Эти художники продолжают переосмыслять 3D-печатное искусство
Я однажды услышал шутку на открытии выставки, посвященной 3D-печатному искусству. Она звучала примерно так: "Как узнать, что вы смотрите на произведение 3D-печатного искусства?" Ответ: "Потому что все об этом говорят." Это заставило меня рассмеяться, прежде всего потому, что это правда: люди так взволнованы этим медиа, что просто не могут удержаться от обсуждения. И, во-вторых, я рассмеялся, потому что в почти каждом случае 3D-печатного искусства, которое я видел, тот факт, что оно было создано с помощью 3D-принтера, казался мне несущественным. Ничто в этих работах не требовало этой технологии. Все это могло быть сделано с помощью каких-то других средств. Это ставит вопрос: о чем все говорят? 3D-принтеры — это просто инструменты, ничем не отличающиеся по своей природе от, скажем, проекторов. Я никогда не видел, чтобы кто-то подошел ко мне в галерее, указал на рисунок и сказал: "Это было сделано с помощью проектора." Но, с другой стороны, я никогда не слышал, чтобы кто-то подошел ко мне и сказал: "Это было сделано полностью помощниками, пока художник был в отпуске." Суть в том, что это не имеет значения. Как только идея для произведения искусства сформирована и предприняты шаги для ее реализации, не имеет значения, выполняется ли фактическая работа этой машиной или той машиной, или этой парой рук или той парой рук. Тот факт, что для создания искусства использовался 3D-принтер, никоим образом не подтверждает ценность работы — это всего лишь один аспект опыта, и обычно самый незначительный аспект. Это, по крайней мере, мое мнение. Поэтому, когда меня попросили написать о художниках, которые переопределяют 3D-печатное искусство, я принял точку зрения, что должен представить художников с интересными идеями и создавать работы, о которых мне хотелось бы говорить, независимо от того, как создается работа. Итак, с этой оговоркой, вот семь художников, использующих технологию 3D-печати для создания своих работ, которые, благодаря силе своих идей, переопределяют место этого нового инструмента в современном эстетическом контексте.
Риркрит Тиравания
Если вы когда-либо слышали термин Реляционная эстетика или Реляционное искусство, вы, вероятно, слышали о тайском художнике Риркрите Тираваджи. Его работа была важна для роста популярности этого типа художественного опыта в 1990-х годах. Его самая известная выставка реляционного искусства называлась пад тай. На выставке, которая проходила в галерее Паула Аллена в Нью-Йорке в 1990 году, вместо того чтобы создавать и показывать работы, художник готовил пад тай в пространстве и подавал его посетителям галереи. Выставка помогла определить реляционную эстетику как исследование идеи о том, что художники не столько создатели, сколько фасилитаторы опыта. Человеческие отношения, возникающие из этого опыта, являются самым важным.
В последнее время Тираваджи привлекает внимание своей погружающей инсталляцией на Art Basel Hong Kong 2017, которая ставила под сомнение роль искусства и истории искусства в человеческом опыте. Произведение представляло собой гигантский лабиринт, построенный из традиционно связанных бамбуковых стеблей. Посетители входили в лабиринт, и, находя свой путь внутри него, постепенно сталкивались с пятью 3D-печатными бонсай-деревьями, каждое из которых было установлено на деревянном пьедестале, вдохновленном скульптурными основаниями, когда-либо созданными художником Константином Бранкуши. То, что бонсай-деревья напечатаны на 3D-принтере, не является самым важным. Важно то, что они искусственные. Суть бонсай-дерева заключается в том, что это естественное существо, вмешательство человеческих рук в которое происходит таким образом, что это вмешательство неузнаваемо. В данном случае искусственность деревьев в сочетании с вызывающими ассоциациями, вдохновленными лабиринтом, и все это смешано с историческими отсылками к искусству, работает вместе, чтобы предоставить зрителям абстрактный, открытый опыт, который требует социального взаимодействия для понимания его потенциальных уровней смысла.
Rirkrit Tiravanija - Без названия 2017 (без воды без огня), 2017. 3D напечатанное бонсай-дерево на деревянной основе. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin
Столетия Сомерса
Слово vanitas происходит от латинского языка и означает пустоту. Оно использовалось в Нидерландах в 16 и 17 веках как название для типа натюрморта. Картины в стиле ванитас — это, по сути, натюрморты, показывающие коллекции банальных, материальных объектов, обычно вместе с человеческими черепами, иллюстрируя бессмысленность стремления к земным вещам. Голландская художница и дизайнер Вики Сомерс использовала визуальный язык, характерный для картин в стиле ванитас, в серии 3D-печатных произведений искусства, которые она создала в 2010 году в ответ на конкурс дизайна, который призывал дизайнеров "подумать о понятии прогресса". Названная Потреблять или Сохранять, созданная ею серия включала три натюрмортных скульптурных табло. Каждое табло состояло из банальных, повседневных продуктов, таких как весы, пылесос и тостер, полностью 3D-печатных из пепла человеческих останков.
В своем объяснении работы Сомерс отметила, что человеческие технологии достигли такой степени, что мы вскоре можем столкнуться с перспективой вечной жизни. "Но," спросила она, "что хороша вечная жизнь, если мы используем ее только для того, чтобы продолжать быть простыми потребителями, стремящимися к все большему количеству продуктов, независимо от последствий? Продолжая по этому пути некритикованной инновации, однажды мы можем обнаружить, что превратились в те самые продукты, которые собираем." Она проследила эту концепцию до ее логического завершения, буквально создавая продукты из остатков когда-то драгоценных человеческих жизней.
Вики Сомерс - Потреблять или Сохранять, 2010. 3D напечатанные человеческие останки. © Вики Сомерс
Стефани Лемперт
Художник из Нью-Йорка Стефани Лемперт создает работы о коммуникации. Она надеется привлечь наше внимание к языку и способам, которыми мы используем его для передачи наших историй, нашей истории и наших воспоминаний, чтобы создать смысл в нашей жизни. Многосторонний художник, Лемперт использует различные медиа. Одним из ее самых лаконичных циклов работ является серия под названием Реконструированные реликварии, для которой она создала скульптурные реликвии, которые буквально построены из языка. Эти объекты говорят сами за себя на нескольких уровнях. Лемперт создала их с помощью программного обеспечения для 3D-печати. Однако она предпочитает использовать стандартную в отрасли, но менее модную терминологию, скульптура быстрого прототипирования.
Стефани Лемперт - Реконструированные реликварии, В поисках потерянного времени, 2011. Быстрое прототипирование скульптуры. © Стефани Лемперт
Тео Янсен
Голландский художник Тео Янсен впервые стал известен в 1990-х годах, когда начал создавать свои Страндбисты, гигантских, кинетических существ, которые, кажется, сами ходят. Они, как он их называет, "самодвижущиеся пляжные животные". Вы, возможно, видели кадры, на которых они поэтично ползают по пляжам по всему миру. Частично дизайнер, частично инженер и частично художник, Янсен однажды сказал: "Стены между искусством и инженерией существуют только в наших умах". Обычно его большие творения сделаны из ПВХ-труб. Но недавно он начал делать свои творения доступными почти для всех, предлагая миниатюрные, 3D-печатные Страндбисты на продажу всего за 160,00 евро. Что самое замечательное, любой, кто сможет получить планы, может напечатать один из них. Как говорится на его сайте: "Страндбисты Тео Янсена нашли способ размножаться, вводя свою цифровую ДНК прямо в 3D-печатные системы."
Тео Янсен - Миниатюрный 3D напечатанный Страндбист. © Тео Янсен
Ник Эрвинк
Работа бельгийского художника Ника Эрвинка кричит яркими цветами и захватывающими формами, воплощая представление о том, что каким-то образом объект, занимающий пространство, также может создавать пространство. Его скульптуры бывают разных размеров, от миниатюр до монументальных общественных работ. Создавая свои собственные инструменты и техники 3D-печати, он раздвигает границы этого инструмента, используя его не только как цель, но и как идиосинкразический метод реализации своих личных визионерских творений.
Ник Эрвинк - EGNOABER, 2015. Полиуретан и полиэстер. 710 x 440 x 490 см. © Ник Эрвинк
Шейн Хоуп
Художник из Бруклина Шейн Хоуп использует 3D-печатные клеточные структуры как один из элементов своих абстрактных картин. С расстояния они выглядят как живописные работы, нагроможденные густыми мазками кисти, но при более близком рассмотрении обнаруживаются стопки собранных нано-структур. То, что этот элемент был 3D-печатным, не очевидно и не обязательно для восприятия работ, но размышления о последствиях технологии добавляют слои к их потенциальному значению.
Шейн Хоуп - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-печатные молекулярные модели из PLA на акриловом субстрате. © Шейн Хоуп, любезно предоставлено галереей Уинклеман, Нью-Йорк
Моника Хорчикова
Работа чешской художницы Моники Хоржичовой завораживает и прекрасна. Она возвращается к темам человеческих костей и скелетных структур, создавая композиции, которые ставят под сомнение наши представления о собственном предназначении и потенциале. Хотя она не работает исключительно в этом медиуме, она часто использует технологии 3D-печати для создания своих гипсовых композитных скульптур.
Моника Хорцикова - K2, 2011. 3D напечатанный гипсовый композит. © Моника Хорцикова
Изображение: Риркрит Тиравасит - Без названия 2013 (индексная тень №1), 2013-2017. Основание из нержавеющей стали (3 панели), 3D-печатный пластик (дерево бонсай), куб из нержавеющей стали (постамент). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 дюймов, 90 × 90 × 90 см. © Риркрит Тиравасит и галерея Пилар Корриас, Лондон
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio
