Радость от цветного абстрактного искусства в галерее Mnuchin

Галерея Mnuchin в Нью-Йорке в настоящее время представляет Радость цвета, праздничную групповую выставку яркого абстрактного искусства, охватывающую период с 1939 по 2018 год. Экспозиция предлагает уникальный взгляд на множество способов, которыми художники используют цвет как содержание и концепцию. В ней представлены работы многих исторически значимых художников, которых представляет галерея, таких как Александр Калдер, Джоан Митчелл, Марк Ротко, Моррис Луис и Сэм Гиллиам, а также пионеров искусства XX века, таких как Хелен Франкенталер, Альма Томас, Кеннет Ноланд и Джек Буш. Также включены картины важных современных художников, таких как Лаура Оуэнс и Шон Скалли, а также относительно новых имен, таких как Сара Краунер и Натли Провости. Для некоторых жителей Нью-Йорка эта выставка может стать отличным поводом вернуться в пространство Mnuchin. В 2016 году арт-критик журнала New York Джерри Сальц опубликовал разгромную статью под названием «Почему я больше не собираюсь в галерею Mnuchin». Он объяснил это тем, что Стивен Мнучин — сын владельца галереи Роберта Мнучина — был назначен руководителем избирательного фонда тогдашнего кандидата в президенты Дональда Трампа. С тех пор Стивен Мнучин стал министром финансов США. По причинам, не связанным с искусством, а исключительно с идеологией, Сальц призвал своих читателей наказать отца, продающего искусство, за предполагаемые политические грехи сына. Такая выдуманная драма абсурдна, но тем не менее, все, кто поддался общественному давлению, должны считать Радость цвета отличным поводом дать галерее новый шанс. Выставка больше похожа на прогулку по разделу современного и новейшего искусства небольшого, но важного музея, чем на посещение коммерческой галереи. Работы показывают, как абстрактное искусство в своем лучшем проявлении способно преодолевать мелкую политику и открывать новые горизонты восприятия красоты и смысла в этом мире.

Цвет как стратегия

Радость цвета начинается с скромного мобиля Калдера, подвешенного к потолку у лестницы. Красные, жёлтые, белые и серые абстрактные формы нежно вращаются на ветру, создаваемом нашими движениями и дыханием. Калдер использовал цвет, чтобы заставить людей задуматься о «идее отделённых тел, плавающих в пространстве.» Эти причудливые цветные формы дарят удовольствие, одновременно побуждая размышлять о таких универсальных вопросах, как физика и механика. За мобилью по обе стороны арки расположены две небольшие картины. Слева — «Lode» (2018) Натли Провости. Справа — безымянное цветовое поле Марка Ротко, около 1959 года. Обе композиции структурированы, плоские и прямоугольные. Обе используют тонкие переходы цвета, приглашая зрителя к созерцательному опыту. Здесь цвет не столько содержание, сколько вход в восприятие нашего внутреннего мира. Особенно картина Провости с её тонкими вариациями жёлтого оттенка выявляет нюансы между, казалось бы, похожими вещами — только обобщая, можно назвать её монохромной. Не каждый жёлтый одинаков.

Натли Провости — Lode, 2018. Масло на льняном холсте на алюминиевой панели. 48,3 x 38,1 см. © Натли Провости. Предоставлено галереей Mnuchin

Другие картины на выставке, использующие цвет как стратегию для передачи другого содержания, включают «Aleph Series V» (1960) Морриса Луиса, «Landline Green Bolt» (2018) Шона Скалли, безымянную картину Лауры Оуэнс 2006 года и безымянное полотно Джоан Митчелл 1958 года. Картина Луиса привлекает взгляд вибрирующими цветовыми отношениями по краям, но по мере того как цвета сливаются в темноту в центре, мы начинаем больше замечать поверхность: не загрунтованный холст становится единым целым с краской, так же как цвета и формы сливаются друг с другом — всё тает в одно. Картина Скалли использует цвет, чтобы привлечь внимание к мазкам кисти и текстурам, приглашая оценить материальные качества краски. Картина Оуэнс применяет цвет как эмоциональный триггер. Её радостная палитра отражает фигуративные аспекты работы, которые наслаждаются женственностью, открытостью и природой. Наконец, бурные мазки на полотне Митчелл показывают, как цвет может стать синонимом настроения, выражая глубочайшие переживания человеческого духа.

Шон Скалли — Landline Green Bolt, 2018. Масло на алюминии. 215,9 x 190,5 см. © Шон Скалли. Предоставлено галереей Mnuchin

Цвет как пространство

Многие картины в Радости цвета используют цвет в более формальном смысле, показывая его как эффективный создатель и разграничитель визуального пространства. «Nature’s Red Impressions» (1968) Альмы Томас предлагает эпическое объяснение этой идеи. Издали цвета образуют линейную структуру, разделяя визуальную архитектуру на вертикальные полосы. При более близком рассмотрении колонны распадаются на множество органических форм. Белое пространство между формами и колоннами утверждается как мир за пределами поверхности. Похожее волшебство происходит в «Strawberry» (1970) Джека Буша. Огромная розоватая форма в виде буквы «U» перекликается своим оттенком с названием картины, а светло-розовый фон с тёмными пятнами создаёт ощущение объёма. Дополняющая цветовая полоса внизу полотна одновременно уплощает пространство и обманывает глаз, создавая ощущение линии горизонта и кинетического шествия геометрических форм.

Альма Томас — Nature's Red Impressions, 1968. Акрил на холсте. 129,5 x 125,7 см. © Альма Томас. Предоставлено галереей Mnuchin

Среди самых заметных пространственных композиций на выставке — «Elberta» (1975) Хелен Франкенталер, «Mysteries: Aglow» (2002) Кеннета Ноланда и «The Wave (Urszula)» (2014) Сары Краунер. Франкенталер создаёт огромное пространство в своей работе с эффектом пропитывания, открывая взгляд на обширную и светящуюся визуальную вселенную; Ноланд достигает противоположного эффекта, упрощая и централизуя пространство с помощью своей узнаваемой композиции в виде мишени; Краунер организует пространство в гармоничное диссонансное сочетание вибрирующих биоморфных красных и оранжевых волн. Однако самое глубокое создание пространства принадлежит «Atmosphere» (1972) Сэма Гиллиама. Его фирменная техника скошенных краёв поверхности позволяет цветам создавать пространство за пределами физических границ работы. Картина приглашает задуматься о том, что находится за пределами видимого — важный вопрос для нас в наше время, и, возможно, даже мистер Сальц захочет заглянуть в галерею, чтобы об этом подумать. Радость цвета будет открыта до 8 декабря 2018 года.

Изображение на обложке: Радость цвета — групповая выставка в галерее Mnuchin, Нью-Йорк, 2018. © Tom Powel Imaging. Предоставлено галереей Mnuchin
Автор: Филлип Барцио