Ett museum i Tasmanien samlar grundarna av Zero-konstnärsrörelsen

Den australiska konstsamlaren och spelmagnaten David Walsh öppnade nyligen en banbrytande utställning av Zero-konstnärsrörelsen på sitt Museum of Old and New Art (MONA) i Hobart, Tasmanien. Utställningen, med titeln ZERO, visar verk av 16 konstnärer från sju länder, flera av vilka har installerats för första gången sedan deras debut för mer än ett halvt sekel sedan. För att ge ännu mer dramatik för besökarna, och mer incitament att göra resan till denna avlägsna plats, är miljön där denna monumentala utställning äger rum. MONA ligger mestadels under jord. Byggnaden är konstruerad flera våningar under ett par landmärkesbyggnader av den australiska modernistiska arkitekten Roy Grounds. Till skillnad från de flesta andra museer, som välkomnar naturligt ljus och strävar efter att få besökarna att känna att de befinner sig i en öppen, inbjudande miljö, är MONA tydligt onaturligt och ibland till och med lite ovälkomnande. Vid inträdet går besökarna ner i en något främmande miljö där arkitekturens kraft ofta tävlar med den konst den är avsedd att stödja. Ändå driver rummet också betraktarna att söka tröst hos varandra och i verken. På ett sätt är miljön idealisk för att visa Zero-konstnärernas verk, eftersom den förkroppsligar två av deras grundläggande idéer: att konst handlar om möjligheter och det okända, och att den bör involvera verkliga upplevelser mellan människor, material och rum.

Räddad av Zero

Zero-rörelsen grundades av Heinz Mack och Otto Piene 1957 ur en önskan att börja om på nytt. Liksom många av deras samtida strävade Mack och Piene efter att fly från det förflutna och att komma bort från det egocentriska och känslosamma som hade tagit kontroll över så mycket av konsten under deras tid. I Düsseldorf, där de bodde och arbetade, fanns få konstgallerier. Och på andra håll lutade marknadens smak åt konstverk som uttryckte en slags ”individkult”, förkroppsligad av estetiska ståndpunkter som uttryckte personlig känsla, såsom Tachisme, Art Informel och Abstrakt expressionism. Mack och Piene ansåg samarbete vara viktigare än individualism. De trodde att konstens värde låg i den upplevelse den kunde framkalla mellan skapare, betraktare, material och miljöer. De kände att det traditionella, ensamma, konstnärligt skapade objektet var dött, och de ville skapa en ny utgångspunkt från vilken framtiden kunde ta rot.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouetter), 1960-talet; återskapad 2012. Samling More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Bild med tillstånd från Museum of Old and New Art (Mona)

Mack och Piene höll sin första utställning av det de ansåg vara konstens framtid den 11 april 1957 i sin ateljé. Det var en endagsutställning avsedd att omfamna det flyktiga. Utställningen väckte stort intresse och följdes snabbt av flera fler upplevelsebaserade, endagsutställningar. Men det var inte förrän efter deras fjärde utställning, i september 1957, som de kom på ordet Zero för att beskriva deras samarbete. Ordet var tänkt att förmedla idén att det förflutna officiellt var över – det var en startpunkt för framtiden. Som Piene beskrev det: ”Vi såg på termen... som ett ord som betecknar en tystnadszon och rena möjligheter för en ny början, som vid nedräkningen när raketer lyfter – noll är den omätbara zon där det gamla tillståndet övergår i det nya.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum (Flaskkrossningsrum), 1961; återskapad 2018. Samling Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Copyright: Adolf Luther Stiftung. Bild med tillstånd från Museum of Old and New Art (Mona)

ZERO, inte Zero

Trots rörelsens öppenhet hade Mack och Piene en märklig egenhet. De föreskrev att när man skrev om dem skulle grundarna benämnas ”Zero”, medan andra associerade konstnärer skulle benämnas ”ZERO”. Det är därför utställningen på MONA använder versaler – eftersom den mestadels visar verk av det större internationella nätverket av konstnärer som associerar sig med filosofin. Ändå, som ZERO på MONA tydligt visar, fanns det inga utomstående i rörelsen. Alla var välkomna. Det fanns inget Zero-manifest och inget officiellt medlemskap. Denna inställning resulterade i ett stort spektrum av verk skapade av ZERO-konstnärer, förkroppsligade i denna utställning genom återskapandet av sådana landmärkesverk som ”Flaskkrossningsrum” (1961) av Adolf Luther och ”Spegelmiljö” (1963) av Christian Megert. Rörelsens välkomnande inställning visas också i denna utställning genom inkluderingen av konstnärer från många andra internationella rörelser som Zero hjälpte till att inspirera, såsom Gutai-gruppen i Japan, till Nouveau Réalisme i Paris, till Light and Space i USA, till den internationella rörelsen känd som Fluxus. Dessa kopplingar visas genom sällsynta verk av Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein och Yayoi Kusama, till exempel, som lyfter fram aspekter av deras praktik som skiljer sig mycket från det arbete de mest är kända för.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Samling Kern, Großmaischeid. Copyright: Roy Lichtensteins dödsbo/Copyright Agency, 2018. Bild med tillstånd från konstnären och Museum of Old and New Art (Mona)

En av de viktigaste aspekterna av denna utställning är att den återfokuserar samtida uppmärksamhet på behovet av att förnya samtidskonsten. Även om grundarna av Zero officiellt upplöstes 1966, har rörelsen de startade aldrig riktigt upphört. Och denna utställning antyder också något ännu viktigare: idén att kanske Zero-konstnärsrörelsen aldrig riktigt började. Det var kanske inte en rörelse som uppfanns på en plats vid en tidpunkt, utan var snarare en del av ett mycket större sammanhang som sträcker sig oändligt tillbaka till det första ögonblicket då människor önskade använda visuella fenomen för att nå bortom sig själva mot något rent och nytt. Verken i ZERO på MONA är så fräscha och så livskraftiga, även nu, att de får mig att tro att ZERO kanske till och med fortsätter idag, när grupper av konstnärer samlas för att samarbeta kring estetiska skapelser som går bortom det förväntade eller det redan kända. Just nu är denna utställning och dess budskap avgörande. Den påminner oss om den centrala principen i Zero-konsten: att konst handlar om upplevelser och relationer mellan människor, deras miljö och deras gemensamma ansträngningar att föreställa sig en bättre framtid. ZERO på MONA visas till och med 22 april 2019.

Utvald bild: Gianni Colombo - Spazio elastico (Elastiskt rum), 1967–68. Samling Gianni Colombo-arkivet, Milano © Gianni Colombo-arkivet. Bild med tillstånd från Museum of Old and New Art (Mona)

Av Phillip Barcio