesse, admitidamente, muitas pessoas na época que se beneficiavam financeiramente ou de outra forma do sistema quebrado, havia muito mais que podiam ver que era hora de uma mudança.

Modernismo é o nome que usamos amplamente para nos referirmos à época que começou perto do final do século XIX, durante a qual uma série de esforços transformadores foram feitos por pessoas para reimaginar o que a sociedade humana moderna é e poderia ser. O princípio fundamental do Modernismo foi melhor expresso pelo autor Ezra Pound, quando disse: “Faça novo!” Ele falava sobre o desejo amplamente compartilhado por muitas pessoas de trazer à existência algum tipo de realidade cultural alternativa. Mas a pergunta na mente de todo modernista era: “Como fazemos isso novo?” A maioria das várias respostas propostas envolvia inventar novos estilos artísticos, abstrair a forma atual de ver o mundo ou inovar o uso de elementos estéticos como cor, linha ou forma. A solução proposta por Karel Appel foi única. Ignorou completamente a estética e o estilo, focando em um fator simples: originalidade, possibilitada pela liberdade irrestrita de experimentar.

Karel Appel - The Wild Firemen, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Fundação Karel Appel

A Presença da Ausência

Para Appel, o valor do ato artístico não tinha nada a ver com o produto que eventualmente seria criado como resultado do ato. O importante era o processo criativo. O objetivo não era que o artista falasse sobre o que seria feito, ou julgasse ou explicasse o que foi feito. O objetivo era simplesmente criar: permitir que algo desconhecido se manifestasse, permitindo que o irreal se tornasse real. Como disse Appel, “Se o traço do pincel é tão importante, é porque expressa precisamente o que não está lá.”

Karel Appel - Escultura sem título, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Fundação Karel Appel

É frequentemente observado que os primeiros esforços de Appel na criação estética experimental irrestrita se assemelham a imagens feitas por crianças. Suas composições quase figurativas, quase abstratas, utilizam um vocabulário aparentemente caótico de cor e expressões primárias de linha e forma. Elas foram originalmente tão incompreendidas que, quando foram exibidas pela primeira vez no final dos anos 1940, foram publicamente ridicularizadas. Mas Appel não se deixou abater. Ele não era motivado pela aprovação pública. Estava dedicado a confrontar a ausência por meio de um processo de manifestar a presença. Estava em uma jornada rumo à originalidade, sem se importar com onde essa jornada terminasse ou como ela se apresentasse.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Fundação Karel Appel

Karel Appel e o Grupo CoBrA

O que havia de tão chocante nas pinturas de Appel? Seria o fato de que ele parecia não se importar com os resultados estéticos de seu processo? Ou seria a liberdade com que ele criava que era tão perturbadora? A resposta pode ser encontrada nas circunstâncias do mundo em que a arte de Appel foi apresentada. Sua primeira exposição ocorreu em 1946, quando a Europa acabara de emergir da Segunda Guerra Mundial. A crença amplamente difundida era que o mundo havia enlouquecido. As necessidades práticas de reconstruir o continente e de enfrentar as perdas impressionantes impuseram um forte sentimento de angústia existencial à cultura. Havia um poderoso desejo metafísico de contextualizar a guerra para que os sobreviventes sentissem que o sacrifício havia valido o custo.

Durante a guerra, os habitantes da Dinamarca, dos Países Baixos e da Bélgica foram efetivamente completamente isolados do resto do mundo pela ocupação alemã de seus territórios. Imediatamente após a guerra, tornou-se evidente que um pequeno grupo de artistas que passou a guerra em Copenhague, Bruxelas e Amsterdã havia chegado a uma abordagem semelhante para a criação artística. O grupo, que incluía Appel, rejeitava a lógica e a razão das instituições ocidentais existentes. Eles foram inspirados pela arte popular primitiva e pela arte das crianças. Criavam arte enraizada na intuição, espontaneidade e liberdade de expressão. Quando esses artistas começaram a expor juntos, foram chamados de grupo CoBrA, um nome formado pelas primeiras letras de suas cidades natais.

Karel Appel - Crianças Questionadoras, 1949. Guache sobre madeira. Objeto: 873 x 598 x 158 mm, moldura: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Fundação Karel Appel

Uma Convergência de Influências

Appel não chegou à sua abordagem no vácuo. Ele menciona em seus escritos ter visto uma exposição de Kurt Schwitters, sua primeira experiência testemunhando o que chama de objet trouvé, uma obra feita a partir de objetos encontrados. Ele chama a experiência de “desconcertante.” Isso o libertou da necessidade de seguir tradições históricas em relação aos meios, e, por isso, o libertou de todas as tradições históricas. A liberdade intuitiva e infantil com que Appel cria também deve uma dívida a artistas como Paul Klee e Joan Miró, ambos os quais transmitiram um espírito de liberdade irrestrita em seu trabalho.

Além das influências artísticas, Appel também escreve sobre três outras influências em seu pensamento. Ele menciona o livro Leaves of Grass do poeta americano Walt Whitman, o poema longo The Songs of Maldoror do escritor uruguaio-francês Comte de Lautréamont, e os escritos de Jiddu Krishnamurti, um pensador influente sobre a natureza humana. Juntas, essas influências mostram uma ampla gama de pensamentos. Leaves of Grass é uma das celebrações mais eloquentes e otimistas da liberdade e abertura já escritas. The Songs of Maldoror, no entanto, é uma das explorações mais distintas do mal total já compostas. Enquanto isso, Jiddu Krishnamurti incentivava a dedicação apenas à consciência pessoal para experimentar a verdade e se tornar livre.

Karel Appel - da série Nu, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Fundação Karel Appel

O Legado de Appel

Ao observar o entusiasmo irrestrito das crianças e dos artistas populares, Appel encontrou um caminho para descobrir dentro de si mesmo esse mesmo senso de liberdade. Ele valorizou a mente humana livre. Demonstrou, de forma prática, como os artistas poderiam expressar livre e espontaneamente a experiência interior de sua própria verdade. Esse ato sozinho inspirou uma geração inteira de artistas, incluindo figuras importantes como Willem de Kooning e Jackson Pollock, que mudaram o mundo por meio de movimentos como Art Informel e Expressionismo Abstrato.

Mas além dos artistas e estilos individuais que influenciou, o verdadeiro legado da contribuição de Appel pode ser resumido nas palavras “processo criativo.” É inteiramente graças a artistas como Appel que hoje consideramos natural que o aspecto mais importante da arte seja a originalidade, e não a imitação. Em 1989, Appel resumiu sua experiência dizendo: “A criatividade é muito frágil. É como uma folha no outono; ela fica pendurada e quando cai você não sabe para onde está indo... Como artista, você tem que lutar e sobreviver ao deserto para manter sua liberdade criativa.” Ao abraçar a verdadeira originalidade, Appel eliminou a necessidade de seguir qualquer caminho que não fosse a expressão livre. Por meio de seu trabalho, aprendemos que o importante não é apenas colecionar, categorizar e admirar os produtos do trabalho de um artista, mas maravilhar-se com a originalidade e liberdade de onde esses objetos vieram, e abraçar sua fonte como o processo verdadeiramente precioso e interminável da criatividade.

Imagem em destaque: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / Fundação Karel Appel
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio