Радость от цветного абстрактного искусства в галерее Mnuchin

Галерея Mnuchin в Нью-Йорке в настоящее время представляет Радость цвета, праздничную групповую выставку цветного абстрактного искусства, датируемого с 1939 по 2018 год. Выставка предлагает уникальный взгляд на множество способов, которыми художники используют цвет как содержание и концепцию. В ней представлены работы многих исторически значимых художников, которых представляет галерея, таких как Александр Калдер, Джоан Митчелл, Марк Ротко, Моррис Луис и Сэм Гиллиам, наряду с работами пионеров 20 века, таких как Хелен Франкенталер, Альма Томас, Кеннет Ноланд и Джек Буш. Также включены картины жизненно важных современных художников, таких как Лаура Оуэнс и Шон Скалли, и относительно новых имен, таких как Сара Краунер и Натали Провости. Для некоторых ньюйоркцев эта выставка может стать идеальной возможностью вернуться в пространство Mnuchin. В 2016 году арт-критик журнала New York Джерри Сальтц опубликовал разглагольствование под названием "Почему я больше не пойду в галерею Mnuchin". Он указал на то, что Стивен Мнучин — сын владельца галереи Роберта Мнучина — был назначен главой по финансированию кампании тогдашнего кандидата в президенты Дональда Трампа как на свою причину. С тех пор, как эта статья появилась, Стивен Мнучин был назначен министром финансов Соединенных Штатов. По причинам, не имеющим ничего общего с искусством и имеющим все отношение к идеологии, Сальтц призвал своих читателей наказать отца, продающего искусство, за предполагаемые политические грехи сына. Такая вымышленная драма абсурдна, но тем не менее, любой, кто поддался социальному давлению, должен рассмотреть Радость цвета как идеальный повод дать галерее новый шанс. Выставка больше похожа на прогулку по современному и современному разделу небольшого, но важного музея, чем на прогулку по коммерческой галерее. Работа демонстрирует, как абстрактное искусство в своем лучшем проявлении имеет способность преодолевать мелкие политические разногласия и открывать новые двери восприятия того, что является красивым и значимым в этом мире.

Цвет как стратегия

Радость цвета открывается скромной мобилью Кальдера, висящим с потолка у лестницы. Красные, желтые, белые и серые абстрактные формы нежно кружатся в потоках воздуха, создаваемых нашими телами и дыханием. Кальдер использовал цвет, чтобы заставить людей задуматься о "идее отделенных тел, плавающих в пространстве." Эти причудливые цветные формы предлагают что-то, что можно наслаждаться, размышляя о универсальных вопросах, таких как физика и механика. За мобилью, с обеих сторон арки расположены две небольшие картины. Слева находится "Лодка" (2018) Натали Провости. Справа — безымянное цветное поле Марка Ротко, около 1959 года. Оба произведения структурированы, плоские и прямоугольные. Оба используют тонкие изменения цвета, чтобы пригласить зрителя в созерцательный опыт. Цвет здесь не является содержанием, сколько входной точкой в перцептивные встречи с нашим внутренним «я». Особенно картина Провости, с ее тонкими вариациями желтого, выявляет нюансированные различия между, казалось бы, похожими вещами — только обобщая, мы можем назвать это монохромом. Каждый желтый не одинаков.

Натли Провости - Лод, 2018. Масло на льне на алюминиевой панели. 19 x 15 дюймов (48.3 x 38.1 см). © Натли Провости. Courtesy Mnuchin Gallery

Другие картины на выставке, которые используют цвет как стратегию для вовлечения других типов содержания, включают "Aleph Series V" (1960) Морриса Луиса, "Landline Green Bolt" (2018) Шона Скалли, безымянную картину Лауры Оуэнс 2006 года и безымянный холст Джоан Митчелл 1958 года. Картина Луиса привлекает наш взгляд вибрирующими цветовыми отношениями по краям, но по мере того как цвета сливаются в темноту в центре, мы становимся более осведомленными о поверхности: не грунтованный холст становится единым с краской, так же как цвета и формы становятся едиными друг с другом — все сливается в одно. Картина Скалли использует цвет, чтобы вовлечь нас в размышления о мазках кисти и текстурах, приглашая оценить материальные качества краски. Картина Оуэнс использует цвет как эмоциональный триггер. Ее радостная палитра отражает фигуративные аспекты работы, которые наслаждаются женственностью, открытостью и природой. Наконец, бурные мазки кисти на холсте Митчелл показывают нам, как цвет может стать синонимом настроения, выражая глубочайшую тоску человеческого духа.

Шон Скалли - Landline Green Bolt, 2018. Масло на алюминии. 85 x 75 дюймов (215.9 x 190.5 см). © Шон Скалли. Courtesy Mnuchin Gallery

Цвет как пространство

Многие картины в Радость цвета используют цвет в более формальном смысле, показывая цвет как эффективного создателя и очерчивающего визуальное пространство. "Красные впечатления природы" (1968) Альмы Томас предлагает эпическое разъяснение этой концепции. Издалека цвета объявляют линейную структуру, разделяя визуальную архитектуру на вертикальные полосы. При более близком рассмотрении колонны распадаются на множество органических форм. Белое пространство между формами и колоннами утверждает себя как мир за пределами поверхности. Подобная магия работает в "Клубнике" (1970) Джека Буша. Огромная, розоватая форма "U" перекликается своим оттенком с названием картины, в то время как более светлый розовый фон, испещренный темными пятнами, создает объемность. Дополнительная цветовая полоса вдоль нижней части холста как бы уплощает пространство и обманывает глаз, заставляя его ощущать сочетание линии горизонта и кинетического парада геометрических форм.

Алма Томас - Красные впечатления природы, 1968. Акрил на холсте. 51 x 49 1/2 дюймов (129.5 x 125.7 см). © Алма Томас. Courtesy Mnuchin Gallery

Среди самых привлекательных пространственных композиций на выставке – «Эльберта» (1975) Хелен Франкенталер, «Тайны: Сияние» (2002) Кеннета Ноланда и «Волна (Урсула)» (2014) Сары Краунер. Франкенталер создает огромную открытость в своей живописи с пропиткой, открывая глаз для обширной и светящейся визуальной вселенной; Ноланд достигает противоположного эффекта, упрощая и централизуя пространство с помощью своей знакомой композиции в виде мишени; Краунер организует пространство в гармоничное диссонансное состояние с вибрирующими, биоморфными волнообразными формами красного и оранжевого цветов. Однако самое глубокое создание пространства принадлежит «Атмосфере» (1972) Сэма Гиллиама. Его фирменная техника скошенных краев поверхности позволяет цветам создавать пространство за пределами физических границ работы. Картина приглашает нас задуматься о том, что находится за пределами того, что мы можем видеть — жизненно важная проблема для нас в эту эпоху, и, возможно, даже мистер Салц захочет заглянуть в галерею, чтобы это обдумать. Радость цвета будет выставлена до 8 декабря 2018 года.

Изображение на обложке: Радость цвета - групповая выставка в галерее Mnuchin, Нью-Йорк, 2018. © Tom Powel Imaging. Предоставлено галереей Mnuchin
От Филлипа Barcio