Hur Pat Steirs verk nådde toppen av konstmarknaden

Gallerierepresentation är avgörande för varje konstnär som vill ha en närvaro på konstmarknaden. Men vad gör egentligen ett galleri för en konstnär? Och hur säkerställer konstnärer att de ansluter sig till det galleri som kan ge dem bästa möjliga representation? Berättelsen om Pat Steir kan kasta ljus över svaren på dessa urgamla frågor. Steir har varit en framstående gestalt på den amerikanska målerscenen i årtionden. Hennes verk är särpräglade, konceptuellt lysande och estetiskt hänförande. Men hon har länge legat i den lägre delen av försäljningssiffrorna bland andra konstnärer av hennes kaliber. Men hon var ingen senkomling på konstmarknaden. Maktens personer insåg omedelbart hennes förmågor. Samma år som hon tog sin BFA från Pratt Institute hade hon sin första grupputställning – inte på ett galleri, utan på High Museum of Art i Atlanta, möjligen det viktigaste konstmuseet i sydöstra USA. Följande år hade hon grupputställningar på Philadelphia Museum of Art och MoMA i New York. Sedan dess har det inte funnits ett år då Steir har sviktat. Hennes verk har konsekvent förbluffat betraktare med sin närvaro, sin kraft och sin komplexitet. Och hon har till och med funnit tid att undervisa vid några av de mest inflytelserika utbildningsinstitutionerna i Amerika, nämligen Princeton, Parsons och Cal Arts. Så frågan är, varför har Pat Reid inte belönats ekonomiskt för sin framgång på ett sätt som står i proportion till hennes betydelse som konstnär? Svaret verkar ha att göra med representation.

Det Första Galleriet

Pat Steir föddes 1940. Redan 1964 hade hennes verk ingått i tre museiutställningar, och hon erbjöds sin första separatutställning i New York City, på Terry Dintenfass Gallery. Terry Dintenfass var född i Atlantic City, New Jersey. Där öppnade hon sitt första konstgalleri, D Contemporary, i lobbyn på det som då var ett ledande badhotell, Traymore Hotel. Men när Atlantic City upplevde en nedgång i popularitet beslutade Dintenfass att stänga D Contemporary och flytta till Manhattan för att öppna ett nytt galleri. Genom detta blev hon en del av en växande våg av kvinnliga gallerister i New York. Hon var bland de mest framåtsträvande och representerade konstnärer som annars var underrepresenterade på grund av tidens utbredda sociala eller politiska fördomar.

De verk som Pat Steir visade på Terry Dintenfass var inte mycket i linje med de rådande estetiska trenderna vid den tiden. De lutade åt figurativ konst när minimalism var mer på modet. Inte oväntat genererade utställningen inte tillräckligt med försäljning för att frigöra henne från hennes dagjobb som konstchef på förlaget Harper & Row. Under resten av decenniet fortsatte Steir att ställa ut sina verk i New York, men ekonomiska belöningar fortsatte att undgå henne. Det var förstås inte det viktiga för henne. Steir var på jakt efter något viktigare än pengar. Hon höll på att etablera sin egen röst som målare och sökte efter något sant som konstnär.

Pat Steir - Blue, 2007, Olja på duk, 36 × 36 tum, 91,4 × 91,4 cm, fotokrediter Bentley Gallery, Phoenix

Havets Förändring

I början av 1970-talet gjorde Steir en resa till New Mexico där hon tillbringade tid med Agnes Martin. Samtalen med Martin förstärkte för Steir vikten av att knyta an till de andliga aspekterna av det hon försökte göra. Hon började studera filosofier och konstnärliga traditioner från Östasien. Hon kopplade deras lärdomar till sina egna estetiska tendenser, som låg i linje med automatism och egoförlust som är inneboende i abstrakt expressionistiska tekniker. Dessa influenser kulminerade i en slags ny klarhet för Steir, och i början av 1970-talet skapade hon vad som blev hennes första ikoniska serie verk: hennes så kallade ros-målningar, abstrakta målningar med former som antyder rosor som sedan korsades ut. När hon beskrev vad hon hoppades uppnå med denna verkserie förklarade Steir ”Jag ville förstöra bilder som symboler...ingen bild, men samtidigt oändliga bilder.”

Under det följande decenniet ledde denna filosofiska process som Steir hade påbörjat till hennes mest välkända verk: hennes vattenfallsmålningar. Dessa verk är perfekta konceptuella demonstrationer av att ge upp kontrollen, och ändå också perfekta uttryck för planering och nyans. Visuellt ser de ut som färg som hälls ner över en duk, precis som ett vattenfall. För att skapa dem hänger Steir en icke uppspänd duk på väggen och klättrar sedan upp på en stege för att försiktigt hälla färg över ytan. Gravitation och tid tar över när hon släpper färgen. Hon styr processen. Hon väljer när, var och hur mycket färg som ska hällas. Hon väljer färgerna. Hon väljer viskositeten och om hon ska lägga till ytterligare penseldrag eller stänk. Det är ett enkelt, djupt uttryck för mänsklighet i samarbete med naturen. Processen är harmonisk, och det är även målningarna.

Pat Steir - Mountain in Rain, 2012, Färg direkt gravyr tryckt på gampi-papper chine collé, 31 × 39 tum, 78,7 × 99,1 cm, fotokrediter Crown Point Press, San Francisco

Cheim & Read

I slutet av 1990-talet hade Steir uppnått mästerskap som målare och erbjöds representation av ett stort galleri: Cheim & Read, en av de mest inflytelserika samtida konsthandlarna i New York. Beläget i Chelsea-kvarteret har Cheim & Read varit en fast punkt på den globala samtidskonstscenen sedan de grundades 1997. Varje konstnär skulle se chansen att bli representerad av ett sådant galleri som en otrolig möjlighet. Men för Pat Steir gav möjligheten inte den ekonomiska utdelning som hoppats. Det betyder inte att hennes verk inte sålde. De gjorde det, för tiotusentals dollar. Men många av hennes samtida sålde för tio gånger de summorna. Återigen, vinst var inte hennes drivkraft. Men i Amerika påverkar försäljningssiffror starkt om en konstnär accepteras i kanon av viktiga konstnärer som regelbundet visas i museer och biennaler och läggs till i konsthistoriekursernas läroplaner.

In på scenen kommer den schweiziskfödda konsthandlaren Dominique Lévy. Lévy föddes tre år efter att Pat Steir hade sin första separatutställning. Hon tog sin magisterexamen vid Genève universitet i det fascinerande ämnet konstsociologi. I slutet av 1980-talet och under 90-talet arbetade hon för auktionshusen Christie’s och Sotheby’s, och sedan återigen för Christie’s. År 2003 öppnade hon sin egen konstrådgivning, Dominique Lévy Fine Art. Två år senare öppnade hon L&M Arts tillsammans med Robert Mnuchin, far till USA:s nuvarande finansminister. År 2013 öppnade hon Dominique Lévy Gallery i Manhattan och London. Där representerade hon arvet efter , och Yves Klein-konstnärer som Frank Stella och Pierre Soulages. Och 2016 skrev hon kontrakt med Pat Steir.

Pat Steir - Moment, 1974, Olja på duk, 84 × 84 tum, 213,4 × 213,4 cm, fotokrediter Cheim & Read, New York

Vad Finns i Ett Namn

Strax efter att ha skrivit kontrakt med Pat Steir gick Dominique Lévy samman med den brittiske konsthandlaren Brett Gorvy för att bilda ett nytt galleri: Lévy Gorvy, med kontor i London, New York och Genève. Lévy Gorvy är nu den som representerar Pat Steir. Och sedan sammanslagningen, på mindre än två år, har priserna för Steirs verk skjutit i höjden. Bara under de senaste sex månaderna har tre av hennes verk på auktion slagit sina uppskattningar. Sotheby’s sålde Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) för £680,750 efter en uppskattning på £200,000, och både Misty Mountain Waterfall (1991) och Silver Moon Beam (2006) för £299,400 vardera efter uppskattningar på £113,250 vardera. Dessutom säljer Lévy Gorvy nya verk av Steir för långt över en halv miljon styck, en prisnivå som nåddes på Chicago EXPO där en odaterad Steir-målning från 2004 såldes för 550 000 dollar.

Så vad hände? Om Steir kunde få dessa priser, varför lyckades inte Cheim & Read med det? Svaret kan handla om kontakter. Varje gallerist har ett nätverk. Kanske känner Lévy och Gorvy helt enkelt andra människor. Eller så kan det handla om tajming. Kanske var detta oundvikligt oavsett vem som representerade Steir. Eller så kan det handla om förtroende. Kanske har Lévy och Gorvy en meritlista som stora köpare satsar på. Men efter att ha granskat gallerisidorna för Pat Steir på både Cheim & Read och Lévy Gorvys webbplatser, tror jag skillnaden kan vara en fråga om förståelse. De marknadsföringsmaterial som Lévy Gorvy har tagit fram är inte bara mer moderna och mer omfattande. Berättelsen de förmedlar är också mer medkännande. Det är min uppfattning att den avgörande faktorn för om en konstnär har hittat rätt galleri är om människorna som arbetar där förstår verken. Det är omöjligt att lura någon att köpa konst. Men om en gallerist verkligen tror på verken de säljer, blir det inte försäljning, utan en fråga om att föra samman människor med konst som betyder något för dem, en bedrift som blir möjlig eftersom köparen, galleristen, konstnären och verket, av någon anledning, talar samma hjärtats språk.

Pat Steir - Set of Four Lines, 2015, En serie om fyra screentryck med handmålning, 72 × 96 tum, 182,9 × 243,8 cm, unik

Framträdande bild: Pat Steir - Triptych D, 2015, En serie om tre screentryck med handmålning, 72 × 108 tum, 182,9 × 274,3 cm, unik, fotokrediter Pace Prints

Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio