Georg Herold och Det Luminösa Västerlandet på Kunstmuseum Bonn

De flesta skulle förmodligen kategorisera Georg Herold som medlem av den så kallade ”äldre generationen”. Han är trots allt 70 år gammal. Och faktiskt stämplade Kunstmuseum Bonn för sju år sedan officiellt Herold med den olyckliga och något meningslösa beteckningen när de inkluderade honom i en ambitiös grupputställning kallad Det lysande väst. Utställningen visade verk av 33 konstnärer, som alla kom från regionen Rhenlandet/Nordrhein-Westfalen i Tyskland. Målet med utställningen var att skapa en sammanhållen bild av det estetiska arvet i denna del av Tyskland och att knyta det till en förutseende undersökning av vad regionens framtid kunde innebära. För att genomföra denna monumentala uppgift valde museet en unik curatorisk metod. Först gav de sitt akademiska team på fem personer i uppdrag att välja ut 19 konstnärer som enligt deras ord representerade ”den äldre generationen”. Teamet började med regionens så kallade ”historiska kärna”, som bestod av fem konstnärer: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter och Blinky Palermo. Därefter valde de ut ytterligare 14 ”äldre” konstnärer, däribland Georg Herold. Sedan bjöd museet in dessa så kallade ”äldre” konstnärer, eller åtminstone dem som fortfarande levde, att rekommendera konstnärer från den ”yngre generationen” vars verk de ansåg förtjänade att inkluderas i utställningen. Eftersom han var 63 år vid den tiden verkar det kanske inte särskilt förolämpande att Georg Herold valdes ut som representant för den äldre generationen. Men trots det känns något med denna beteckning fel. Det var inte så länge sedan Herold var helt ny på scenen. Och än i dag förblir hans verk fascinerande, fräscha, kvicka, respektlösa och provocerande – i många fall betydligt mer så än verken av de kronologiskt yngre konstnärer som påstods representera framtiden i Det lysande väst. Detta blir tydligt genom den nya monografiska utställningen med Georg Herold, som just nu visas i samma lokal, Kunstmuseum Bonn. Verken förblir dynamiska och fortsätter att representera avantgardets yttersta gräns. Det får mig att undra om biologisk ålder verkligen bör vara det enda måttet på ”ålder” inom konsten. Som Herold visar är det ibland först med tidens gång som de bästa idéerna och de mest kraftfulla verken växer fram hos en konstnär, och som den fulla innebörden och potentialen i tidigare verk slutligen uppenbaras.

En sen debut

Georg Herold föddes 1947 i Jena i Tyskland, en universitetsstad med omkring 100 000 invånare. Hans tidiga utbildning bestod i en lärlingsutbildning till smed, varefter han började på universitet och på allvar började studera för att bli konstnär. Först studerade han vid konst- och designuniversitetet i Halle, i staden Halle nära platsen där han växte upp. Sedan flyttade han till landets södra del, till München, där han studerade vid Konstakademien från 1974 till 1976. Därefter begav han sig norrut till Hamburg, där han studerade vid Konsthögskolan under Sigmar Polke från 1977 till 1981. Under sin tid i Hamburg lärde Herold känna flera andra studentkonstnärer, framför allt Martin Kippenberger och Albert Oehlen, som redan hade börjat göra sig ett namn genom sitt punkiga sätt att skapa konst.

Tillsammans med dessa nya vildar kom Herold att betraktas som en av de framväxande ”bad boys” på den tyska konstscenen under 1980-talet. När han tog examen från universitetet var Herold 34 år. Trots det betraktades han som en del av den nya, unga och kaxiga generationen. En av ”bad boys” överlevde inte särskilt länge. Kippenberger dog 1997, 44 år gammal, men hann under sin korta karriär utöva ett enormt inflytande över konstvärlden och nästan på egen hand uppfinna på nytt vad det innebar att vara en samtida konstnär. Oehlen är fortfarande verksam som konstnär och lärare. Hans abstrakta målningar är älskade, och hans undersökningar av process har visat sig vara oerhört inflytelserika för framväxande generationer av konstnärer. Och så har vi Herold, den äldste av ”bad boys”. Han behövde längst tid för att mogna, och har på vissa sätt motstått kategorisering under längst tid. Som han en gång sa: ”Jag har för avsikt att nå ett tillstånd som är tvetydigt och tillåter alla möjliga tolkningar.” I linje med detta mål trotsar hans konstnärskap all kategorisering, och inget enskilt verk i det har ännu kunnat tolkas på ett entydigt sätt.

Georg Herold – Untitled (Caviar), 1990, kaviar, lack, bläck på duk, 31 1/2 × 43 1/4 tum, 80 × 109,9 cm, foto: Magenta Plains, New York

Att hålla fast vid det

Det första konstverk som Georg Herold blivit ihågkommen för var en tunn träribba av den typ som används inom byggindustrin, fastskruvad i väggen. Han kallade verket Präsentation der ersten Latte, eller Presentation av den första plankan. Verket skapades 1977, medan han fortfarande gick i skolan, som en uppgift i en kurs ledd av Sigmar Polke. Verket var i strikt formell mening odiskutabelt. Det representerade linje och form. Som ett tredimensionellt objekt hängande på väggen utmanade det måleriets och skulpturens roller. Det var både minimalistiskt och konceptuellt. Titeln antydde något ceremoniellt. Materialets historia antydde att det var en del av något större som skulle komma. Dess status som ett funnet objekt åkallade Marcel Duchamp och Robert Rauschenberg. Men det fanns också något lekfullt i det, och kanske något absurt.

Med tiden skulle dock titeln på detta första verk visa sig vara profetisk. Herold har gång på gång återvänt till byggplankans material. Han har använt dem i större skulpturer, hängt dem på väggen i olika konfigurationer, använt dem som stöd för målningar och andra verk samt som råmaterial i konstruktionen av en serie suggestiva figurativa skulpturer. För att konstruera dessa former binder Herold samman byggplankor med tråd och skruvar. Sedan spänner han duk över de sammanbundna pinnarna för att skapa något slags kokong kring en människokropp. Han låter duken torka och krympa över tid, varefter han målar och lackerar formen. I vissa fall låter han därefter göra bronsavgjutningar i begränsad upplaga av formerna. Sedda i sammanhanget av hans tidiga arbete i kursen med Sigmar Polke är dessa figurativa former poetiska genom djupet i sina möjliga betydelser. Men även utan kunskap om deras materiella kärna väcker deras närvaro en rad känslor, från lidande till sensualitet. De är både humaniserande och avhumaniserande och framkallar otaliga tolkningar, från bilder av dans till bilder av död.

Georg Herold – Untitled, 2011, läkt, duk, lack, tråd och skruvar, 115 x 510 x 65 cm, bild © Saatchi Gallery, alla rättigheter förbehållna

Kaviar och tegelstenar

En annan grupp verk som Herold blivit känd för är en serie målningar där fiskrom används som det huvudsakliga mediet. Dessa abstrakta kaviarmålningar har en lugn, naturlig kvalitet i stil med koreanska dansaekhwa-målningar. De är nästan monokroma, lätt texturerade och vackra. Men det är deras medium som väcker frågor. De miljoner, kanske miljarder, fiskägg som gick åt till deras tillverkning innebär att de bokstavligen är dödsfält. De kan potentiellt representera bokstavligt bortslösad potential. Men kaviar är trots allt bara mat, och dessutom inte direkt nödvändig mat. Det är en dyr lyxvara. Det finns potentiellt mycket att diskutera kring vilket budskap dessa målningar förmedlar om handel, konst och exploatering. Men kanske finns det inget att säga. Kanske är de helt enkelt vackra målningar.

Georg Herold – Untitled, 2011, kaviar (numrerad), akryl, lack på duk, 2 delar, vardera 350 x 203 cm, bild med tillstånd av Galerie Bärbel Grässlin

Ett annat material som Herold ofta återkommer till är tegelstenar. Han fäster tegelstenar direkt på de spända dukytorna i sina målningar. Tegelstenarnas tyngd drar ofta ner ytan, sträcker ut den och skapar veck och krusningar i tyget. Utseendet påminner ofta om ett delvis förstört konstverk. Det finns en inneboende spänning i verket när betraktarna ser på och undrar om tegelstenarna till slut kommer att falla. Dessa verk liknar katastrofer som väntar på att inträffa. De är också fascinerande undersökningar av materialitet, textur, dimensionalitet och rum. De är roliga och har på sätt och vis till och med en hånfull ton. De är också sublimt tvetydiga. Det finns en djup klyfta mellan vad de visar oss och vad de berättar för oss. Men trots allt är de bara en konstruktion, ytterligare ett steg framåt från presentationen av den första plankan. Framför allt är de fräscha. De är fortsatt bevis på att Georg Herold inte är en konstnär som förtjänar att etiketteras som en del av någon äldre generation. Med all respekt är faktiskt ingen levande konstnär det.

Georg Herold på Kunstmuseum Bonn visas till och med den 7 januari 2018.

Omslagsbild: Georg Herold - Herrenperspektive (Männens perspektiv), 2002, skulptur av takläkt, glas och snöre, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio