Como as Obras de Pat Steir Chegaram ao Topo do Mercado de Arte

A representação por galerias é fundamental para qualquer artista que deseja ter presença no mercado de arte. Mas o que exatamente uma galeria faz por um artista? E como os artistas garantem que se juntem à galeria que lhes dará a melhor representação possível? A história de Pat Steir pode lançar alguma luz sobre as respostas a essas antigas questões. Steir tem sido uma figura proeminente na cena da pintura americana por décadas. Seu trabalho é idiossincrático, conceitualmente brilhante e esteticamente impressionante. Mas ela há muito tempo está na faixa inferior dos números de vendas entre outros artistas de sua estatura. No entanto, ela não foi uma novata no mercado de arte. As autoridades reconheceram instantaneamente suas habilidades. No mesmo ano em que se formou com seu BFA no Pratt Institute, teve sua primeira exposição coletiva — não em uma galeria, mas no High Museum of Art em Atlanta, possivelmente o museu de arte mais importante do Sudeste dos Estados Unidos. No ano seguinte, participou de exposições coletivas no Philadelphia Museum of Art e no MoMA em Nova York. Desde então, não houve um ano em que Steir tenha vacilado. Seu trabalho tem constantemente impressionado os espectadores com sua presença, seu poder e sua complexidade. E ela ainda encontrou tempo para ensinar em algumas das instituições educacionais mais influentes da América, nomeadamente Princeton, Parsons e Cal Arts. Então a questão é: por que Pat Reid não foi recompensada financeiramente por seu sucesso de maneira condizente com sua importância como artista? A resposta, ao que parece, tem a ver com representação.

A Primeira Galeria

Pat Steir nasceu em 1940. Em 1964, seu trabalho já havia sido incluído em três exposições em museus, e ela recebeu sua primeira exposição individual na cidade de Nova York, na Terry Dintenfass Gallery. Terry Dintenfass era natural de Atlantic City, New Jersey. Foi lá que ela abriu sua primeira galeria de arte, a D Contemporary, no saguão do que então era um resort à beira-mar de primeira linha, o Traymore Hotel. Mas, à medida que Atlantic City perdeu popularidade, Dintenfass decidiu fechar a D Contemporary e mudar-se para Manhattan para abrir uma nova galeria. Ao fazer isso, ela se tornou parte de uma crescente onda de galeristas mulheres em Nova York. Ela estava entre as mais progressistas, representando artistas que, de outra forma, eram pouco representados devido aos preconceitos sociais ou políticos predominantes na época.

O trabalho que Pat Steir mostrou na Terry Dintenfass não estava muito alinhado com as tendências estéticas predominantes da época. Tendia para a figuração quando o trabalho minimalista estava mais em moda. Não surpreendentemente, a exposição não gerou vendas suficientes para que ela se libertasse de seu emprego diurno como diretora de arte na editora Harper & Row. Pelo resto da década, Steir continuou a expor seu trabalho em Nova York, mas as recompensas financeiras continuaram a escapar dela. Isso, claro, não era o objetivo para ela. Steir buscava algo mais importante do que dinheiro. Ela estava estabelecendo sua própria voz como pintora e buscando alcançar algo verdadeiro como artista.

Pat Steir - Azul, 2007, Óleo sobre tela, 91,4 × 91,4 cm, créditos da foto Bentley Gallery, Phoenix

A Grande Mudança

No início dos anos 1970, Steir fez uma viagem ao Novo México, onde passou um tempo com Agnes Martin. As conversas com Martin reforçaram para Steir a importância de se conectar com os aspectos espirituais do que ela estava tentando fazer. Ela começou a estudar as filosofias e tradições artísticas do Leste Asiático. Conectou suas lições com suas próprias tendências estéticas, que estavam alinhadas com o automatismo e a perda do ego inerentes às técnicas do Expressionismo Abstrato. Essas influências culminaram em uma espécie de nova clareza para Steir, e no início dos anos 1970 ela criou o que se tornou sua primeira série icônica de obras: suas chamadas pinturas de rosas, pinturas abstratas contendo formas sugestivas de rosas que eram então riscadas. Ao descrever o que esperava alcançar com esse conjunto de obras, Steir explicou “Eu queria destruir imagens como símbolos...sem imagens, mas ao mesmo tempo imagens infinitas.”

Ao longo da década seguinte, esse processo filosófico que Steir havia iniciado a levou ao seu corpo de trabalho mais conhecido: suas pinturas de cachoeiras. Essas obras são a demonstração conceitual perfeita de abrir mão do controle, e ao mesmo tempo expressões perfeitas de planejamento e sutileza. Visualmente, parecem tinta derramada na frente de uma tela, exatamente como uma cachoeira. Para fazê-las, Steir pendura uma tela sem esticar na parede e sobe uma escada para derramar cuidadosamente a tinta sobre a superfície. A gravidade e o tempo assumem o controle assim que ela libera a tinta. Ela comanda o processo. Escolhe quando, onde e quanto tinta derramar. Escolhe as cores. Escolhe a viscosidade e se adiciona marcas de pincel ou respingos adicionais. É uma expressão simples e profunda da humanidade colaborando com a natureza. O processo é harmonioso, e as pinturas também.

Pat Steir - Montanha na Chuva, 2012, Gravura colorida direta impressa em papel gampi chine collé, 78,7 × 99,1 cm, créditos da foto Crown Point Press, San Francisco

Cheim & Read

No final dos anos 1990, Steir alcançou maestria como pintora e recebeu uma oferta de representação por uma galeria importante: Cheim & Read, um dos comerciantes de arte contemporânea mais influentes de Nova York. Localizada no bairro de Chelsea, Cheim & Read é uma presença constante na cena global da arte contemporânea desde sua fundação em 1997. Qualquer artista veria a chance de ser representado por uma galeria assim como uma oportunidade incrível. Mas para Pat Steir, a oportunidade não rendeu como esperado. Isso não quer dizer que suas obras não venderam. Venderam, por dezenas de milhares de dólares. Mas muitos de seus contemporâneos alcançavam valores dez vezes maiores. Novamente, o lucro não era sua motivação. Mas nos Estados Unidos, os números de vendas afetam profundamente se um artista é aceito no cânone dos artistas importantes que regularmente são apresentados em museus e bienais, e incluídos nos currículos das aulas de história da arte.

Entra em cena a comerciante de arte nascida na Suíça, Dominique Lévy. Lévy nasceu três anos depois da primeira exposição individual de Pat Steir. Ela obteve seu mestrado na Universidade de Genebra na fascinante área de Sociologia da Arte. No final dos anos 1980 e durante os anos 90, trabalhou nas casas de leilão Christie’s, Sotheby’s e novamente na Christie’s. Em 2003, abriu seu próprio serviço de consultoria de arte, chamado Dominique Lévy Fine Art. Dois anos depois, abriu a L&M Arts com Robert Mnuchin, pai do atual Secretário do Tesouro dos Estados Unidos. Em 2013, inaugurou a Dominique Lévy Gallery em Manhattan e Londres. Lá, representou o acervo de , e artistas de Yves Klein como Frank Stella e Pierre Soulages. E em 2016, assinou com Pat Steir.

Pat Steir - Momento, 1974, Óleo sobre tela, 213,4 × 213,4 cm, créditos da foto Cheim & Read, Nova York

O Que Há em Um Nome

Logo após assinar com Pat Steir, Dominique Lévy fez parceria com o comerciante de arte britânico Brett Gorvy para formar uma nova galeria: Lévy Gorvy, com escritórios em Londres, Nova York e Genebra. Lévy Gorvy é agora quem representa Pat Steir. E desde essa fusão, em menos de dois anos, os preços das obras de Steir dispararam. Nos últimos seis meses, três de suas obras em leilão superaram suas estimativas. A Sotheby’s vendeu Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) por £680.750 após uma estimativa de £200.000, e tanto Misty Mountain Waterfall (1991) quanto Silver Moon Beam (2006) por £299.400 cada, após estimativas de £113.250 cada. Além disso, Lévy Gorvy está vendendo novas obras de Steir por bem mais de meio milhão cada, um valor alcançado na Chicago EXPO, onde uma pintura sem título de Steir de 2004 foi vendida por $550.000.

Então, o que aconteceu? Se Steir era capaz de alcançar esses preços, por que Cheim & Read não conseguiu isso? A resposta pode estar nas conexões. Todo galerista tem uma rede. Talvez Lévy e Gorvy simplesmente conheçam pessoas diferentes. Ou pode ser uma questão de tempo. Talvez isso estivesse destinado a acontecer independentemente de quem representasse Steir. Ou pode ser uma questão de confiança. Talvez Lévy e Gorvy tenham um histórico em que os grandes compradores apostam. Mas, após analisar as páginas das galerias para Pat Steir nos sites da Cheim & Read e Lévy Gorvy, acredito que a diferença pode ser uma questão de compreensão. Os materiais de marketing que Lévy Gorvy preparou são não apenas mais modernos e abrangentes. A história que contam também é mais simpática. Na minha opinião, o fator determinante número um para saber se um artista encontrou a galeria certa é se as pessoas que trabalham nessa galeria compreendem a obra. É impossível enganar alguém para comprar arte. Mas se um galerista realmente acredita na obra que está vendendo, não se trata de vendas, mas de conectar pessoas com arte que lhes importa, um feito que se torna possível porque o comprador, o galerista, o artista e a obra, por qualquer motivo, falam a mesma língua do coração.

Pat Steir - Conjunto de Quatro Linhas, 2015, Conjunto de quatro serigrafias com pintura manual, 182,9 × 243,8 cm, Único

Imagem em destaque: Pat Steir - Tríptico D, 2015, Conjunto de três serigrafias com pintura manual, 182,9 × 274,3 cm, Único, créditos da foto Pace Prints

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos

Por Phillip Barcio