Ясность тона и формы в картинах Барнетта Newman

Знаменитые картины с «молниями» Barnett Newman, на которых изображены тонкие, светящиеся вертикальные полосы, окружённые погружающими цветными полями, считаются одними из самых выразительных и мощных произведений XX века. Однако в своё время Ньюман не был оценён по достоинству. Он достиг зрелого стиля лишь в сорок лет, и когда впервые выставил свои картины с «молниями», критики и коллекционеры единодушно их отвергли. Тем не менее, Ньюман оставался сосредоточенным на том, что хотел донести через своё искусство. Его долгий и трудный путь к успеху дал ему уникальный взгляд и возможность самому осмыслить смысл и цель жизни и искусства. К тому времени, когда история признала Ньюмана, его уникальный взгляд воплотился в художественном наследии, которое с безупречной ясностью передаёт универсальное, индивидуальное и возвышенное.

Barnett Newman — писатель

Barnett Newman с детства обладал страстью к общению как через слова, так и через образы. Выросший в Бронксе, он однажды выиграл школьный конкурс ораторского мастерства. К моменту окончания школы он почти каждый день посещал занятия в Художественной студенческой лиге. В колледже он реализовал свои увлечения, изучая искусство, специализируясь на философии и публикуя статьи в студенческих изданиях. Но несмотря на огромный талант и стремление, после окончания колледжа Ньюман не имел чёткого представления о том, как применить свои увлечения в карьере.

После получения степени по философии в 1927 году Ньюман начал работать в семейном бизнесе, пытаясь накопить деньги, чтобы потом посвятить себя жизни художника. Но когда через два года рухнул фондовый рынок, почти все перспективы для него и его семьи исчезли. Столкнувшись с суровой реальностью, Ньюман всерьёз занялся выживанием любыми способами. Он пробовал себя в качестве учителя-заменителя и писал для различных изданий на темы политики и истории искусства. Несмотря на трудности и поиски, он продолжал рисовать и заводил знакомства с единомышленниками, которые тоже искали свой путь. Среди этих связей были его жена Аннали, художники Mark Rothko и Adolph Gottlieb, а также владелица галереи Betty Parsons.

 

Barnett Newman — Midnight Blue, 1970. 239 x 193 см. Музей Людвига, Кёльн, Германия. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

 

Barnett Newman — философ

В течение 1930-х и начала 1940-х годов Ньюман был постоянно недоволен своими попытками как художника. В нём жил дух поэта и философа, и он искал способ выразить свою внутреннюю сущность через искусство. Он находил утешение в написании текстов об искусстве, создавая эссе для каталогов выставок других художников благодаря связям с Betty Parsons. Эти тексты, а также разнообразный жизненный опыт и личные трудности постепенно привели его к разработке глубокой теории о природе человека и назначении искусства.

Он изложил эту философию в двух эссе, написанных в 1947 и 1948 годах. Первое эссе называлось The First Man Was an Artist. В нём Ньюман утверждал, что поэтический или художественный инстинкт всегда предшествовал утилитарному у человека с начала времён. Он доказывал, что глиняные скульптуры богов появились раньше керамики, а поэтические стоны и крики, выражающие самые первобытные эмоции, предшествовали так называемым цивилизованным высказываниям. «Керамика — продукт цивилизации», писал Ньюман. «Художественный акт — личное право человека по рождению».

 

Barnett Newman — Dionysius, 1949. Масло на холсте. Размер: 170,2 x 124,5 см (67 x 49 дюймов). Подарок Аннали Ньюман в честь 50-летия Национальной галереи искусства. 1988.57.2. Коллекция Национальной галереи искусства. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

 

Barnett Newman — художник

Второе важное эссе Ньюмана называлось The Sublime Is Now. В нём он критиковал всех прошлых художников за то, что они просто гнались за красотой. Даже модернисты, по его мнению, лишь переосмысливали красоту, создавая «перенос ценностей вместо создания нового видения». Он утверждал, что он и его современники стремились к чему-то совершенно новому, «полностью отрицая, что искусство связано с проблемой красоты и её поиском». Он настаивал, что их работы не связаны ни с историей, ни с ностальгией, ни с мифами, а являются «самоочевидными» и созданы «из собственных чувств».

Результатом всей этой философии для Ньюмана стал 1948 год, когда он создал свой знаковый шедевр Onement, первую из своих zip paintings. Название произведения — игра слов. Оно отсылает к слову atonement (искупление), которое может означать исправление чего-то, а также является христианским символом слияния человечества и божественного в образе Христа. Но, опуская первые две буквы, Ньюман также ссылался на целостность личности, единство, и свою главную идею о том, что вся полнота возвышенного понимания может содержаться в одном человеке или, если угодно, в одной картине.

 

Barnett Newman — Onement I, 1948. Масло на холсте и масло на малярной ленте на холсте. 69,2 x 41,2 см (27 1/4 x 16 1/4 дюйма). Подарок Аннали Ньюман. 390.1992. Коллекция MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

 

Особое выражение цели

После создания Onement Barnett Newman уничтожил все свои предыдущие работы. Он достиг эстетического голоса, который искал, и с того момента продолжал уничтожать любые работы, не соответствующие его конкретному видению. Ирония в том, что он был не единственным, кто чувствовал необходимость уничтожать свои работы. Этот горький урок он усвоил в 1950 году, когда начал сотрудничать с подругой Betty Parsons. За следующие два года он провёл в её галерее две персональные выставки. На обеих картины были порезаны, а критики в отзывах единодушно осуждали работы.

Потрясённый ненавистью, с которой столкнулся, Ньюман снял свои работы с выставок Betty Parsons и полностью прекратил показывать их в течение следующих четырёх лет. Он даже выкупил одну из проданных картин, написав коллекционеру: «Условия ещё не созданы... чтобы позволить прямое, невинное отношение к отдельному моему произведению». Но он продолжал писать свои картины с «молниями», искренне веря, что они передают чистоту и величие возвышенного, индивидуального духа. Когда он наконец решил снова выставлять свои работы, их всё равно критиковали, и один из критиков на выставке 1957 года картины Vir Heroicus Sublimis даже проклял её, обращая внимание лишь на размер и красный цвет.

 

Barnett Newman — Vir Heroicus Sublimis, 1950. Масло на холсте. 242,2 x 541,7 см (7' 11 3/8" x 17' 9 1/4"). Подарок г-на и г-жи Бена Хеллера. 240.1969. Коллекция MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

 

Следующее поколение

Несмотря на непонимание публики, Ньюман упорно продолжал, упрощая своё выражение. Его самые успешные работы состояли всего из двух элементов: тона и формы. «Молнии» сами по себе были не столько формами, сколько очертаниями. Но картины в целом были формами. «Молнии» были выражением тональных качеств, сдвигом цвета, отличающим их от окружающих цветных полей. Он также выражал тон в музыкальном смысле — как чёткое, точное, протяжённое выражение голоса. Через ясное выражение тона и формы Ньюман определил свою твёрдую веру в ценность силы, своеобразия и универсальной сущности личности.

Несмотря на искренность и страсть, в 1950-х годах только один критик поддерживал Barnett Newman — Клемент Гринберг. Хотя его поддержка мало повлияла на признание искусства в художественных кругах, она отражала растущее понимание молодого поколения того, что представлял Ньюман. Для молодых художников он не связывал их с прошлым, а освобождал для принятия их уникальной индивидуальности. Он показал, что зрители могут воспринимать любую его картину так же, как встречают другого человека: как одну сущность, встречающую другую. Он доказал, что картины не обязаны быть связаны друг с другом или с историей. Он показал, что каждое произведение — это вселенная сама по себе.

 

Barnett Newman — The Third, 1964. Масло на холсте. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

 

Отложенное, но прочное влияние

Хотя до тех пор, пока Ньюман не достиг шестидесятилетнего возраста, новое поколение не могло понять его идеи, он в конце концов заслужил уважение и признание, которых достоин. Сегодня влияние Barnett Newman можно увидеть у многих современных абстрактных художников, создавших своеобразные эстетические видения, основанные на тоне и форме. Например, обратите внимание на Tom McGlynn, который создал возвышенное и своеобразное видение, основанное на тоне и форме; или на работы Richard Caldicott, исследующие серийное повторение и структуры в создании уникальных эстетических пространств.

Несмотря на первоначальное непонимание его творчества, Barnett Newman теперь регулярно включают в число лучших представителей абстрактного экспрессионизма, художников цветного поля и даже минималистов. Но он считал себя не связанным ни с одной из этих групп. Он воспринимал себя скорее как отдельное движение. Тем не менее, хотя по стилю он не был похож на абстрактных экспрессионистов, он был носителем ценности личного выражения. Хотя он не был художником цветного поля, он показал способность тональных качеств создавать медитативные и созерцательные эстетические формы. И хотя он не был минималистом, он предвидел ценность упрощения и сокращения визуального языка.

 

Barnett Newman — Black Fire I, 1963. Масло на холсте. 289,5 x 213,3 см (114 x 84 дюйма). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

 

Изображение на обложке: Barnett Newman — Onement I (фрагмент), 1948. Масло на холсте и масло на малярной ленте на холсте. 69,2 x 41,2 см (27 1/4 x 16 1/4 дюйма). Подарок Аннали Ньюман. 390.1992. Коллекция MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Phillip Barcio