Что такое концептуальная живопись?

Каждое произведение искусства когда-то было просто идеей в чьей-то голове. Это забавная мысль, учитывая, насколько мимолетными могут быть идеи и как трудно превратить даже лучшие идеи в реальность. Концептуальная живопись, как область художественной практики, пытается преодолеть разрыв между идеями и физической реальностью. Она рассматривает возможность того, что для каждой картины, которая в конечном итоге оказывается на стене, есть бесчисленное количество других, которые так и не попали на холст, и бесчисленные альтернативные способы написания той, которая все же оказалась на стене. Она даже утверждает, что сама картина может не иметь значения; что единственное, что действительно имеет значение, это идея. 

Просто подумай об этом

Иногда лучший способ что-то сделать — это не думать об этом. Просто сделай это, как говорит слоган. Когда мы останавливаемся и думаем о природе того, что мы делаем, это может парализовать нас, так как мы задаемся вопросом, стоит ли то, что мы делаем, усилий, или имеет ли это вообще какую-либо ценность. Когда первые абстрактные художники начали свою попытку создать чисто абстрактные произведения, в их головах было много мыслей, и они были полны идей. Но одновременно некоторые художники задавались вопросами о ценности этих или любых других идей.

В 1917 году Марсель Дюшан создал произведение искусства под названием «Фонтан». Это был унитаз, перевернутый вверх дном и подписанный «R. Mutt». Дюшан взял обычный объект и преобразовал его, в данном случае перевернув его и убрав из его утилитарной среды, сделав его первоначальное использование устаревшим и открыв новые возможности для смысла. «Фонтан» был отвергнут выставкой, на которую он был представлен, но стал эталоном того, что в конечном итоге будет известно как Концептуальное Искусство, тенденция ставить ценность идей художника выше ценности процессов или объектов художника.

 Сара Хинкли - 2009, 15 x 9.8 дюймов, © Сара Хинкли

Изображение - ничто

Многие из первых концептуальных картин вовсе не были картинами. В 1953 году художник Роберт Рошенберг задумал стереть картину. Он намеревался заставить сам объект исчезнуть, оставив только идею, и тем самым возвысить её до нового почитания. Он считал, что для достижения полного проявления своей идеи кто-то другой должен был бы ценить этот объект. Ему нужно было стереть работу другого художника, иначе это было бы просто как отрицание чего-то, чего никогда не было.

Рошенберг обратился к своему другу Виллему де Кунингу и попросил его пожертвовать любимую картину для своей концепции. Хотя де Кунинг сначала сопротивлялся, в конечном итоге он отдал Рошенбергу рисунок, который он ненавидел видеть исчезающим и который было трудно стереть. Рошенберг использовал более дюжины ластиков на протяжении более месяца, в конце концов сумев стереть весь образ. Результат, названный "Стертый рисунок де Кунинга", уверенно утверждал, что идея произведения искусства является наиболее важной, и что само произведение вовсе не обязательно должно существовать.

Роберт Раушенберг - Стертый рисунок де Кунинга, 1953, Остатки рисунка на бумаге, 64.14 см x 55.25 см x 1.27 см, Музей современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA), Сан-Франциско, © Фонд Роберта Раушенберга 

Создание невидимого

Понятие первостепенной важности идеи быстро распространилось по западному миру. Художники начали экспериментировать с каждым возможным проявлением идеи, полагая, что если идея должна проявиться, она может проявиться множеством способов. Искусство о картине дерева может проявиться как фотография дерева, картина дерева, рисунок дерева, абстрактная картина дерева, слова "картина дерева", написанные на поверхности, исполнитель, указывающий на настоящее дерево, интерпретационный танец, имитирующий дерево, или даже художник, сидящий на полу с закрытыми глазами и думающий о картине дерева.

В 1958 году художник Ив Кляйн провел выставку живописи в Париже, часто называемую "Пустота." Полное название выставки звучало как "Специализация чувствительности в состоянии сырья в стабилизированную живописную чувствительность, Пустота." Согласно легенде, более 3000 посетителей пришли посмотреть выставку. Войдя в галерею, зрители столкнулись с белой комнатой, лишенной картин, в которой находился только пустой шкаф. Кляйн сказал о выставке: "Мои картины теперь невидимы, и я хотел бы показать их ясным и положительным образом."

Fieroza Doorsen - Без названия (Id. 1281), 2017, Масло на бумаге, 27 x 19 см.

СолЛеВитт

В 1968 году абстрактный художник Сол Левитт добавил еще одно измерение в область концептуальной живописи. Он теоретизировал, что не имеет значения, проявится ли идея когда-либо в виде физической картины, также не имеет значения, как она будет написана или кто ее напишет. Все, что имеет значение, это оригинальная выраженная идея художника о картине. В качестве демонстрации этой концепции Левитт начал разрабатывать настенные муралы, которые могли быть, и обычно были, выполнены людьми, отличными от него самого.

Идея ЛеВитта заключалась в том, что каждая отдельная рука будет рисовать каждую линию по-разному, поэтому, хотя они будут работать с одними и теми же планами, каждый художник будет рисовать мурал иначе, чем все остальные. Готовые изделия будут отличаться от оригинального дизайна и друг от друга, но поскольку оригинальный дизайн — это все, что имеет значение, вариация не имеет значения, как и средства производства. Наследие идеи ЛеВитта заключается в том, что его концептуальные настенные картины до сих пор воспроизводятся сегодня, после его смерти.

Джон Монтейт - Ночное Небо, 2010, графит на ручной бумаге, 24 x 17.7 дюймов, © Джон Монтейт

Будущее идей

Современная концептуальная живопись продолжает расширять наше понимание идей, которые лежат в основе произведения искусства. Работа современной американской абстрактной художницы Debra Ramsay основана на идеях, которые являются фундаментальными для нашего времени. Ее процесс заключается в отслеживании изменяющихся цветов природы, таких как цвета сезонной флоры, а затем в анализе этих цветовых изменений в компьютерной программе. Полученные данные используются для создания палитры, которая ссылается на изменяющиеся природные цвета. Затем она использует эту палитру для создания абстрактного представления объектов в пространстве, изменяющихся со временем.

Работа Рамзи вызывает два основных понятия, которые доминируют в нашей современной культуре. Первое - это идея данных и представление о том, что каждый аспект нашей жизни контролируется, цифровизируется, рассчитывается и анализируется в каком-то монументальном стремлении к пониманию. Второе - это идея о том, что природа меняется, и что мы теперь можем только наблюдать за этим процессом и как-то находить в нем эстетическую красоту. Идеи Рамзи прекрасно воплощены в форме абстрактных картин, но именно сами идеи делают ее работу такой актуальной для нашей культуры сегодня.

Debra Ramsay- Год цвета, скорректированный по длине дня, 2014, акрил на полиэстеровой пленке, 39.8 x 59.8 дюймов.

H7

Канадский абстрактный художник Джон Монтейт работает в различных средах, стремясь найти наиболее успешное физическое воплощение своих художественных концепций. Одной из областей, которую он часто исследует, является текст. Монтейт извлекает фрагменты текста из других источников, с которыми он сталкивается во время работы, таких как ежедневные новости, книга или разговор. Затем он представляет текст вне контекста в галерейной среде, что приглашает к новым концептуальным интерпретациям идей, содержащихся в словах.

Опираясь на множество медиа-источников для текста, который он использует в своих работах, текстовые рисунки Монтейта приносят современную точку зрения к работам художников концептуального направления первого поколения, таких как Роберт Барри, который также часто работает с текстом. Работа Барри заключается в отображении фрагментов текста на бумаге, холсте, стенах, полах или любой другой поверхности, подходящей для идеи. Его слова часто являются его собственными, но иногда заимствованы из других текстов, и они представлены таким образом, чтобы вызвать новые ассоциации и значения. Часто эти концептуальные работы представляют гораздо больше информации, чем традиционная живопись, требуя участия воображения зрителя. 

Материя и смысл

В 1965 году в знаковом произведении концептуального искусства под названием Один и три стула концептуальный художник Джозеф Кошут представил настоящий стул, фотографию стула и письменное описание того, что такое стул. Как и многие другие концептуальные работы, это поставило на повестку дня вопрос о том, в чем разница между идеями, объектами и абстракциями.

Мы теперь принимаем, что концептуальная живопись не обязательно должна быть живописью, и она вовсе не обязана существовать в материальной форме. Но когда она существует, это важно? Имеет ли значение, что она здесь, в физическом мире? Действительно ли нет разницы между объектом и идеей? Мы действительно ценим идею больше? Если бы мы голодали, предпочли бы мы рецепт, картину с едой или настоящую еду? В практическом плане концептуальная живопись как задает, так и отвечает на один из самых важных вопросов человечества: Имеет ли значение, что мы делаем?

Изображение: Роберт Барри - Без названия (Что-то, что никогда не может быть чем-то конкретным), 1969,  Печать на бумаге, 4 x 6 дюймов, © Роберт Барри

Все изображения используются только в иллюстративных целях