Знаменитые абстрактные картины, которые изменили наше восприятие искусства
«Можно сказать, какие изображения мы способны создать, зависит от того, кто воображает». - Джон Хосперс, из книги Введение в философский анализ
Нам нужны провидцы, открывающие потайные двери, чтобы мы могли мельком увидеть части мира и самих себя, которые иначе могли бы остаться скрытыми. Видение - сильная сторона художников-абстракционистов, и за последние 100 с лишним лет многие известные абстрактные картины помогли расширить человеческий взгляд. Провидцы, создавшие эти изображения, не только подарили нам, зрителям, возможность увидеть нечто новое; они предложили нам совершенно новые способы видеть.
Эти открытия не ограничиваются историей искусства. Наряду с каждым упомянутым ниже историческим художником мы рассматриваем произведение, доступное на IdeelArt, которое обращается к связанным вопросам линии, геометрии, материала или цвета. Эти сопоставления приглашают к созерцанию, а не утверждают прямое влияние: каждый художник придаёт этим общим вопросам собственный язык.
Известные абстрактные картины: 1910-е - 1920-е годы
Следует признать, что некоторые из представленных в этой статье произведений могут показаться спорными, поскольку у каждого любителя абстрактного искусства свои вкусы. Но большинство, вероятно, согласится с нашим первым выбором абстрактных картин, изменивших наше восприятие искусства. «Без названия» (первая абстрактная акварель) Василия Кандинского была написана в 1910 году и считается искусствоведами первой полностью абстрактной картиной. Смелое изображение ярко окрашенных пятен, мазков и линий отказывается от какой-либо визуальной отсылки к объективной реальности. Эта картина освободила художников от власти сюжета и предложила зрителям совершенно по-новому осмыслить, каким может быть изображение.
Василий Кандинский - «Без названия» (первая абстрактная акварель) - 1910
Центр Жоржа Помпиду, Париж
Что происходит, когда линии и цвет больше не должны изображать какой-либо объект? В картине Глаз Macha Poynder предлагает современный ответ: петлеобразные линии, внезапные вспышки жёлтого и розового, а также многослойные фрагменты синего создают беспокойный визуальный ритм. Её практика сочетает автоматический рисунок, перформативные жесты и интуитивный выбор цвета. В сопоставлении с акварелью Кандинского картина показывает, как абстракция может превратить процесс рассматривания в активный опыт, заставляя взгляд следить за взаимосвязями, а не распознавать изображённый объект.
Одиннадцать лет спустя, в 1921 году, Пит Мондриан написал свою знаковую работу Tableau I. После периода экспериментов с формировавшимся новым художественным языком Tableau I закрепила стиль, который впоследствии стал определяющим для Мондриана. Чёткие чёрные линии и разделённые на отдельные поля цветовые области позволяли зрителям увидеть очищенную геометрию и математическую точность. Чистые линии и точность работы не отсылали ни к чему, кроме формы, цвета и линии. Эта работа положила начало стилю, который повлиял на поколения художников, скульпторов, архитекторов и дизайнеров и продолжает направлять творческих мыслителей сегодня.
Пит Мондриан - Tableau I - 1921
Музей Людвига, Кёльн, Германия
Геометрия Мондриана также задаёт вопрос, который остаётся открытым и сегодня: насколько малым может быть изображение, чтобы изменить наше восприятие? В своей работе Без названия 1, 2016 Daniel Göttin идёт по этой территории иным путём. Чёрные и серые вертикальные поля, разделённые белыми линиями, образуют регулярный узор, контрасты которого меняются по всей поверхности. Вместо того чтобы повторять фирменную палитру Мондриана, Göttin исследует пропорции, повторение, симметрию и асимметрию. Связь проявляется в опыте зрителя, воспринимающего отношения между элементами: линия - это не просто граница, а нечто, изменяющее окружающее её пространство.
В 1925 году Жоан Миро стёр границы между абстракцией и сюрреализмом своей картиной La mancha roja (Красное пятно). Миро не считал себя абстракционистом. Он говорил, что возвращался домой, в своё крошечное жилище, голодным и измученным и писал образы, которые видел в своей голове. La mancha roja (Красное пятно) балансирует на тонкой грани между антропоморфной фигуративностью, похожими на сновидения тотемами и чистой абстракцией. В изображении таится нечто детское и одновременно ужасающее. Этой серией работ Миро распахнул дверь в скрытую иконографию наших кошмаров и снов.
Жоан Миро - La mancha roja (Красное пятно) - 1925
Коллекция Национального музея искусства королевы Софии.
© Фонд Жоана Миро, Барселона
Формы Миро колеблются между знаками, воображаемыми существами и самостоятельными фигурами. Сходная неоднозначность оживляет Medusae I Даниэлы Marin: полосатые, пятнистые и ветвящиеся формы соседствуют на белом фоне с открытыми геометрическими структурами. Они напоминают живые существа, но не складываются в единую узнаваемую сцену. Визуальный язык Marin вступает в диалог с городской геометрией, опираясь на её собственный опыт и путешествия. Её яркая, просторная композиция отличается от тревожной атмосферы, описанной в картине Миро, однако обе работы побуждают зрителя переходить от узнавания к вымыслу: форма может казаться живой, не превращаясь в иллюстрацию.
Знаменитые абстрактные картины: 1930-е – 1940-е годы
Когда западный мир во второй раз за XX век погрузился в экономическую депрессию, голод и войну, абстракция прочно утвердилась как значительная сила в мире искусства. Художники, работавшие в этом направлении, применяли огромное разнообразие методов, внося свой вклад в растущие попытки соприкоснуться с чем-то чистым, истинным и свободным в человеческом духе. В Великобритании художник Ben Nicholson развил своё абстрактное творчество, создав серию работ, которые он называл белыми рельефными картинами. К ним относится White Relief, Quai d’Auteuil (1935) — пример подхода, благодаря которому Николсон стал одним из важнейших представителей английской абстракции. Николсон дружил с художником Питом Мондрианом и испытал его влияние. Белые рельефные работы развивали использование Мондрианом чётких линий и геометрического пространства, добавляя многослойность и монохромную палитру. Первые белые рельефные картины Николсон создал в 1933 году, а к 1935 году он сформировал стиль, сочетавший элементы абстракции, конструктивизма, конкретного искусства и предвосхищавший ранние истоки минимализма и постживописной абстракции.
Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
Музей Хепворт-Уэйкфилд
Рельефы Николсона превращают само пространство в активную часть абстракции благодаря взаимосвязям между плоскостями, гранями и глубиной. Британский художник Jeremy Annear предлагает убедительный диалог с этой идеей в работе Construct (Red Disc and Triangle). Наложенные друг на друга белые, серые и земляные формы вращаются вокруг изогнутых контуров, а красные диск и треугольник расставляют акценты в композиции. Annear создаёт свои картины маслом с помощью многослойных форм и фактурных поверхностей; здесь их перекрытия создают впечатление пространства, которое сконструировано, а не описано. В отличие от белых рельефов Николсона, это цветная картина, однако общий вопрос заключается в том, как ограниченный набор форм может создавать равновесие, напряжение и ощущение глубины.
На другом конце спектра в 1930-е и 1940-е годы находились абстрактные экспрессионисты, также известные как Нью-Йоркская школа. Полностью отвергая рациональную географию и пространственное упрощение таких художников, как Мондриан и Николсон, представители абстрактного экспрессионизма стремились выразить в своих работах первобытные эмоции. Ни один абстрактный экспрессионист не был столь влиятельным и успешным в воплощении этого стиля, как Джексон Поллок.
Известный алкоголик и невротик, Поллок находил вдохновение в психоанализе, чтобы погрузиться в глубины подсознания. В своих работах он опирался на физическое начало и бессознательные тотемные образы, создавая яростные картины современной послевоенной тревоги. Одна из первых картин Поллока, выполненных в технике капельной живописи, Полный погружённый на пять саженей, написанная в 1947 году, навсегда изменила абстрактное искусство. Эта работа сочетает его раннюю манеру письма кистью с новаторской техникой капельной живописи. Она включает монеты, окурки и другие случайные предметы из его мастерской, создавая совершенно новый для абстракции уровень фактуры и глубины. Полный погружённый на пять саженей стал поворотным моментом в карьере Поллока и навсегда изменил наше отношение к холсту.
Джексон Поллок - Полный погружённый на пять саженей - 1947
© 2019 Фонд Поллока — Краснер / Общество защиты прав художников
Объекты, embedded в Полный погружённый на пять саженей, напоминают нам, что картина может быть чем-то большим, чем изображение: она может представлять собой физическое накопление действий и материалов. Anthony Frost исследует эту возможность с помощью инстинктивного процесса, объединяющего живопись и коллаж. В Поверхностном давлении грубо фактурные синие и оранжевые области пересекает выступающая красная полоса, превращая саму поверхность в часть взаимодействия. Использование Frost найденных материалов и многослойная конструкция резко отличаются от спутанных капельных потёков Поллока, однако обе работы предлагают рассматривать живопись как нечто, созданное посредством физического взаимодействия, а не просто как изображение, заранее спланированное художником.
Знаменитые абстрактные картины: 1950-е годы
К 1950-м годам абстрактные экспрессионисты прочно завладели воображением мира искусства. Повсюду художники стремились установить связь с первобытным «я», бессознательным разумом и скрытыми образами подсознания. В разгар этого увлечения возникла тенденция к спокойствию, отчасти обусловленная растущим интересом многих художников к восточным философиям, таким как даосизм и дзен-буддизм. Одним из наиболее значительных направлений, возникших в этот период, стал стиль абстрактной живописи, известный как живопись цветового поля.
Цель живописи цветового поля, как её принято понимать, заключалась в исследовании цвета независимо от содержания, формы, линии и других ограничений создания изображения. Художники стремились к созерцательному качеству, которое в случае успеха затем передавалось от работы зрителям.
Абстрактная художница Helen Frankenthaler была одним из наиболее значительных представителей движения живописи цветового поля. В своей картине Горы и море, написанной в 1952 году, Франкенталер познакомила мир с новой созданной ею живописной техникой, получившей название «метод пропитывания». В этом процессе Франкенталер использовала скипидар, чтобы сделать краски более жидкими. Она осторожно выливала разбавленную краску на непроґрунтованный холст, лежавший на полу, позволяя краске полностью пропитать холст насквозь и придавая работе совершенно новую текстуру и вид. Метод пропитывания создавал великолепные цветовые поля, приобретавшие органичные, меняющиеся очертания, исполненные спокойствия. «Горы и море» Франкенталер считается одной из первых удач движения живописи цветового поля и по сей день остаётся одним из его наиболее запоминающихся образов.
Helen Frankenthaler - Горы и море - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society
Картина Франкенталер открывает пространство между запомнившимся пейзажем и самостоятельными цветовыми полями. Greet Helsen обращается к этому пространству через собственные встречи с природой, работая скорее с впечатлениями от света, формы и цвета, чем с точными описаниями. В Dynamisch (Динамичный) полупрозрачные розовые, синие и лиловые оттенки движутся по воздушной поверхности, прерываясь тонкими тёмными линиями и более глубокими цветовыми пятнами. Helsen тщательно разбавляет акриловую краску, чтобы последующие слои оставались видимыми. Это не тот же процесс, что техника пропитывания у Франкенталер, однако такое сопоставление позволяет увидеть, как прозрачность и текучий цвет могут создавать ощущение пейзажа, не изображая его.
Возможно, самым известным художником, связанным с живописцами цветового поля, был Mark Rothko — художник, который столь же решительно отвергал этот и большинство других ярлыков. Ротко полностью посвятил себя цвету, стремясь открыть духовное пространство, в котором он и зрители могли бы ощутить глубину человеческих эмоций. Хотя всё его внимание было сосредоточено на цвете, Ротко считал его лишь средством для установления этой духовной связи. Одной из определяющих ранних работ Ротко стала картина No. 2, Green, Red and Blue, написанная в 1953 году. Это произведение знаково для будущего творчества Ротко: в нём сформировался его голос как уникального и притягательного обитателя одновременно миров абстрактного искусства и трансцендентной духовности.
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953
Может ли цвет передать чувство, не описывая его причину? Этот вопрос связывает творчество Ротко с картиной Kyong Lee Emotional Color Field 6, хотя их визуальные языки остаются различными. Lee располагает горизонтальные полосы, переходящие от глубокого синего и фиолетового через розовые и бледные оттенки к оранжевому и красному. В своей работе она использует тщательно вымеренные цветовые поля и постепенные переходы цвета, чтобы исследовать изменения эмоционального состояния. Если мягко очерченные формы Ротко словно парят, то у Lee разделения чёткие и упорядоченные. Этот диалог в меньшей степени связан с внешним сходством, чем с тем, как один цвет меняет наше восприятие следующего и как эти отношения могут превращаться в эмоциональный язык.
Знаменитые абстрактные картины: 1960-е – 1970-е
Когда абстракция вступила в 1960-е и 1970-е годы, многие художники уже отвергали её фундаментальные идеи, возвращались к фигуративной живописи и исследовали мир концептуального искусства. Тем не менее сила ясности и свободы абстракции по-прежнему сулила большие возможности. Одним из самых возвышенных голосов этого периода была американская художница-абстракционистка Агнес Мартин. Известная своими картинами с линейной сеткой, Мартин остаётся знаковой представительницей абстрактного искусства.
Картина Агнес Мартин Ночное море, написанная в 1963 году, — один из первых примеров того, что впоследствии станет её характерным стилем. В этой работе почти монохромный синий фон пересекает тщательно выстроенная решётчатая структура, написанная сусальным золотом. Работа раскрывает возможности цвета, наделяя линию равной силой. Она воплощает простоту и одновременно передаёт ощущение необъятности, сложности и взаимосвязанной взаимозависимости. Мартин говорила, что линия для неё символизировала невинность. Она надеялась, что благодаря её работам ощущение невинности передастся зрителям. Простота её образов и непосредственность эмоции, которую она стремилась передать, сыграли важную роль в преодолении разрыва между абстрактным экспрессионизмом и минимализмом.
Агнес Мартин - Ночное море - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society
Сдержанный художественный язык Мартин показывает, как линия может удерживать наше внимание, ничего не изображая. Без названия, 2014 (Id.383) Ричарда Caldicott предлагает иное, лаконичное восприятие линии и пространства. На светлом фоне тонкие и более тяжёлые тёмные линии образуют открытую угловатую структуру между областями красного и жёлтого цвета. Вместо того чтобы повторять решётку Мартин, Caldicott сводит композицию к нескольким взаимосвязям, равновесие которых становится заметнее по мере рассматривания. Его серийные работы на бумаге исследуют минималистичный архитектурный язык. Это сопоставление предлагает более медленный способ восприятия: не поиск сюжета, а осознание того, как интервалы, края и пустое пространство формируют наш опыт.
В 1970-х годах Роберт Мазервелл вновь встряхнул мир абстракции своим голосом, который казался полной противоположностью притягательности минимализма. Его первобытные, резкие жесты одновременно передавали энергию, силу и тревогу. В них ощущалась стоическая мощь, и всё же из них исходила глубокая эмоция, воплощавшая силу и свободу чистой абстракции.
Определяющая работа Мазервелла появилась в 1971 году и называлась «Элегия Испанской республике № 110». Яростная энергия этой картины поглощает зрителя и словно вырывается за пределы холста. В ней есть потрясающая жизненная сила, агрессия, превращающая эмоции и ярость в пространство. В то время, когда многие художники считали, что абстракция исчерпала себя, Мазервелл вдохнул в это направление мощную новую жизненную силу. Его свежий взгляд и уверенный голос помогли абстракции выстоять и по сей день продолжают вдохновлять и поддерживать художников-абстракционистов.
Robert Motherwell - «Элегия испанской республике № 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society
«Элегия» Motherwell показывает, как повторяющиеся энергичные формы могут придавать абстрактной картине эмоциональный вес. «Панк» Tommaso Fattovich обращается к этому весу посредством более фрагментированного, многоцветного языка. Вертикальные фрагменты чёрного, розового, бледно-зелёного и оранжевого поднимаются сквозь шероховатый серо-коричневый фон, а их края несут следы последовательных жестов. Fattovich интуитивно выстраивает свои композиции, реагируя на цвет, слои, линии и формы, пока изображение не кажется завершённым. Сравнение касается физического присутствия мазка, а не сходства тематики: абстракция Fattovich, вдохновлённая городской средой, не разделяет конкретное историческое значение «Элегии» Motherwell, но предлагает иной способ воспринимать жест как носитель интенсивности.
Меняя наше восприятие будущего
Современные художники-абстракционисты обязаны каждым из этих художников — и тем, как они стремились к свободе в своих способах самовыражения, и тем, как они помогали зрителям открывать свой разум для новых способов видения. Абстракция продолжает открывать перед нами новые двери, пока мы пытаемся постичь бесконечные сложности, которые представляет нам развивающееся общество. Опираясь на примеры великих художников-абстракционистов прошлого, современные художники-абстракционисты и художники будущего могут, будем надеяться, помочь нам выразить наши нынешние тревоги и страхи и увидеть за пределами ограничений собственного взгляда.
Произведения, вступающие в диалог с этими историческими картинами, показывают, что эти возможности остаются открытыми. От беспокойных линий Poynder и воображаемых органических форм Marin до сконструированных пространств Göttin и Annear абстракция предлагает множество способов вовлечь взгляд. Материальные поверхности Frost, полупрозрачный цвет Helsen, эмоциональные последовательности Lee, лаконичные структуры Caldicott и выразительные мазки Fattovich развивают этот разговор в разных направлениях. Они не заменяют исторические произведения и не повторяют их достижения. Напротив, они приглашают нас перенести полученные знания в новые встречи и открыть для себя, как абстракция продолжает менять наш взгляд.
Избранное изображение: Василий Кандинский - «Композиция VII», 1913. © Василий Кандинский / Artists Rights Society / ADAGP
Все изображения используются исключительно в иллюстративных целях
Филипп Barcio (2016) Под редакцией Фрэнсиса Бертомье (2026)
