Ett museum i Tasmanien samlar grundarna av Zero-konstnärsrörelsen

Den australiensiska konstsamlaren och spelmagnaten David Walsh öppnade nyligen en banbrytande utställning av Zero-konstnärsrörelsen på sitt Museum of Old and New Art (MONA) i Hobart, Tasmanien. Utställningen, med titeln ZERO, innehåller verk av 16 konstnärer från sju länder, varav flera har installerats för första gången sedan deras debut för mer än ett halvt sekel sedan. För att ge ännu mer dramatik för besökarna, och mer incitament att göra resan till denna avlägsna plats, är miljön där denna monumentala utställning äger rum. MONA ligger mestadels under jord. Byggnaden är konstruerad flera våningar under ett par landmärkesbyggnader av den australiensiska modernistiska arkitekten Roy Grounds. Till skillnad från de flesta andra museer, som välkomnar naturligt ljus och strävar efter att få besökarna att känna att de befinner sig i ett öppet, välkomnande utrymme, är MONA bestämt onaturlig, och ibland till och med lite ovälkomnande. Vid inträdet går besökarna ner i en något främmande miljö där arkitekturens kraft ofta konkurrerar med konsten den är avsedd att stödja. Ändå driver utrymmet också betraktarna att söka tröst hos varandra och från verket. På ett sätt är miljön idealisk för att visa upp verken av Zero-konstnärerna, eftersom den förkroppsligar två av deras grundläggande idéer: att konst handlar om möjligheter och det okända, och att den bör involvera verkliga upplevelser mellan människor, material och rum.

Sparad av Zero

Zero-rörelsen grundades av Heinz Mack och Otto Piene 1957 ur en önskan att börja om. Liksom många av sina samtida strävade Mack och Piene efter att fly det förflutna och att komma bort från egotism och känslor som hade tagit kontroll över så mycket av konsten under deras tid. I Düsseldorf, där de bodde och arbetade, fanns det få konstgallerier. Och på andra håll lutade marknadens smak mot konstverk som uttryckte en sorts "kult av individualitet", epitomiserad av estetiska positioner som uttryckte personlig känsla, såsom Tachisme, Art Informel, och Abstract Expressionism. Mack och Piene ansåg att samarbete var viktigare än individualism. De trodde att värdet av konst låg i den upplevelse som den kunde åstadkomma mellan skapare, betraktare, material och miljöer. De kände att det traditionella, enskilda, konstnärligt skapade objektet var dött, och de ville åstadkomma en ny utgångspunkt från vilken de kunde låta framtiden slå rot.

Otto Piene - Pirouetter (Pirouettes), 1960-talet; återskapad 2012. Samling More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Bild med tillstånd från Museum of Old and New Art (Mona)

Mack och Piene höll sin första utställning av vad de ansåg vara framtiden för konsten den 11 april 1957, i sin studio. Det var en engångshändelse avsedd att omfatta ephemeritet. Utställningen genererade enormt intresse och följdes snabbt av flera fler upplevelsebaserade, engångsutställningar. Men det var först efter deras fjärde utställning, i september 1957, som de kom på ordet Zero för att beskriva sitt samarbete. Ordet var avsett att förmedla idén att det förflutna officiellt hade avslutats – det var en utgångspunkt för framtiden. Som Piene beskrev det: “Vi såg termen... som ett ord som indikerar en tyst zon och rena möjligheter för en ny början, som vid nedräkningen när raketer lyfter – noll är den oförmånliga zonen där det gamla tillståndet övergår till det nya.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Flaskkrossningsrum), 1961; återskapad 2018. Samling Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Upphovsrätt: Adolf Luther Stiftung. Bild med tillstånd av Museum of Old and New Art (Mona)

NOLL, inte noll

Trots rörelsens öppenhet hade Mack och Piene en märklig föreställning. De stipulerade att när man skrev om dem skulle grundarna kallas "Zero", medan andra associerade konstnärer skulle kallas "ZERO". Det är därför utställningen på MONA använder versaler – eftersom den mestadels innehåller verk av det större internationella nätverket av konstnärer som associerar med filosofin. Ändå, som ZERO på MONA tydligt visar, fanns det inga utomstående i rörelsen. Alla var välkomna. Det fanns inget Zero-manifest och det fanns inget officiellt medlemskap. Denna attityd resulterade i en stor variation av verk som skapades av ZERO-konstnärer, vilket i denna utställning återspeglas genom återskapandet av sådana landmärkes ZERO-verk som "Bottle Smashing Room" (1961) av Adolf Luthor, och "Mirror Environment" (1963) av Christian Megert. Rörelsens välkomnande attityd demonstreras också i denna utställning genom inkluderingen av konstnärer från de många andra internationella rörelser som Zero hjälpte till att inspirera, såsom Gutai Group i Japan, till Nouveau Realism i Paris, till Light and Space i USA, till den internationella rörelsen känd som Fluxus. Att demonstrera dessa kopplingar är sällsynta verk av Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein och Yayoi Kusama, till exempel, som framhäver aspekter av deras praktik som är mycket olika från det arbete de mestadels är kända för.

Roy Lichtenstein - Havslandskap II, 1965. Samling Kern, Großmaischeid. Upphovsrätt: Roy Lichtensteins egendom/Upphovsrättsbyrån, 2018. Bild med tillstånd av konstnären och Museum of Old and New Art (Mona)

En av de viktigaste aspekterna av denna utställning är att den återfokuserar samtida uppmärksamhet på behovet av att förnya samtidskonsten. Även om grundarna av Zero officiellt upplöste sig 1966, har rörelsen de startade aldrig riktigt tagit slut. Och denna utställning antyder också något ännu viktigare: idén att kanske Zero-konstnärsrörelsen aldrig riktigt började. Det var kanske inte en rörelse som uppfanns på ett ställe vid en tidpunkt, utan var egentligen en del av ett mycket större kontinuum som sträcker sig tillbaka oändligt, till det första ögonblicket då människor önskade använda visuella fenomen för att nå bortom sig själva mot något rent och nytt. Verken i ZERo på MONA är så fräscha och så livskraftiga, även nu, att de inspirerar mig att tro att ZERO kanske till och med fortsätter idag, när grupper av konstnärer samlas för att samarbeta om estetiska skapelser som går bortom vad som förväntas, eller vad som redan är känt. Just nu, faktiskt, är denna utställning och budskapet den sänder avgörande. Den påminner oss om den centrala principen för Zero-konst: att konst handlar om upplevelser och relationer mellan människor, deras miljö och deras gemensamma ansträngningar för att föreställa sig en bättre framtid. ZERO på MONA är öppen till 22 april 2019.

Utvald bild: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastic Space), 1967–68. Samling Gianni Colombo Archive, Milano © Gianni Colombo Archive. Bild med tillstånd från Museum of Old and New Art (Mona)

Av Philip Barcio