Что такое концептуальная живопись?

Каждое произведение искусства когда-то было лишь идеей в чьей-то голове. Забавная мысль, учитывая, как мимолётны идеи и как трудно воплотить даже лучшие из них в реальность. Концептуальная живопись, как область художественной практики, пытается преодолеть разрыв между идеями и материальной реальностью. Она рассматривает возможность того, что на каждую картину, которая в итоге оказывается на стене, приходится бесчисленное множество других, так и не перенесённых на холст, и бесчисленное множество альтернативных способов написания той самой картины. Она даже утверждает, что сама картина может не иметь значения; что единственное, что действительно важно — это идея.

Просто подумай об этом

Иногда лучший способ что-то сделать — не думать об этом. Просто сделай это, как гласит слоган. Когда мы останавливаемся и начинаем размышлять о сути того, что делаем, это может парализовать нас, ведь мы начинаем сомневаться, стоит ли затраченных усилий то, что мы делаем, или имеет ли это вообще какую-то ценность. Когда первые абстрактные художники начали свой путь создания чисто абстрактных произведений, они много думали и были полны идей. Но одновременно некоторые художники задавались вопросами о ценности этих или любых других идей.

В 1917 году Марсель Дюшан создал произведение искусства под названием «Фонтан». Это был перевёрнутый писсуар с подписью «R. Mutt». Дюшан взял обычный предмет и преобразил его, в данном случае перевернув и выведя из утилитарного контекста, сделав его первоначальное назначение бессмысленным и открыв новые возможности для смысла. «Фонтан» был отвергнут выставкой, на которую его подали, но стал эталоном того, что впоследствии получило название концептуального искусства — тенденции ставить ценность идей художника выше ценности его процессов или объектов.

Сара Хинкли - 2009, 15 x 9.8 дюймов, © Сара Хинкли

Образ — ничто

Многие из первых концептуальных картин вовсе не были картинами. В 1953 году художник Роберт Раушенберг задумал стереть картину. Он хотел сделать так, чтобы сам объект исчез, оставив лишь идею, и тем самым возвести её в новый ранг почитания. Он считал, что для полной реализации своей идеи кто-то другой должен уважать этот объект. Ему нужно было стереть работу другого художника, иначе это было бы просто отрицанием чего-то, чего никогда не было.

Раушенберг обратился к своему другу Виллему де Кунингу с просьбой пожертвовать любимую картину для его концепта. Хотя де Кунинг сначала сопротивлялся, в итоге он отдал Раушенбергу рисунок, который ненавидел видеть исчезающим и который было трудно стереть. Раушенберг использовал более десятка ластиков в течение более месяца, пока наконец не стер весь образ. Результат, названный «Стертый рисунок де Кунинга», уверенно утверждал, что идея произведения искусства важнее самого произведения, и что само произведение может вовсе не существовать.

Роберт Раушенберг - Стертый рисунок де Кунинга, 1953, следы рисовальных материалов на бумаге, 64,14 см x 55,25 см x 1,27 см, Музей современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA), Сан-Франциско, © Фонд Роберта Раушенберга

Создание невидимого

Идея первостепенной важности идеи быстро распространилась по западному миру. Художники начали экспериментировать с любыми возможными проявлениями идеи, считая, что если идея должна проявиться, она может проявиться множеством способов. Искусство о картине дерева могло проявиться как фотография дерева, картина дерева, рисунок дерева, абстрактная картина дерева, слова «картина дерева», написанные на поверхности, исполнитель, указывающий на настоящее дерево, интерпретативный танец, имитирующий дерево, или даже художник, сидящий на полу с закрытыми глазами и думающий о картине дерева.

В 1958 году художник Ив Кляйн провёл выставку картин в Париже, часто называемую «Пустота». Полное название выставки было «Специализация чувствительности в сыром материале в стабилизированную изобразительную чувствительность, Пустота». По легенде, более 3000 посетителей пришли посмотреть выставку. Войдя в галерею, зрители сталкивались с белой комнатой без картин, в которой стоял лишь пустой шкаф. Кляйн сказал о выставке: «Мои картины теперь невидимы, и я хотел бы показать их ясно и положительно».

Fieroza Doorsen - Без названия (Id. 1281), 2017, масло на бумаге, 27 x 19 см.

СолЛевитт

В 1968 году абстрактный художник Сол Левитт добавил новое измерение в область концептуальной живописи. Он выдвинул теорию, что не только неважно, проявится ли идея в виде физической картины, но и неважно, как она будет написана и кто её напишет. Важно лишь первоначальное выражение идеи художника. В подтверждение этой концепции Левитт начал создавать настенные росписи, которые обычно выполнялись не им самим, а другими людьми.

Идея Левитта заключалась в том, что каждая рука будет рисовать каждую линию по-своему, поэтому, хотя все работали по одним и тем же планам, каждый художник создавал роспись по-своему, отличаясь от других. Готовые работы отличались от оригинального замысла и друг от друга, но поскольку важен лишь оригинальный замысел, различия не имели значения, как и способы исполнения. Наследие идеи Левитта в том, что его концептуальные настенные росписи продолжают воспроизводиться и после его смерти.

Джон Монти - Ночное небо, 2010, графит на ручной бумаге, 24 x 17.7 дюймов, © Джон Монти

Будущее идей

Современная концептуальная живопись продолжает расширять наше понимание идей, лежащих в основе произведения искусства. Работа современной американской абстрактной художницы Debra Ramsay основана на идеях, фундаментальных для нашего времени. Её процесс заключается в отслеживании меняющихся цветов природы, таких как цвета сезонных растений, с последующим анализом этих изменений в компьютерной программе. Полученные данные используются для создания палитры, отражающей изменяющиеся природные цвета. Затем она использует эту палитру для создания абстрактного изображения объектов в пространстве, меняющихся со временем.

Работы Ramsay вызывают в памяти две основные идеи, доминирующие в нашей современной культуре. Первая — идея данных и представление о том, что каждый аспект нашей жизни контролируется, оцифровывается, вычисляется и анализируется в грандиозном поиске понимания. Вторая — идея того, что природа меняется, и что теперь мы можем лишь наблюдать за этим и каким-то образом находить в этом эстетическую красоту. Идеи Ramsay прекрасно воплощены в виде абстрактных картин, но именно сами идеи делают её работы столь актуальными для нашей культуры сегодня.

Debra Ramsay - Год цвета, скорректированный по длине дня, 2014, акрил на полиэфирной плёнке, 39.8 x 59.8 дюймов.

H7

Канадский абстрактный художник Джон Монти работает в различных техниках, ища наиболее удачное материальное воплощение своих художественных концепций. Одно из направлений, которое он часто исследует, — это текст. Монти извлекает фрагменты текста из различных источников, с которыми сталкивается в работе, таких как ежедневные новости, книга или разговор. Затем он представляет текст вне контекста в галерейной среде, что приглашает к новым концептуальным интерпретациям идей, содержащихся в словах.

Опираясь на множество медийных источников для текста в своих работах, текстовые рисунки Монти придают современный взгляд работам художников первого поколения концептуалистов, таких как Роберт Барри, который также часто работает с текстом. Работы Барри включают демонстрацию фрагментов текста на бумаге, холсте, стенах, полу или любой другой поверхности, подходящей для идеи. Его слова часто собственные, но иногда взяты из других текстов, и они представлены так, чтобы вызывать новые ассоциации и смыслы. Часто эти концептуальные работы передают гораздо больше информации, чем традиционная картина, требуя участия воображения зрителя.

Материя и смысл

В 1965 году в знаковом произведении концептуального искусства под названием Один и три стула концептуальный художник Джозеф Косут представил настоящий стул, фотографию стула и письменное описание того, что такое стул. Как и многие другие концептуальные работы, оно поставило на первый план вопрос о различии между идеями, объектами и абстракциями.

Сегодня мы принимаем, что концептуальная живопись не обязательно должна быть картиной и не обязательно должна существовать в материальной форме. Но если она существует, важно ли это? Имеет ли значение, что она здесь, в физическом мире? Действительно ли нет разницы между объектом и идеей? Ценим ли мы идею больше? Если бы мы голодали, что бы мы предпочли: рецепт, картину с изображением еды или саму еду? В практическом плане концептуальная живопись задаёт и отвечает на один из важнейших вопросов человечества: важно ли то, что мы делаем?

Изображение в заголовке: Роберт Барри - Без названия (Что-то, что никогда не может быть чем-то конкретным), 1969, машинописный текст на бумаге, 4 x 6 дюймов, © Роберт Барри

Все изображения используются только в иллюстративных целях