Georg Herold och Det Luminösa Västerlandet på Kunstmuseum Bonn

De flesta människor skulle förmodligen kategorisera Georg Herold som en medlem av den så kallade "äldre generationen." Han är trots allt 70 år gammal. Och faktiskt, för sju år sedan satte Kunstmuseum Bonn officiellt på Herold den olyckliga och något meningslösa etiketten när de inkluderade honom i en ambitiös grupputställning kallad The Luminous West. Den utställningen visade verken av 33 konstnärer, alla från Rheinland / Nordrhein-Westfalen-regionen i Tyskland. Målet med utställningen var att etablera en sammanhängande vision av det estetiska arvet från denna del av Tyskland och att koppla det till en förutsägande granskning av vad framtiden för regionen kan hålla. För att åstadkomma denna monumentala uppgift antog museet en unik kuratorisk strategi. Först gav de sitt fempersoners akademiska team i uppdrag att välja ut 19 konstnärer som representerade, enligt deras ord, "den äldre generationen." Teamet började med vad de kallade "den historiska kärnan" i regionen, som bestod av fem konstnärer: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter och Blinky Palermo. De valde sedan ut 14 fler "äldre" konstnärer, bland dem Georg Herold. Därefter bjöd museet in dessa så kallade "äldre" konstnärer, eller åtminstone de som fortfarande var vid liv, att rekommendera konstnärer från "den yngre generationen" vars verk de ansåg förtjänade att inkluderas i utställningen. Eftersom han var 63 vid den tiden, verkar det kanske inte som en förolämpning att Georg Herold valdes som representant för den äldre generationen. Men likväl verkar något med den beteckningen fel. Det var inte så länge sedan som Herold var helt ny på scenen. Och än idag förblir hans verk fascinerande, fräscha, kvicka, respektlösa och provokativa—i många fall, långt mer så än de kronologiskt yngre konstnärerna som påstås representera framtiden i The Luminous West. Denna verklighet framhävs skarpt av den nya monografiska Georg Herold-utställningen som för närvarande visas i samma utrymme, Kunstmuseum Bonn. Verken förblir dynamiska och fortsätter att representera den yttersta gränsen. Det får mig att undra om kanske biologisk ålder inte borde vara det enda måttet på "äldre" inom konsten. Som Herold visar, är det ibland med tidens gång som de bästa idéerna och de mest kraftfulla verken framträder från en konstnär, och den fulla betydelsen och potentialen av tidigare verk äntligen avslöjas.

Ett sent inträde

Georg Herold föddes 1947 i Jena, Tyskland, en universitetsstad med cirka 100 000 invånare. Hans tidiga utbildning var som smideslärling, efter vilket han gick på universitetet och började studera seriöst för att bli konstnär. Han studerade först vid Konst- och designuniversitetet i Halle, i staden Halle, nära där han växte upp. Sedan flyttade han till den södra delen av landet, till München, där han gick på Konsthögskolan från 1974 till 1976. Nästa steg var att han åkte norrut till Hamburg, där han studerade vid Konstuniversitetet under Sigmar Polke från 1977 till 1981. Medan han var i Hamburg lärde Herold känna flera andra studentkonstnärer, mest framträdande bland dem Martin Kippenberger och Albert Oehlen, som redan hade börjat göra sig ett namn med sin punkiga inställning till att skapa konst.

Tillsammans med dessa nya vilda typer blev Herold kallad en av de framväxande "bad boys" på 1980-talets tyska konstscen. Vid tiden för sin examen från universitetet var Herold 34 år gammal. Ändå ansågs han vara en del av den nya, unga och fräcka generationen. En av "bad boys" överlevde inte länge. Kippenberger dog 1997 vid 44 års ålder, men under sin korta karriär kom han att utstråla enormt inflytande över konstvärlden och nästan på egen hand återuppfann vad det innebar att vara en samtida konstnär. Oehlen är fortfarande aktiv idag som konstnär och lärare. Hans abstrakta målningar är älskade, och hans undersökningar av processer har visat sig vara enormt inflytelserika över framväxande generationer av konstnärer. Och så finns det Herold, den äldsta av "bad boys". Han tog längst tid på sig att mogna, och på vissa sätt har han motstått kategorisering längst. Som han en gång sa, "Jag avser att nå ett tillstånd som är tvetydigt och tillåter alla möjliga tolkningar.” Troget detta mål, trotsar hans verk alla och envar kategorisering, och inget enskilt verk inom det har ännu framgångsrikt kunnat diagnostiseras.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Caviar, lacquer, ink on canvas, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, photo credits Magenta Plains, New York

Håller med den

Det första konstverket som Georg Herold är ihågkommet för var en tunn träslana, den typ som används i byggnation, skruvad på väggen. Han kallade verket Präsentation der ersten Latte, eller Presentation of the first Plank. Verket producerades 1977, medan han fortfarande gick i skolan, för en uppgift i en klass som undervisades av Sigmar Polke. Verket var, i strikt formell mening, obestridligt. Det representerade linje och form. Som ett tredimensionellt objekt hängande på väggen utmanade det rollerna för målning och skulptur. Det var både minimalt och konceptuellt. Dess titel antydde något ceremoniellt. Dess historia som material antydde att det var en komponent av något större som skulle komma. Dess status som ett funnet objekt åberopade Marcel Duchamp och Robert Rauschenberg. Men det fanns också något lekfullt med det, och kanske något absurt.

Men med tiden skulle titeln på det första verket visa sig vara profetisk. Herold har gång på gång återvänt till materialet av byggplankor. Han har använt dem i större skulpturer, han har hängt dem på väggen i olika konfigurationer, han har använt dem som stöd för målningar och andra verk, och han har använt dem som råmaterial i konstruktionen av en serie spöklika, figurativa skulpturer. För att konstruera dessa former binder Herold ihop byggplankor med tråd och skruvar. Han sträcker sedan duk över de bundna stickorna för att skapa en slags kokong över formen av en människokropp. Han låter duken torka och krympa över tid, sedan målar och lackar han formen. I vissa fall gör han sedan begränsade upplagor av bronsskulpturer av formerna. Sett i kontexten av hans tidiga arbete i den klassen med Sigmar Polke, är dessa figurativa former poetiska i sin djup av potentiella betydelser. Men även utan kunskap om deras materiella essens, väcker deras närvaro en rad känslor, från lidande till sensualitet. De är både humaniserande och avhumaniserande, och framkallar en myriad av tolkningar, från bilder av dans till bilder av död.

Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, canvas, lacquer, thread and screws, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, all rights reserved

Kaviar och tegelstenar

Ett annat verk som Herold har blivit känd för är en serie målningar där fiskrom används som det primära mediet. Dessa abstrakta kaviar-målningar har en lugn, naturlig kvalitet i stil med koreanska dansaekhwa-målningar. De är nästan monokromatiska, lätt texturerade och vackra. Men det är deras medium som väcker frågor. De miljoner, kanske miljarder, fiskägg som gick in i deras skapande betyder att de är bokstavliga dödsfält. De representerar potentiellt bokstavlig bortkastad potential. Å andra sidan är kaviar bara mat, och inte precis nödvändig mat heller. Det är en dyr lyx. Det finns potentiellt mycket att diskutera om vilket budskap dessa målningar sänder om handel, konst och utnyttjande. Å andra sidan kanske det inte finns något att säga. Kanske är de helt enkelt vackra målningar.

Georg Herold - Untitled, 2011, caviar (numbered), acrylic, lacquer on canvas, 2 parts, each 350 x 203 cm, image courtesy Galerie Bärbel Grässlin

Ett annat material som Herold ofta återkommer till är tegel. Han fäster tegel direkt på de spända dukytorna av sina målningar. Vikten av tegelstenarna drar ofta ner på ytan, sträcker den och skapar veck och vågor i tyget. Utseendet är ofta som ett delvis förstört konstverk. Det finns en spänning som är inneboende i verket när åskådarna ser på och undrar om tegelstenarna så småningom kommer att falla. Dessa verk verkar som katastrofer som väntar på att inträffa. De är också fascinerande undersökningar av materialitet, textur, dimensionalitet och rum. De är roliga, och på ett sätt har de till och med en hånfull ton. De är också sublimt tvetydiga. Det finns en stor klyfta mellan vad de visar oss och vad de berättar för oss. Å andra sidan är de bara en konstruktion, ett steg framåt från presentationen av den första plankan. Mest anmärkningsvärt är att de är fräscha. De är fortsatt bevis på att Georg Herold inte är en konstnär som förtjänar att märkas som en del av någon äldre generation. Respektfullt, faktiskt, ingen levande konstnär är.

Georg Herold på Kunstmuseum Bonn visas fram till 7 januari 2018.

Utvald bild: Georg Herold - Herrenperspektive (Männens Perspektiv), 2002, Skulptur av taklatts, glas och snöre, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Alla bilder som används är endast för illustrativa ändamål.

Av Philip Barcio