Hur Pat Steirs verk nådde toppen av konstmarknaden

Gallerirepresentation är avgörande för varje konstnär som har för avsikt att ha en närvaro på konstmarknaden. Men vad gör egentligen ett galleri för en konstnär? Och hur säkerställer konstnärer att de går med i det galleri som ger dem den bästa möjliga representationen? Berättelsen om Pat Steir kan ge en del insikter i svaren på dessa gamla frågor. Steir har varit en framträdande figur på den amerikanska målningsscenen i årtionden. Hennes arbete är idiosynkratiskt, konceptuellt briljant och estetiskt fantastiskt. Men hon har länge legat på den låga sidan av försäljningssiffror bland andra konstnärer av hennes dignitet. Men hon var ingen nykomling på konstmarknaden. De som bestämmer erkände omedelbart hennes förmågor. Samma år som hon tog sin BFA-examen från Pratt Institute hade hon sin första grupputställning - inte på ett galleri, utan på High Museum of Art i Atlanta, som utan tvekan är det viktigaste konstmuseet i den sydöstra delen av USA. Året därpå hade hon grupputställningar på Philadelphia Museum of Art och MoMA i New York. Sedan dess har det inte funnits ett år då Steir har sviktat. Hennes arbete har konsekvent förbluffat åskådare med sin närvaro, sin kraft och sin komplexitet. Och hon har till och med funnit tid att undervisa vid några av de mest inflytelserika utbildningsinstitutionerna i Amerika, nämligen Princeton, Parsons och Cal Arts. Så frågan är, varför har Pat Reid inte belönats ekonomiskt för sin framgång på ett sätt som är förenligt med hennes betydelse som konstnär? Svaret, verkar det som, har att göra med representation.

Första Galleriet

Pat Steir föddes 1940. År 1964 hade hennes verk inkluderats i tre museiutställningar, och hon fick sitt första separatutställningserbjudande i New York City, på Terry Dintenfass Gallery. Terry Dintenfass var en infödd från Atlantic City, New Jersey. Det var där hon öppnade sitt första konstgalleri, D Contemporary, i lobbyn av vad som då var en premier badort, Traymore Hotel. Men när Atlantic City upplevde en nedgång i popularitet beslutade Dintenfass att stänga D Contemporary och flytta till Manhattan för att öppna ett nytt galleri. Genom att göra så blev hon en del av en växande våg av kvinnliga gallerister i New York. Hon var bland de mest progressiva och representerade konstnärer som annars var underrepresenterade på grund av de utbredda sociala eller politiska fördomarna vid den tiden.

Det arbete som Pat Steir visade på Terry Dintenfass låg inte mycket i linje med de rådande estetiska trenderna vid den tiden. Det tenderade mot figuration när minimalism var mer på modet. Inte överraskande genererade utställningen inte tillräckligt med försäljning för att frigöra henne från hennes dagjobb som konstnärlig ledare på förlaget Harper & Row. Under resten av decenniet fortsatte Steir att ställa ut sitt arbete i New York, men ekonomiska belöningar fortsatte att undfly henne. Det var inte poängen för henne, förstås. Steir var på jakt efter något viktigare än pengar. Hon etablerade sin egen röst som målare och sökte att uppnå något sant som konstnär.

Pat Steir - Blå, 2007, Olja på duk, 36 × 36 tum, 91,4 × 91,4 cm, foto kredit Bentley Gallery, Phoenix

Havets förändring

I början av 1970-talet gjorde Steir en resa till New Mexico där hon tillbringade tid med Agnes Martin. Samtalen med Martin förstärkte för Steir vikten av att koppla samman med de andliga aspekterna av vad hon försökte göra. Hon började studera filosofierna och de konstnärliga traditionerna i Östra Asien. Hon kopplade deras lärdomar till sina egna estetiska tendenser, som låg i linje med automatismen och egoets förlust som är inneboende i Abstract Expressionist tekniker. Dessa influenser kulminerade i en sorts ny klarhet för Steir, och i början av 1970-talet skapade hon vad som blev hennes första ikoniska serie verk: hennes så kallade ros målningar, abstrakta målningar som innehöll former som föreslog rosor som sedan blev överstrukna. När hon beskrev vad hon hoppades uppnå med detta verk förklarade Steir "Jag ville förstöra bilder som symboler...ingen bild, men samtidigt oändlig bild."

Under det kommande decenniet ledde denna filosofiska process som Steir hade påbörjat henne till hennes mest kända verk: hennes vattenfallsmålningar. Dessa verk är de perfekta konceptuella demonstrationerna av att ge upp kontroll, och ändå perfekta uttryck för planering och nyans. Visuellt ser de ut som färg som hälls nerför en duk, precis som ett vattenfall. För att skapa dem hänger Steir en ouppspänd duk på väggen och klättrar sedan uppför en stege för att försiktigt hälla färg nerför ytan. Tyngdkraften och tiden tar över när hon släpper färgen. Hon styr processen. Hon väljer när, var och hur mycket färg som ska hällas. Hon väljer färgerna. Hon väljer viskositeten och om hon ska lägga till ytterligare penseldrag eller stänk. Det är ett enkelt, djupt uttryck för mänsklighetens samarbete med naturen. Processen är harmonisk, och det är även målningarna.

Pat Steir - Mountain in Rain, 2012, Color direct gravure printed on gampi paper chine colle, 31 × 39 in, 78.7 × 99.1 cm, photo credits Crown Point Press, San Francisco

Chem & Read

I slutet av 1990-talet hade Steir uppnått mästerskap som målare och fick erbjudande om representation av ett stort galleri: Cheim & Read, en av de mest inflytelserika samtida konsthandlarna i New York. Beläget i Chelsea-området har Cheim & Read varit en fast punkt på den globala samtida konstscenen sedan de grundades 1997. Varje konstnär skulle se chansen att bli representerad av ett sådant galleri som en otrolig möjlighet. Men för Pat Steir betalade inte möjligheten sig som hoppats. Det är inte att säga att hennes verk inte såldes. De såldes, för tiotusentals dollar. Men många av hennes samtida sålde för tio gånger de beloppen. Återigen, inte för att vinst var hennes motivation. Men i Amerika påverkar försäljningssiffror djupt huruvida en konstnär accepteras i kanon av viktiga konstnärer som regelbundet får ställas ut på museer och biennaler, och som läggs till i läroplanerna för konsthistoria.

Inträde av den schweiziskfödda konsthandlaren Dominique Lévy. Lévy föddes tre år efter att Pat Steir hade sin första separatutställning. Hon tog sin masterexamen vid universitetet i Genève i det fascinerande ämnet Konstvetenskap. I slutet av 1980-talet och under hela 90-talet arbetade hon för Christie's auktionshus, Sotheby's auktionshus, och sedan en gång till Christie's. Sedan 2003 öppnade hon sin egen konst rådgivningstjänst, kallad Dominique Lévy Fine Art. Två år senare öppnade hon L&M Arts tillsammans med Robert Mnuchin, far till den nuvarande finansministern för USA. Sedan 2013 öppnade hon Dominique Lévy Gallery i Manhattan och London. Där representerade hon boet efter , och Yves Klein konstnärer som Frank Stella och Pierre Soulages. Och 2016 signerade hon Pat Steir.

Pat Steir - Moment, 1974, Oil on canvas, 84 × 84 in, 213.4 × 213.4 cm, photo credits Cheim & Read, New York

Vad finns i ett namn

Rätt efter att ha skrivit kontrakt med Pat Steir, samarbetade Dominique Lévy med den brittiska konsthandlaren Brett Gorvy för att bilda ett nytt galleri: Lévy Gorvy, med kontor i London, New York och Genève. Lévy Gorvy representerar nu Pat Steir. Och sedan den sammanslagningen, på mindre än två år, har priserna för verk av Steir skjutit i höjden. Under de senaste sex månaderna har tre av hennes verk på auktion krossat sina uppskattningar. Sotheby’s sålde Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) för £680,750 efter en uppskattning på £200,000, och både Misty Mountain Waterfall (1991) och Silver Moon Beam (2006) för £299,400 vardera efter uppskattningar på £113,250 vardera. Dessutom säljer Lévy Gorvy nya verk av Steir för över en halv miljon vardera, en prispunkt som nåddes på Chicago EXPO där en oidentifierad Steir-målning från 2004 såldes för $550,000.

Så vad hände? Om Steir var kapabel att hämta dessa priser, varför fick inte Cheim & Read det att hända? Svaret kan bero på kontakter. Varje gallerist har ett nätverk. Kanske känner Lévy och Gorvy helt enkelt olika människor. Eller så kan det vara timing. Kanske var detta oundvikligt oavsett vem som representerade Steir. Eller så kan det handla om förtroende. Kanske har Lévy och Gorvy en meritlista som stora köpare satsar på. Men efter att ha tittat på gallerisidorna för Pat Steir på både Cheim & Read och Lévy Gorvy-webbplatserna, tror jag att skillnaden kan vara en fråga om förståelse. Marknadsföringsmaterialet som Lévy Gorvy har sammanställt är inte bara mer modernt och mer omfattande. Berättelsen de berättar är också mer sympatisk. Det är min åsikt att den avgörande faktorn för huruvida en konstnär har hittat det rätta galleriet är om de som arbetar på det galleriet förstår verket. Det är omöjligt att lura någon att köpa konst. Men om en gallerist verkligen tror på det arbete de säljer, blir det inte försäljning, utan en fråga om att koppla människor med konst som betyder något för dem, en prestation som blir möjlig eftersom köparen, galleristen, konstnären och verket, av vilken anledning som helst, talar samma språk av hjärtat.

Pat Steir - Set of Four Lines, 2015, A set of four screenprints with hand-painting, 72 × 96 in, 182.9 × 243.8 cm, Unique

Utvald bild: Pat Steir - Triptyk D, 2015, En uppsättning av tre screentryck med handmålning, 72 × 108 tum, 182,9 × 274,3 cm, Unik, fotokrediter Pace Prints

Alla bilder används endast för illustrativa ändamål

Av Philip Barcio