Georg Herold e O Oeste Luminoso no Kunstmuseum Bonn

A maioria das pessoas provavelmente categorizaria Georg Herold como um membro da chamada "geração mais velha". Afinal, ele tem 70 anos. E, de fato, há sete anos, o Kunstmuseum Bonn oficialmente atribuiu a Herold esse rótulo infeliz e um tanto sem sentido ao incluí-lo em uma ambiciosa exposição coletiva chamada O Oeste Luminosa. Essa exposição apresentou o trabalho de 33 artistas, todos oriundos da região da Renânia / Renânia do Norte-Vestfália, na Alemanha. O objetivo do evento era estabelecer uma visão coesa do patrimônio estético desta parte da Alemanha e ligá-la a um exame preditivo do que o futuro da região poderia reservar. Para realizar essa tarefa monumental, o museu adotou uma abordagem curatorial única. Primeiro, encarregaram sua equipe acadêmica de cinco pessoas de selecionar 19 artistas que representassem, em suas palavras, "a geração mais velha". A equipe começou com o que chamaram de "núcleo histórico" da região, que era composto por cinco artistas: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter e Blinky Palermo. Em seguida, selecionaram mais 14 artistas "mais velhos", entre eles Georg Herold. Depois, o museu convidou esses chamados artistas "mais velhos", ou pelo menos aqueles que ainda estavam vivos, a recomendar artistas da "geração mais jovem" cujos trabalhos acreditavam merecer inclusão na exposição. Como ele tinha 63 anos na época, talvez não pareça um insulto que Georg Herold tenha sido selecionado como representante da geração mais velha. Mas, ainda assim, algo sobre essa designação parece errado. Não faz tanto tempo assim que Herold era novato na cena. E até hoje seu trabalho continua fascinante, fresco, espirituoso, irreverente e provocativo—em muitos casos, muito mais do que o dos artistas cronologicamente mais jovens que supostamente representavam o futuro em O Oeste Luminosa. Esse fato é claramente evidenciado pela nova exposição monográfica de Georg Herold atualmente em exibição naquele mesmo espaço, o Kunstmuseum Bonn. O trabalho continua dinâmico e representa a vanguarda. Isso me faz questionar se talvez a idade biológica não deva ser a única medida de "velhice" nas artes. Como Herold demonstra, às vezes é com o passar do tempo que as melhores ideias e as obras mais poderosas emergem de um artista, e o pleno significado e potencial de trabalhos anteriores é finalmente revelado.

Uma entrada tardia

Georg Herold nasceu em 1947 em Jena, Alemanha, uma cidade universitária com cerca de 100.000 habitantes. Seu treinamento inicial foi como aprendiz de ferreiro, após o qual ele frequentou a universidade e começou a estudar seriamente para se tornar um artista. Ele estudou primeiro na Universidade de Arte e Design de Halle, na cidade de Halle, próxima de onde cresceu. Depois, ele se mudou para a parte sul do país, para Munique, onde frequentou a Academia de Belas Artes de 1974 a 1976. Em seguida, ele foi para o norte, para Hamburgo, onde estudou na Universidade de Belas Artes sob Sigmar Polke de 1977 a 1981. Enquanto estava em Hamburgo, Herold fez a amizade de vários outros artistas estudantes, sendo os mais proeminentes entre eles Martin Kippenberger e Albert Oehlen, que já haviam começado a se destacar com sua abordagem punk de fazer arte.

Juntamente com esses novos selvagens, Herold foi apelidado de um dos emergentes "bad boys" da cena artística alemã dos anos 1980. Quando se formou na universidade, Herold tinha 34 anos. No entanto, ele era considerado parte da nova geração jovem e ousada. Um dos "bad boys" não sobreviveu por muito tempo. Kippenberger morreu em 1997 aos 44 anos, mas em sua breve carreira conseguiu exalar uma enorme influência sobre o mundo da arte e quase que reinventou o que significava ser um artista contemporâneo. Oehlen ainda está ativo hoje como artista e professor. Suas pinturas abstratas são adoradas, e suas investigações sobre o processo provaram ser enormemente influentes sobre as gerações emergentes de artistas. E então há Herold, o mais velho dos "bad boys". Ele levou mais tempo para amadurecer e, de certa forma, resistiu à categorização por mais tempo. Como ele disse uma vez, "Eu pretendo alcançar um estado que é ambíguo e permite todos os tipos de interpretações." Fiel a esse objetivo, sua obra desafia qualquer e toda categorização, e nenhuma única obra dentro dela ainda foi diagnosticada com sucesso.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Caviar, lacquer, ink on canvas, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, photo credits Magenta Plains, New York

Persistindo

A primeira obra de arte pela qual Georg Herold é lembrado foi uma fina tábua de madeira, do tipo usado na construção, parafusada na parede. Ele chamou a peça Präsentation der ersten Latte, ou Apresentação da primeira Tábua. A obra foi produzida em 1977, enquanto ele ainda estava na escola, para uma tarefa em uma aula ministrada por Sigmar Polke. A obra era, em termos formais estritos, inegável. Representava linha e forma. Como um objeto tridimensional pendurado na parede, desafiava os papéis da pintura e da escultura. Era ao mesmo tempo minimalista e conceitual. Seu título implicava algo cerimonial. Sua história como material implicava que era um componente de algo maior que viria. Seu status como objeto encontrado evocava Marcel Duchamp e Robert Rauschenberg. Mas havia também algo caprichoso sobre isso, e talvez algo absurdo.

Mas com o tempo, o título daquela primeira peça provaria ser profético. Herold tem repetidamente retornado ao material das tábuas de construção. Ele as usou em esculturas maiores, as pendurou na parede em diferentes configurações, as utilizou como suportes para pinturas e outras obras, e as usou como matérias-primas na construção de uma série de esculturas figurativas e assombrosas. Para construir essas formas, Herold amarra as tábuas de construção com fio e parafusos. Ele então estica lona sobre os bastões amarrados para criar uma espécie de casulo sobre a forma de um corpo humano. Ele permite que a lona seque e encolha com o tempo, então ele pinta e laca a forma. Em alguns casos, ele então faz fundições em bronze de edição limitada das formas. Vistas no contexto de seu trabalho inicial naquela aula com Sigmar Polke, essas formas figurativas são poéticas em sua profundidade de significados potenciais. Mas mesmo sem o conhecimento de sua essência material, sua presença evoca uma gama de emoções, desde sofrimento até sensualidade. Elas são tanto humanizadoras quanto desumanizadoras, e convocam inúmeras interpretações, desde imagens de dança até imagens de morte.

Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, canvas, lacquer, thread and screws, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, all rights reserved

Caviar e Tijolos

Outro corpo de trabalho pelo qual Herold se tornou conhecido é uma série de pinturas nas quais ovas de peixe são usadas como o meio principal. Essas pinturas abstratas de caviar possuem uma qualidade tranquila e natural na veia das pinturas coreanas dansaekhwa. Elas são quase monocromáticas, levemente texturizadas e bonitas. Mas é o seu meio que levanta questões. Os milhões, talvez bilhões, de ovos de peixe que foram usados em sua confecção significam que são campos de morte literais. Eles potencialmente representam um potencial desperdiçado literal. Por outro lado, caviar é apenas comida, e não exatamente uma comida necessária. É um luxo caro. Há potencialmente muito a discutir sobre qualquer mensagem que essas pinturas enviem sobre comércio, arte e exploração. Por outro lado, talvez não haja nada a dizer. Talvez sejam simplesmente pinturas bonitas.

Georg Herold - Untitled, 2011, caviar (numbered), acrylic, lacquer on canvas, 2 parts, each 350 x 203 cm, image courtesy Galerie Bärbel Grässlin

Outro material ao qual Herold retorna frequentemente são os tijolos. Ele fixa tijolos diretamente nas superfícies de tela esticadas de suas pinturas. O peso dos tijolos muitas vezes puxa a superfície para baixo, esticando-a e criando rugas e ondulações no tecido. A aparência é frequentemente a de uma obra de arte parcialmente arruinada. Há uma tensão inerente à peça enquanto os espectadores assistem e se perguntam se os tijolos eventualmente cairão. Essas peças parecem desastres esperando para acontecer. Elas também são fascinantes investigações sobre materialidade, textura, dimensionalidade e espaço. Elas são engraçadas e, de certa forma, até têm uma maneira de zombar. Elas também são sublimemente ambíguas. Há um grande abismo entre o que elas nos mostram e o que elas nos dizem. Por outro lado, elas são apenas uma construção, mais um passo à frente da apresentação da primeira tábua. Mais notavelmente, elas são frescas. Elas são uma evidência contínua de que Georg Herold não é um artista que merece ser rotulado como parte de qualquer geração mais antiga. Respeitosamente, de fato, nenhum artista vivo é.

Georg Herold no Kunstmuseum Bonn está em exibição até 7 de janeiro de 2018.

Imagem em destaque: Georg Herold - Herrenperspektive (Perspectiva Masculina), 2002, Escultura de ripas de telhado, vidro e corda, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.

Por Phillip Park