A Arte Monumental de Louise Nevelson

Este ano marca o 30º aniversário da morte de Louise Nevelson, uma artista que influenciou profundamente a arte do século XX e cujo legado ainda ressoa hoje. Nevelson é mais conhecida por suas assemblagens monocromáticas em madeira. Sua voz estética única está enraizada em parte na história da arte e em parte na linguagem visual e material da cidade de Nova York — sua casa adotiva. Suas estratégias composicionais se inspiram no Cubismo, que ela comparava a uma religião, e nas teorias formais abstratas de Hans Hofmann, que foi seu professor por muitos anos. A presença material de suas assemblagens exalta os aspectos descartados da vida urbana. Como se instigasse uma espécie de ecdise reversa, Nevelson recolhia pedaços quebrados de móveis e entulhos da construção das calçadas da cidade e os transformava em obras monumentais de arte. A metamorfose do detrito profano em arte sagrada é inegável em obras como “Sky Cathedral” (1958), a peça que primeiro trouxe atenção crítica a Nevelson. É ainda mais profunda na instalação do tamanho de uma sala “Dawn’s Wedding Feast” (1959); uma peça de parede cercada por colunas fixadas no chão e penduradas e dois totens icônicos de noiva e noivo, esta obra não só estabeleceu Nevelson como uma das principais artistas de sua geração, mas também ajudou a abrir caminho para o campo da arte de instalação. O que é particularmente comovente em suas obras é que Nevelson de alguma forma as imbuía de um senso de intimidade apesar de sua escala monumental. Ela cuidava para garantir que cada elemento individual pudesse expressar suas qualidades essenciais dentro da estrutura do todo. No processo, criou obras que podem ser apreciadas objetivamente ou que convidam o espectador a uma experiência mais pessoal. Em celebração à vida e obra desta genialidade, aqui estão minhas nove citações favoritas de Louise Nevelson — cada uma preciosa pela forma como elucida seu trabalho e revela o funcionamento interno de sua mente.

1. “Se você tem uma moldura ao seu redor que não combina com a imagem, então você quebra a moldura.”

Nascida em 1899 em Pereiaslav-Khmelnytskyi, na atual Ucrânia, Leah Berliawsky imigrou para os Estados Unidos em 1905 para escapar da perseguição religiosa. Ela perseguiu avidamente a arte na infância, apesar do desânimo dos pais. Após casar-se com Charles Nevelson em 1920 e dar à luz um filho dois anos depois, percebeu que ainda estava na mesma situação da infância, só que agora era seu marido e sua família que lhe diziam para abandonar a arte para ser uma mãe e esposa mais atenta. Percebendo que estava na moldura errada, Nevelson deixou o marido e o filho em 1931 e mudou-se para estudar com Hans Hofmann.

2. “O cubo o concentra e lhe dá sua verdadeira estrutura.”

Nevelson estruturava todas as suas assemblagens em torno da forma geométrica básica do cubo. Não importava quantos pedaços de madeira ela juntasse na assemblagem, nem quão desconexos os pedaços pudessem parecer quando reunidos, os cubos sempre mantinham a composição unida, tanto visualmente quanto fisicamente.

3. “O preto abrange todas as cores. Não é uma negação.”

A maioria das obras feitas por Nevelson são monocromáticas em preto. Muitos críticos entenderam mal seu uso dessa cor, sugerindo que ela tentava erradicar as vidas passadas de seus materiais. Em vez disso, ela insistia que o preto era uma cor inclusiva que permitia a cada elemento separado da obra reter sua essência fundamental enquanto também se absorvia no espírito do todo. Ela também dizia que a cor preta fazia suas obras parecerem “aristocráticas”.

Louise Nevelson - Sem título, c. 1976. Construção em madeira pintada de preto. 94 × 36 × 16 3/4 pol; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, Nova York. © 2018 Espólio de Louise Nevelson/Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova York

4. “É muito mais direto fazer do jeito que eu faço. É imediato, é verdadeiro, e está ali.”

Depois de passar anos desenhando e pintando imagens de coisas quebradas, Nevelson percebeu que usar o próprio detrito introduziria uma verdade material em seu trabalho, além de dotá-lo do resíduo emocional das associações passadas com o que os materiais costumavam ser.

5. “É o trabalho e eu, não o público e eu. O público é um reflexo.”

Nevelson começou a fazer esculturas públicas em grande escala na década de 1970 usando materiais como plástico e aço Cor-Ten. Os críticos questionavam o significado do trabalho, que tinha uma aparência e sensação muito diferentes de suas assemblagens em madeira. Ela negava suas críticas, afirmando seu direito autônomo como artista de fazer qualquer tipo de obra que desejasse.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Madeira patinada. 12 × 9 × 7 pol; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Espólio de Louise Nevelson/Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova York

6. “A única realidade que reconheço é a minha própria realidade.”

Nevelson enfrentou pais controladores, um cônjuge controlador, críticos sexistas, curadores desdenhosos e espectadores ignorantes. Ela ignorou organizações sociais como “O Clube”, optando pela vida de uma outsider do mundo da arte. Apesar de todos que duvidaram e a desencorajaram, ela teve sucesso. Esta citação explica o porquê.

7. “Isso nos dá um lugar para mover através das três dimensões, para a quarta e além. É realmente um lugar onde você atravessa a matéria para o espírito.”

Nevelson se descrevia não como pintora nem escultora, mas como uma arquiteta que constrói com sombra e luz. Seu amor pelo Cubismo a inspirou a sempre fazer obras que recompensassem o movimento — uma expressão da quarta dimensão. Ela se interessava em criar ambientes para onde tanto o corpo quanto a mente pudessem viajar.

Louise Nevelson - Sem título, 1985. Madeira pintada de preto. 44 × 22 × 17 1/5 pol; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Espólio de Louise Nevelson/Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova York

8. “Quando você está criando, há uma energia adicional que supera qualquer outra coisa.”

Nevelson era uma artista notoriamente reservada e disciplinada. Ela acreditava que as emoções oferecidas por coisas que não o trabalho criativo empalideciam em comparação com a emoção que recebia em seu estúdio. Quando sua agora famosa instalação “Dawn’s Wedding Feast” estreou na exposição “Sixteen Americans” no MoMA, ela disse que em parte simbolizava seu casamento com seu trabalho.

9. “Não é como eu vivo, é como eu termino minha vida.”

Quando Nevelson era jovem, sua família a desencorajava de se tornar artista dizendo que isso não lhe proporcionaria um estilo de vida confortável. Mesmo assim, ela sabia que só poderia estar em paz quando morresse se permanecesse fiel a si mesma.

Imagem em destaque: Louise Nevelson - Maquete para Night Wall VI, 1977-1979. Aço soldado pintado de preto. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 pol; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Espólio de Louise Nevelson/Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova York
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio