Georg Herold och Det Luminösa Västerlandet på Kunstmuseum Bonn

De flesta skulle nog placera Georg Herold i den så kallade ”äldre generationen.” Han är ju trots allt 70 år gammal. Och faktiskt, för sju år sedan satte Kunstmuseum Bonn officiellt den olyckliga och något meningslösa etiketten på Herold när de inkluderade honom i en ambitiös grupputställning kallad The Luminous West. Den utställningen visade verk av 33 konstnärer, alla från Rhenlandet / Nordrhein-Westfalen i Tyskland. Målet med utställningen var att skapa en sammanhållen bild av den estetiska arvet från denna del av Tyskland och koppla det till en förutsägande undersökning av vad regionens framtid kan innebära. För att klara denna monumentala uppgift antog museet en unik kuratorisk metod. Först gav de sin fempersoners akademiska grupp i uppdrag att välja ut 19 konstnärer som representerade, enligt deras ord, ”den äldre generationen.” Gruppen började med det de kallade regionens ”historiska kärna,” bestående av fem konstnärer: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter och Blinky Palermo. Därefter valde de ytterligare 14 ”äldre” konstnärer, däribland Georg Herold. Sedan bjöd museet in dessa så kallade ”äldre” konstnärer, eller åtminstone de som fortfarande levde, att rekommendera konstnärer från ”den yngre generationen” vars verk de ansåg förtjänade att ingå i utställningen. Eftersom han var 63 vid den tiden verkar det kanske inte som en förolämpning att Georg Herold valdes som representant för den äldre generationen. Men ändå känns något fel med den beteckningen. Det var inte så länge sedan Herold var helt ny på scenen. Och än idag är hans verk fascinerande, fräscha, kvicka, respektlösa och provocerande – i många fall mycket mer än de kronologiskt yngre konstnärerna som påstås representera framtiden i The Luminous West. Denna sanning framträder tydligt i den nya monografiska Georg Herold-utställningen som just nu visas i samma lokal, Kunstmuseum Bonn. Verken är fortfarande dynamiska och fortsätter att representera det allra senaste. Det får mig att undra om kanske den biologiska åldern inte borde vara det enda måttet på ”ålderdom” inom konsten. Som Herold visar är det ibland med tidens gång som de bästa idéerna och de mest kraftfulla verken framträder hos en konstnär, och den fulla betydelsen och potentialen i tidigare verk slutligen avslöjas.

En sen debut

Georg Herold föddes 1947 i Jena, Tyskland, en universitetsstad med cirka 100 000 invånare. Hans tidiga utbildning var som smedlärling, varefter han började studera seriöst för att bli konstnär. Han studerade först vid Konst- och designhögskolan i Halle, i staden Halle, nära där han växte upp. Sedan flyttade han till södra delen av landet, till München, där han gick på Konsthögskolan från 1974 till 1976. Därefter flyttade han norrut till Hamburg, där han studerade vid Konsthögskolan under Sigmar Polke från 1977 till 1981. Under sin tid i Hamburg lärde Herold känna flera andra studentkonstnärer, främst Martin Kippenberger och Albert Oehlen, som redan hade börjat göra sig ett namn med sin punkiga inställning till konsten.

Tillsammans med dessa nya vildhjärnor blev Herold kallad en av de framväxande ”buspojkarna” på den tyska konstscenen under 1980-talet. När han tog examen var Herold 34 år. Trots det ansågs han tillhöra den nya, unga och kaxiga generationen. En av ”buspojkarna” överlevde inte länge. Kippenberger dog 1997 vid 44 års ålder, men under sin korta karriär utövade han enormt inflytande över konstvärlden och återuppfann nästan på egen hand vad det innebar att vara samtida konstnär. Oehlen är fortfarande aktiv som konstnär och lärare. Hans abstrakta målningar är älskade, och hans undersökningar av arbetsprocessen har visat sig vara mycket inflytelserika för nya generationer konstnärer. Och så finns Herold, den äldste av ”buspojkarna.” Han tog längst tid på sig att mogna och har på många sätt motstått kategorisering längst. Som han en gång sade, ”Jag avser att nå ett tillstånd som är tvetydigt och tillåter alla slags tolkningar.” Trogen detta mål undviker hans konstnärskap all form av kategorisering, och inget enskilt verk har ännu kunnat fastställas entydigt.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Kaviar, lack, bläck på duk, 80 × 109,9 cm, foto: Magenta Plains, New York

Att hålla fast vid det

Det första konstverket som Georg Herold är ihågkommen för var en tunn trälist, av den sort som används i byggnation, skruvad på väggen. Han kallade verket Präsentation der ersten Latte, eller Presentation av den första listen. Verket skapades 1977, medan han fortfarande gick i skolan, som en uppgift i en klass ledd av Sigmar Polke. Verket var, i strikt formella termer, obestridligt. Det representerade linje och form. Som ett tredimensionellt objekt hängande på väggen utmanade det rollerna för målning och skulptur. Det var både minimalistiskt och konceptuellt. Dess titel antydde något ceremoniellt. Dess historia som material antydde att det var en del av något större som skulle komma. Dess status som ett funnet föremål anspelade på Marcel Duchamp och Robert Rauschenberg. Men det fanns också något lekfullt och kanske något absurd i det.

Men med tiden skulle titeln på det första verket visa sig vara profetisk. Herold har gång på gång återvänt till byggnadsplankor som material. Han har använt dem i större skulpturer, hängt dem på väggen i olika konfigurationer, använt dem som stöd för målningar och andra verk, och använt dem som råmaterial i konstruktionen av en serie suggestiva, figurativa skulpturer. För att skapa dessa former binder Herold ihop byggplankor med tråd och skruvar. Han spänner sedan duk över de bundna pinnarna för att skapa en slags kokong över formen av en människokropp. Han låter duken torka och krympa över tid, sedan målar och lackar han formen. I vissa fall gör han sedan begränsade upplagor av bronsavgjutningar av formerna. I kontexten av hans tidiga arbete i klassen med Sigmar Polke är dessa figurativa former poetiska i sin djup av potentiella betydelser. Men även utan kunskap om deras materiella väsen väcker deras närvaro en rad känslor, från lidande till sensualitet. De är både humaniserande och avhumaniserande, och väcker otaliga tolkningar, från bilder av dans till bilder av död.

Georg Herold - Untitled, 2011, bygglist, duk, lack, tråd och skruvar, 115 x 510 x 65 cm, bild © Saatchi Gallery, alla rättigheter förbehållna

Kaviar och tegelstenar

En annan verkgrupp som Herold blivit känd för är en serie målningar där fiskrom används som huvudsakligt medium. Dessa abstrakta kaviarmålningar har en lugn, naturlig kvalitet i stil med koreanska dansaekhwa-målningar. De är nästan monokromatiska, lätt texturerade och vackra. Men det är deras material som väcker frågor. De miljontals, kanske miljarder, fiskägg som gått åt för att skapa dem gör dem till bokstavliga dödsfält. De kan potentiellt representera bokstavligt slösad potential. Å andra sidan är kaviar bara mat, och inte ens nödvändig mat. Det är en dyr lyxvara. Det finns mycket att diskutera om vilket budskap dessa målningar kan sända om handel, konst och exploatering. Men kanske finns det inget att säga. Kanske är de helt enkelt bara vackra målningar.

Georg Herold - Untitled, 2011, kaviar (numrerad), akryl, lack på duk, 2 delar, vardera 350 x 203 cm, bild med tillstånd från Galerie Bärbel Grässlin

Ett annat material som Herold ofta återvänder till är tegelstenar. Han fäster tegelstenar direkt på de uppspända dukytorna på sina målningar. Tegelstenarnas vikt drar ofta ner ytan, sträcker den och skapar veck och vågor i tyget. Utseendet är ofta som ett delvis förstört konstverk. Det finns en spänning i verket när betraktaren ser på och undrar om tegelstenarna till slut kommer att falla. Dessa verk verkar vara katastrofer som väntar på att hända. De är också fascinerande undersökningar av materialitet, textur, tredimensionalitet och rum. De är roliga och på ett sätt har de till och med en hånfull attityd. De är också högst tvetydiga. Det finns ett stort glapp mellan vad de visar oss och vad de berättar. Men de är ändå bara en konstruktion, ett steg vidare från presentationen av den första listen. Framför allt är de fräscha. De är fortsatt bevis på att Georg Herold inte är en konstnär som förtjänar att kallas en del av någon äldre generation. Respektfullt sagt, ingen levande konstnär gör det.

Georg Herold på Kunstmuseum Bonn visas till och med 7 januari 2018.

Omslagsbild: Georg Herold - Herrenperspektive (Mäns perspektiv), 2002, Skulptur av takreglar, glas och snöre, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio