Norman Lewis, uma Joia Negligenciada do Expressionismo Abstrato

Quando a Academia de Belas Artes da Pensilvânia organizou “Procissão: A Arte de Norman Lewis” em 2015, a exposição foi uma revelação para a maioria dos espectadores. O tema da mostra, o pintor americano Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), é considerado o único artista negro entre a primeira geração de Expressionistas Abstratos. Seu trabalho é completamente distinto do de seus pares, seguindo fios estéticos e intelectuais que lhe conferem um senso de frescor e engenhosidade até hoje. No entanto, ao contrário de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko e outros pintores com quem frequentemente expôs, Lewis nunca alcançou grande fama ou sucesso financeiro em vida. Ele sustentava principalmente a si mesmo e sua família como professor. Uma das principais razões pelas quais ele enfrentou dificuldades no mercado foi que, apesar da forma como o estabelecimento artístico americano branco do pós-guerra abraçou a arte abstrata, ele ainda assim rejeitava em grande parte o trabalho de artistas negros, abstratos ou não. Ao mesmo tempo, a maioria dos comerciantes e colecionadores de arte negra americana do pós-guerra também rejeitava a arte abstrata por acreditar que a justiça social só poderia ser alcançada por meio de uma arte que abordasse diretamente questões de justiça social. De fato, quando iniciou sua carreira na década de 1930, Lewis compartilhava dessa mesma crença. Ele pintava obras figurativas e realistas sociais como parte da Works Progress Administration, um trabalho no qual conheceu o colega Expressionista Abstrato Pollock. Mas durante a Segunda Guerra Mundial, Lewis não pôde deixar de notar a hipocrisia do exército americano lutando contra um inimigo supremacista branco enquanto simultaneamente impunha a segregação racial em suas próprias tropas. Após a guerra, Lewis abandonou a crença de que a arte realista poderia desempenhar um papel significativo na transformação cultural. Ele disse: “Eu costumava pintar negros sendo desapropriados; discriminação, e aos poucos percebi que isso não comovia ninguém, não melhorava as coisas.” Ele se dedicou então a uma exploração ao longo da vida dos aspectos mais universais da estética, mobilizando o poder da cor, linha, textura e forma para unir as pessoas em um espaço visual de contemplação e transcendência.

Linha e Espaço Envolventes

Um dos aspectos mais distintivos do estilo de pintura abstrata que Lewis desenvolveu é o uso da linha. Seus traços de pincel são delicados e enérgicos, até líricos, e ainda assim possuem uma estrutura arquitetônica que lhes confere um senso de força e peso. Ele empregava esse elemento de modo que suas linhas criavam relações entre si, sugerindo a presença de formas em vez de descrever objetos literais no espaço. Em pinturas como “Músicos de Rua” (1948), uma congregação de linhas ocupa o plano central da tela, cercada por uma névoa atmosférica rosada. A pintura é totalmente abstrata, e ainda assim, pela forma como o espaço é dividido, parece ser a imagem de algo reconhecível. Os padrões lineares no centro da tela sugerem a aparência de músicos reais, talvez fragmentados em um multiverso cubista de perspectivas e planos. Mas esta não é uma imagem de músicos. É mais uma expressão da energia e emoção da música tocada na rua; a excitação das notas perfurando o espaço, e o carnaval de cores e sons enquanto preenchem o ar.

Norman Lewis - Florença, 1947. Óleo sobre Masonite. 14 x 18 pol. Coleção particular. © O Espólio de Norman W. Lewis, Cortesia da Iandor Fine Arts, New Jersey.

Além do uso da linha, Lewis também desenvolveu um método distinto e altamente eficaz de interagir com o espaço visual. Suas pinturas não eram “todas por igual”, como as de Jackson Pollock, que cobriam cada centímetro da tela com marcas de pincel de modo que nenhuma parte merecesse mais atenção que outra. Ao contrário, Lewis oferecia aos espectadores algo para focar dentro do espaço pictórico, mesmo que o tema desse foco fosse abstrato. Em “Névoa Verde” (1948), ele alcançou isso ao combinar técnicas de modo que o olhar fosse intuitivamente atraído para o centro da tela. Na borda externa da tela, a tinta é esfumaçada e alisada à mão para criar a sensação de uma nuvem atmosférica verde, enquanto no centro da imagem, linhas nítidas e caligráficas sugerem que algo concreto está presente, ou talvez evoluindo dentro do mistério do espaço visual.

Norman Lewis - Cruzamento, 1948. Óleo sobre tela. 25 x 54 pol. Galeria Michael Rosenfeld. © O Espólio de Norman W. Lewis, Cortesia da Iandor Fine Arts, New Jersey.

O Grupo Espiral

Embora sua decisão de explorar os aspectos universais da estética em vez de retratos realistas da luta negra na América tenha feito pouco para aumentar seu destaque entre comerciantes ou colecionadores, trouxe Lewis para a companhia de outros artistas negros americanos que compartilhavam sua crença na importância da realização estética. Em 5 de julho de 1963, ele foi convidado ao estúdio de Romare Bearden para se juntar a Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew e William Pritchard para formar um coletivo conhecido como O Grupo Espiral. O grupo dedicava-se a promover a maestria estética e as universalidades culturais. Eles se reuniam regularmente para discutir de que forma as representações realistas da desigualdade racial ajudavam ou não a Cultura Negra, e para estudar como a excelência no âmbito dos “problemas estéticos comuns” poderia fazer mais para elevar o status cultural e aumentar a influência dos artistas negros na América.

Norman Lewis - Banda de Jazz, 1948. Gravado em placa de masonite preta revestida. 20 x 23 7/8 pol. Coleção particular. © O Espólio de Norman W. Lewis, Cortesia da Iandor Fine Arts, New Jersey

O nome Grupo Espiral foi sugerido por Hale Woodruff. Era uma referência ao matemático grego Arquimedes, cujo “parafuso” espiralava “para cima em círculos cada vez mais amplos, como símbolo de progresso.” Embora alguns dos pintores do Grupo Espiral fizessem obras figurativas, sua aceitação total das potencialidades da abstração foi inovadora, especialmente para a arte negra americana. Isso lançou as bases para artistas como o escultor Richard Hunt, cuja exposição individual em 1971 no Museu de Arte Moderna de Nova York foi apenas a terceira exposição individual de um artista negro na história do MoMA, e a primeira de um artista abstrato. Também trouxe à tona a infeliz realidade de que, na América, nunca houve apenas um mundo da arte, mas múltiplos mundos artísticos competindo por reconhecimento e influência em vez de cooperar por objetivos culturais comuns. Norman Lewis e os outros membros do Grupo Espiral lançaram as bases para algo melhor: uma abordagem da arte que é não apenas universal, mas unificadora.

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Imagem em destaque: Norman Lewis - Sem título, 1949. Óleo sobre tela. 20 x 30 pol. Coleção particular. © O Espólio de Norman W. Lewis, Cortesia da Iandor Fine Arts, New Jersey.
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio