Att uppskatta abstrakta porträtt och deras särskilda estetik

Abstrakta porträtt konstnärer möter särskilda utmaningar. När vi ser ansikten i allt; kallas det pareidoli. När vi ser allt i ansikten; kallas det empati. Abstrakta porträtt befinner sig någonstans mitt emellan dessa två, och deras konstnärer måste hantera båda samtidigt. På vissa sätt kan människans naturliga vana att uppfatta bekanta visuella mönster överallt, oavsett om de faktiskt finns där eller inte, gynna skaparna av abstrakta porträtt. De behöver knappt referera till det mänskliga ansiktet eller figuren alls för att framkalla känslan av det. Men besattheten av att leta efter ansikten och figurer i en abstrakt bild kan också distrahera betraktare från att överväga andra aspekter av ett konstverk. På samma sätt kan abstrakta porträttmålare dra nytta av betraktarnas naturliga tendens att känna empati när de uppfattar, även svagt, bilden av en igenkännbar annan. Vilka känslor en empatisk betraktare tilldelar en bild kan gynna verkets idé. Men empati kan också störa förståelsen. Att känna igen ett bekant ansikte eller en figur i ett konstverk kan väcka personliga fördomar, generaliseringar och oro i betraktarens sinne, vilket kan underminera och förvirra de idéer konstnären ursprungligen hade i åtanke.

Att definiera abstrakta porträtt

På 1500-talet utvecklade italienare en rangordning av vilka motiv som ansågs mest hedervärda för ett konstverk. Det mest hedervärda motivet ansågs vara historiska scener, som oftast var någon form av mytologiskt eller religiöst avsnitt. Det näst mest hedervärda motivet var porträttet. I klassisk mening definierades ett porträtt vanligtvis som bilden av en människa, oftast avbildad från huvudet till ungefär mitten av bålen. Men det behöver inte bara vara så. Ett porträtt kan också avbilda hela kroppen eller bara ansiktet. Och det behöver inte bara vara en bild av en människa. Det kan vara en bild av vilken varelse som helst, mänsklig, djurisk, fiktiv, mytisk, andlig eller en kombination av dessa.

För att betraktas som ett abstrakt porträtt måste ett konstverk innefatta två egenskaper: för det första måste det på något sätt använda porträttkonceptet; och för det andra måste det vara abstrakt, vilket betyder att det måste handla om idéernas värld eller åtminstone undvika en rent objektiv eller avbildande verklighetsuppfattning. Det behöver inte vara ett särskilt medium eller en särskild disciplin. Ett abstrakt porträtt kan vara en teckning eller en målning, men det kan också finnas abstrakt porträttfotografi, abstrakt porträttskulptur, abstrakt porträttinstallation, abstrakt porträttperformancekonst med mera. Varje abstrakt estetiskt fenomen som innefattar figuren av någon varelse, verklig, påhittad eller en kombination därav, kan betraktas som ett abstrakt porträtt.

Joan Miro - Huvud av en kvinna, 1938. Olja på duk. 45,72 x 54,93 cm. © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Att möta oss själva

Ur ett tolkande perspektiv kan det svåraste, och ibland mest kontroversiella, med att uppskatta abstrakta porträtt vara att de är inneboende personliga. Social konstruktivism hävdar att allt vi förstår om livet växer fram ur våra erfarenheter, och att alla våra lärorika erfarenheter växer fram ur sociala samspel. I psykologisk mening är en varelse som stirrar på en bild av en annan varelse ett socialt samspel. En betraktare som interagerar med ett rum fullt av abstrakta porträtt utgör en gemenskap.

Det svåra med den personliga naturen hos abstrakta porträtt är att de inbjuder till eftertankar som är mycket djupare och mer grundliga än vad andra typer av abstrakt konst kan bjuda på. Till exempel kan en abstrakt geometrisk skulptur eller en helt abstrakt komposition som en färgfältsmålning eller en monokrom enbart upplevas utifrån dess formella egenskaper, dess symboliska egenskaper eller dess tolkande eller eftertänksamma egenskaper. Men utöver alla dessa element tvingar abstrakta porträtt också betraktare att interagera med sig själva.

Frank Auerbach - Huvud av JYM ll, 1984-85. Olja på duk. 660 x 610 mm. Privat samling. © Frank Auerbach

Att bli personlig

Den största utmaningen med att uppskatta abstrakta porträtt är därför att övervinna inneboende fördomar. När en betraktare ser på ett avbildande porträtt, ett som är konstruerat för att efterlikna verkligheten så nära som möjligt, hjälper själva igenkännandet betraktaren att se bilden med respekt. En känsla av konstnärligt och bildmässigt mästerskap kräver att den avbildade varelsen i porträttet förtjänar särskild och fullständig uppmärksamhet. Men abstrakta porträtt väcker märkliga generaliseringar. Ett område där detta är tydligt är med abstrakta porträtt av redan marginaliserade grupper. Tänk till exempel på abstrakta porträtt av kvinnor.

Två av de mest berömda abstrakta porträttmålarna är Pablo Picasso och Willem de Kooning. Tillsammans målade de hundratals abstrakta porträtt. Många av de mest kända abstrakta porträtten Picasso målade var av kvinnor, som hans berömda Kvinna som gråter. Men hans mest kontroversiella var en abstrakt porträttmålning av hans älskarinna Marie-Thérèse Walter, kallad Drömmen. Målningen är kontroversiell eftersom folk tror sig se en fallos i figurens huvud. De tolkar den därför som en erotisk målning. Men är det bara pareidoli? Eller är det empati? Eller är det en voyeuristisk fixering vid relationen Picasso hade med modellen? Att målningen är abstrakt öppnar dörren för tolkande språng som tillåter inneboende fördomar att komma fram. Visar målningen verkligen något om Picasso och hans älskarinna? Eller visar den något om oss själva?

De Koonings kvinnor

Ett liknande fenomen uppstår när folk ser på de abstrakta porträtten som Willem de Kooning målade av kvinnor. När andra abstrakta de Kooning-målningar diskuteras är de egenskaper som oftast tas upp deras gestiska karaktär, deras livfulla energi, deras tydliga penseldrag, deras särpräglade färgskala och den spänning och passion som förmedlas genom deras uttrycksfulla kompositioner. Hans rent abstrakta kompositioner beskrivs som komplexa, intrikata och kraftfulla. Hans abstrakta landskap beskrivs som storslagna.

Men ett helt annat språkbruk används när man talar om de abstrakta porträtten de Kooning målade av kvinnor. Vanliga adjektiv som betraktare, särskilt kritiker, använder för att beskriva dessa målningar är snarare fientliga, arga, våldsamma, galna, kvinnofientliga och sinnessjuka. De Kooning noterade att när han målade sina porträtt av kvinnor hoppades han att de skulle uppfattas som helt enkelt unika och möjligen humoristiska. Han försökte förmedla den kvinnliga formen i sin egen stil, på ett klassiskt men ändå modernt och abstrakt sätt, olikt något som gjorts tidigare. Så vad är det med porträttet i dessa målningar som framkallar sådana antropomorfa kommentarer? Var det de Kooning som lade in dessa tankar i målningen eller var det vi?

Willem de Kooning - Kvinna I, 1950–2. Olja på duk. 192,7 x 147,3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (vänster) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Olja, emalj och kol på duk. 152,4 x 121,6 cm. Privat samling. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (höger)

Att se abstrakta porträttmålare i deras målningar

Istället för att låta våra egna fördomar styra tolkningen av den underliggande meningen i dessa målningar, är ett annat sätt att uppskatta abstrakta porträtt att tolka hur de förmedlar tankarna hos konstnären som målade dem. Till exempel visar de abstrakta porträtten av Paul Klee den intresse denna målare hade för färg, form och harmoniska kompositioner. De förmedlar hans sökande efter naturens geometriska väsen och den balans han försökte fånga i sin konst.

På samma sätt kan vi genom att titta på de abstrakta porträtten av Robert Delaunay se hans utveckling från figurativ målare till abstraktionist. Tidiga porträtt, som det han målade 1906 av sin vän Jean Metzinger, kan uppskattas för deras avancerade användning av divisionism. Denna målning fångar Delaunays fascination för färg och de olika abstrakta visuella effekter som uppstår när olika färger placeras bredvid varandra på en yta. Den förmedlar också hans strävan att platta till bildplanet och ge lika stor uppmärksamhet åt alla delar av bilden.

Paul Klee - Senecio, 1922. Olja på duk. 40 x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (vänster) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Olja på duk. 55 x 43 cm (höger)

Vad abstrakt porträttfotografi lär oss

Det mest direkta sättet att uppskatta abstrakta porträtt är att helt enkelt följa de idéer de väcker. Idéer är centrala för abstrakt porträttfotografi. I fotografiet Noire et Blanche av Man Ray ser vi ansiktet på en kvinnlig modell poserande bredvid en trämask. Ansiktet och masken har liknande form och delar samma uttryck. Trots att bilden visar oss objektiv verklighet ifrågasätter den om ett fotografi verkligen kan visa oss vad som är verkligt, genom att utmana sanningen i vårt eget ansikte. Den frågar betraktaren: ”Vilken är masken?”

Mycket annorlunda, men också grundat i idéer, är dubbelbildsporträttet av Marcel Duchamp taget av Victor Obsatz 1953. Det visar en bild av en eftertänksam Duchamp som stirrar ut genom ett fönster, och ovanpå den en överlagrad bild av en leende, glad Duchamp som ser tillbaka på oss. Det visar oss den allvarlige tänkaren och den lekfulla, satiriska skojaren, båda sidor som denna konstnär förkroppsligade. Detta fotografi lär oss hur vi ska uppskatta alla abstrakta porträtt; som bilder som förenar verkligheter, som visioner av världar inom världar. De visar oss en bild av oss själva och antyder också att det finns mer i oss än vi vet.

Framhävd bild: Salvador Dalí - Galatea av sfärerna, 1952. Olja på duk. Dalí-teatern och museet, Figueres, Spanien. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio