Эти художники продолжают переосмыслять 3D-печатное искусство

Однажды на открытии выставки, посвящённой 3D-печатному искусству, я услышал шутку. Она звучала примерно так: «Как понять, что перед вами произведение 3D-печатного искусства?» Ответ: «Потому что все вам об этом говорят». Это меня сначала рассмешило, потому что в этом есть доля правды — люди так увлечены этим средством, что не могут удержаться от разговоров о нём. А потом я смеялся ещё и потому, что во многих случаях 3D-печатного искусства, которые я видел, факт использования 3D-принтера казался мне несущественным. Ничто в этих работах не требовало именно этой технологии. Всё это могло быть сделано и другими способами. Тогда возникает вопрос: о чём же все так говорят? 3D-принтеры — всего лишь инструменты, ничем не отличающиеся по своей сути, скажем, от проекторов. Никто в галерее не подходит ко мне и не говорит: «Это сделано с помощью проектора». Но с другой стороны, никто не подходит и не говорит: «Это полностью сделали помощники, пока художник был в отпуске». Суть в том, что это не имеет значения. Как только идея произведения сформирована и предпринимаются шаги для её воплощения, неважно, выполняет ли работу эта машина или та, эти руки или другие. Факт использования 3D-принтера для создания искусства никак не подтверждает ценность работы — это лишь один из аспектов восприятия, и обычно наименее важный. По крайней мере, это моё мнение. Поэтому, когда меня попросили написать о художниках, которые переосмысливают 3D-печатное искусство, я решил сосредоточиться на тех, у кого есть интересные идеи и работы, о которых я хотел бы рассказать, независимо от способа их создания. С этим оговором представляю семь художников, использующих технологию 3D-печати для создания своих работ, которые благодаря силе своих идей переопределяют место этого нового инструмента в современной эстетике.

Риркрит Тиравания

Если вы когда-либо слышали термин Реляционная эстетика или Реляционное искусство, то, вероятно, знакомы с тайским художником Риркритом Тиравания. Его работы сыграли ключевую роль в популяризации этого типа художественного опыта в 1990-х годах. Его самая известная выставка реляционного искусства называлась pad thai. Для выставки, прошедшей в галерее Паула Аллена в Нью-Йорке в 1990 году, художник вместо создания и показа работ готовил пад тай прямо в зале и угощал им посетителей. Эта выставка помогла определить реляционную эстетику как исследование идеи, что художники — не столько создатели, сколько организаторы опыта. Самое важное — это человеческие отношения, возникающие из этого опыта.

В последнее время Тиравания привлекает внимание своей погружающей инсталляцией на Art Basel Hong Kong 2017, которая ставила под вопрос роль искусства и истории искусства в человеческом опыте. Работа представляла собой гигантский лабиринт, построенный из традиционно связанного бамбука. Посетители входили в лабиринт и, продвигаясь по нему, постепенно встречали пять 3D-печатных бонсай, каждый из которых стоял на деревянном пьедестале, вдохновлённом скульптурными основаниями, когда-то созданными художником Константином Брынкуши. Сам факт, что бонсай напечатаны на 3D-принтере, не является самым важным. Главное — их искусственность. Смысл бонсая в том, что это природный объект, изменённый человеческими руками так, что вмешательство незаметно. В данном случае искусственность деревьев в сочетании с вызывающими ассоциации идеями лабиринта и отсылками к истории искусства создаёт абстрактный, открытый опыт, который требует социального взаимодействия для понимания его возможных уровней смысла.

Риркрит Тиравания — Без названия 2017 (нет воды, нет огня), 2017. 3D-печатный бонсай на деревянном основании. © Риркрит Тиравания, предоставлено галереей Neugerriemschneider, Берлин

Вики Сомерс

Слово ванитас происходит от латинского и означает пустоту. В Нидерландах XVI–XVII веков оно использовалось для обозначения жанра натюрморта. Ванитас — это натюрморты, изображающие набор банальных материальных предметов, часто вместе с человеческими черепами, иллюстрирующие бессмысленность стремления к земным благам. Голландская художница и дизайнер Вики Сомерс использовала визуальный язык ванитас в серии 3D-печатных работ, созданных в 2010 году в ответ на конкурс дизайна, в котором предлагалось «поразмышлять о понятии прогресса». Серия под названием Потреблять или сохранять включала три скульптурных натюрморта. Каждый из них состоял из банальных повседневных предметов, таких как весы, пылесос и тостер, полностью напечатанных из пепла человеческих останков.

В объяснении своей работы Сомерс отметила, что человеческие технологии развились до такой степени, что вскоре мы можем столкнуться с перспективой вечной жизни. «Но», — спросила она, — «какой смысл в вечной жизни, если мы используем её лишь для того, чтобы продолжать быть простыми потребителями, стремящимися к всё большему количеству товаров, не задумываясь о последствиях? Продолжая этот путь бесконтрольных новшеств, однажды мы можем превратиться в те самые продукты, которые собираем». Она довела эту идею до логического конца, буквально создавая продукты из остатков когда-то ценных человеческих жизней.

Вики Сомерс — Потреблять или сохранять, 2010. 3D-печатные человеческие останки. © Вики Сомерс

Стефани Лемперт

Нью-йоркская художница Стефани Лемперт создаёт работы о коммуникации. Она стремится привлечь внимание к языку и способам, которыми мы используем его для передачи наших историй, воспоминаний и смыслов в жизни. Многогранный художник, Лемперт использует разнообразные материалы. Одной из её самых лаконичных серий является Воссозданные реликварии, для которой она создала скульптурные реликвии, буквально построенные из языка. Эти объекты говорят сами за себя на нескольких уровнях. Лемперт создавала их с помощью программного обеспечения для 3D-печати. Однако она предпочитает использовать более технический, но менее модный термин — скульптура быстрого прототипирования.

Стефани Лемперт — Воссозданные реликварии, В поисках утраченного времени, 2011. Скульптура быстрого прототипирования. © Стефани Лемперт

Тео Янсен

Голландский художник Тео Янсен впервые стал известен в 1990-х, когда начал создавать свои Strandbeests — гигантские кинетические существа, которые, кажется, ходят сами по себе. Он называет их «самодвижущимися пляжными животными». Возможно, вы видели видео, как они поэтично ползают по пляжам мира. Частично дизайнер, частично инженер и частично художник, Янсен однажды сказал: «Стены между искусством и инженерией существуют только в нашем сознании». Обычно его большие творения сделаны из ПВХ-труб. Но недавно он начал делать свои работы доступными почти для всех, предлагая миниатюрные 3D-печатные Strandbeests по цене всего 160 евро. И самое замечательное — любой, кто получит чертежи, может распечатать себе такого. Как говорится на его сайте: «Strandbeests Тео Янсена нашли способ размножаться, внедряя своё цифровое ДНК прямо в системы 3D-печати».

Тео Янсен — Миниатюрный 3D-печатный Strandbeest. © Тео Янсен

Ник Эрвинк

Работы бельгийского художника Ника Эрвинка поражают яркими красками и захватывающими формами, воплощая идею о том, что объект, занимающий пространство, может одновременно создавать пространство. Его скульптуры бывают разных размеров — от миниатюр до монументальных общественных работ. Разрабатывая собственные инструменты и методы 3D-печати, он расширяет границы этого инструмента, используя его не просто как цель, а как своеобразный способ воплощения своих личных творческих замыслов.

Ник Эрвинк — EGNOABER, 2015. Полиуретан и полиэстер. 710 x 440 x 490 см. © Ник Эрвинк

Шейн Хоуп

Художник из Бруклина Шейн Хоуп использует 3D-печатные клеточные структуры как один из элементов своих абстрактных картин. С расстояния они выглядят как живописные работы с густыми мазками, но при более близком рассмотрении обнаруживаются стопки собранных наноструктур. Тот факт, что этот элемент создан с помощью 3D-печати, не очевиден и не обязателен для восприятия работ, но размышления о возможностях технологии добавляют им дополнительные уровни смысла.

Шейн Хоуп — Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-печатные молекулярные модели из PLA на акриловой основе. © Шейн Хоуп, предоставлено галереей Winkleman, Нью-Йорк

Моника Хорчицова

Работы чешской художницы Моники Хорчицовой завораживают и прекрасны. Она возвращается к темам человеческих костей и скелетных структур, создавая композиции, которые ставят под сомнение наши представления о собственном предназначении и потенциале. Хотя она не работает исключительно в этом материале, часто использует технологию 3D-печати для создания своих скульптур из гипсового композита.

Моника Хорчицова — K2, 2011. Гипсовый композит, напечатанный на 3D-принтере. © Моника Хорчицова

Изображение на обложке: Риркрит Тиравания — Без названия 2013 (индексная тень №1), 2013-2017. Основание из нержавеющей стали (3 панели), 3D-печатный пластик (бонсай), куб из нержавеющей стали (пьедестал). 90 × 90 × 90 см. © Риркрит Тиравания и галерея Pilar Corrias, Лондон
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Филлип Барцио