A Arte Monumental de Louise Nevelson

Este ano marca o 30º aniversário da morte de Louise Nevelson, uma artista que influenciou profundamente a arte do século XX e cujo legado ainda reverbera hoje. Nevelson é mais amplamente conhecida por suas assemblages de madeira monocromáticas. Sua voz estética única está enraizada em parte na história da arte e em parte na linguagem visual e material da cidade de Nova York—sua casa adotiva. Suas estratégias composicionais se baseiam no Cubismo, que ela comparava a uma religião, e nas teorias abstratas formais de Hans Hofmann, que foi seu professor por muitos anos. A presença material de suas assemblages exalta os aspectos descartados da vida urbana. Como se instigando uma espécie de ecdise reversa, Nevelson reuniu pedaços quebrados de móveis e detritos de construção das calçadas da cidade e os transformou em obras de arte monumentais. A metamorfose de detritos profanos em arte sagrada é inegável em obras como “Sky Cathedral” (1958), a peça que trouxe a Nevelson a atenção crítica. É ainda mais profunda na instalação de tamanho de sala “Dawn’s Wedding Feast” (1959); uma peça de parede cercada por colunas montadas no chão e penduradas e dois ícones de totem de noiva e noivo, esta peça não apenas estabeleceu Nevelson como uma das principais artistas de sua geração, mas também ajudou a pioneirar o campo da arte de instalação. O que é particularmente comovente em suas obras é que Nevelson de alguma forma as imbuía com um senso de intimidade, apesar de sua escala monumental. Ela se preocupou em garantir que cada elemento individual pudesse expressar suas qualidades essenciais dentro da estrutura do todo. No processo, ela criou obras que podem ser apreciadas objetivamente, ou que podem convidar os espectadores a uma experiência mais pessoal. Em celebração da vida e obra deste gênio, aqui estão minhas nove citações favoritas de Louise Nevelson—cada uma preciosa pela maneira como elucida seu trabalho e revela os mecanismos internos de sua mente.

1. "Se você tem uma moldura ao seu redor que não combina com a imagem, então você quebra a moldura."

Nascida em 1899 em Pereiaslav-Khmelnytskyi, na atual Ucrânia, Leah Berliawsky imigrou para os Estados Unidos em 1905 para escapar da perseguição religiosa. Ela perseguiu avidamente a arte na infância, apesar do desencorajamento de seus pais. Após se casar com Charles Nevelson em 1920 e dar à luz um filho dois anos depois, ela percebeu que ainda estava na mesma situação em que estava na infância, exceto que agora era seu marido e sua família que lhe diziam para desistir da arte para ser uma mãe e esposa mais atenta. Percebendo que estava na situação errada, Nevelson deixou seu marido e filho em 1931 e se mudou para estudar com Hans Hofmann.

2. "O cubo foca isso e dá a ele sua verdadeira estrutura."

Nevelson estruturou todas as suas assemblages em torno da forma geométrica básica dos cubos. Não importava quantas peças de madeira ela montasse na assemblage, nem quão desconexas as peças poderiam parecer quando juntas, os cubos sempre mantinham a composição unida, tanto visual quanto fisicamente.

3. "O preto abrange todas as cores. Não é uma negação."

A maioria das obras que Nevelson fez são monocromas pretas. Muitos críticos não entenderam seu uso dessa cor, sugerindo que ela estava tentando erradicar as vidas passadas de seus materiais. Em vez disso, ela insistiu que o preto era uma cor inclusiva que permitia que cada elemento separado da obra mantivesse sua essência fundamental, enquanto também se absorvia no espírito do todo. Ela também disse que a cor preta fazia suas obras parecerem "aristocráticas."

Louise Nevelson - Sem Título, ca. 1976. Construção em madeira pintada de preto. 94 × 36 × 16 3/4 pol; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, Nova Iorque. © 2018 Espólio de Louise Nevelson/Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque.

4. "É muito mais direto fazer do jeito que eu faço. É imediato, é verdadeiro e está lá."

Depois de passar anos desenhando e pintando imagens de coisas quebradas, Nevelson percebeu que usar o detrito em si introduziria uma verdade material em seu trabalho, além de dotá-lo com o resíduo emocional de associações passadas com o que os materiais costumavam ser.

5. "É o trabalho e eu, não é o público e eu. O público é um reflexo."

Nevelson começou a fazer esculturas públicas em grande escala na década de 1970, usando materiais como plástico e aço Cor-Ten. Críticos questionaram o significado da obra, que tinha uma aparência e sensação muito diferentes de suas montagens de madeira. Ela negou suas críticas, afirmando seu direito autônomo como artista de fazer qualquer tipo de trabalho que quisesse.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Madeira patinada. 12 × 9 × 7 pol; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Espólio de Louise Nevelson/Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque.

6. "A única realidade que eu reconheço é a minha própria realidade."

Nevelson enfrentou pais controladores, um cônjuge controlador, críticos sexistas, curadores desdenhosos e espectadores ignorantes. Ela ignorou organizações sociais como "The Club", optando em vez disso pela vida de uma outsider no mundo da arte. Apesar de todos que duvidaram e a desencorajaram, ela teve sucesso. Esta citação explica o porquê.

7. "Isso nos dá um lugar para nos movermos através das três dimensões, para o quarto e além. É realmente um lugar onde você passa pela matéria para o espírito."

Nevelson se descreveu não como uma pintora nem como uma escultora, mas como uma arquiteta construindo com sombra e luz. Seu amor pelo Cubismo a inspirou a sempre criar obras que recompensassem o movimento—uma expressão da quarta dimensão. Ela estava interessada em criar ambientes nos quais tanto o corpo quanto a mente pudessem viajar.

Louise Nevelson - Sem Título, 1985. Madeira pintada de preto. 44 × 22 × 17 1/5 pol; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Espólio de Louise Nevelson/Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque

8. "Quando você está criando, há uma energia adicional que supera qualquer outra coisa."

Nevelson era uma artista notoriamente privada e disciplinada. Ela acreditava que as emoções oferecidas por coisas além do trabalho criativo eram insignificantes em comparação com a adrenalina que recebia em seu estúdio. Quando sua agora famosa instalação "Dawn’s Wedding Feast" estreou na exposição "Sixteen Americans" no MoMA, ela disse que, em parte, simbolizava seu casamento com seu trabalho.

9. "Não é como eu vivo, é como eu termino minha vida."

Quando Nevelson era jovem, sua família a desencorajou de se tornar uma artista, dizendo que isso não lhe proporcionaria um estilo de vida confortável. Mesmo assim, ela sabia que só poderia ter paz quando morresse se permanecesse fiel a si mesma.

Imagem em destaque: Louise Nevelson - Maquete para Night Wall VI, 1977-1979. Aço soldado pintado de preto. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 pol; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Espólio de Louise Nevelson/Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park