Kombinera det Abstrakta och det Figurativa - Konst av Albert Oehlen

Vid första anblicken ser många av målningarna av Albert Oehlen komplicerade ut, som den visuella motsvarigheten till brus. De kombinerar figurativa element med element som är helt abstrakta. De inkorporerar en bred och ständigt utvecklande samling av processer, material och tekniker. När vi fokuserar på dessa disparata element kan kompositionerna ibland verka osammanhängande och disharmoniska. Men när de betraktas från en bredare synvinkel, inte som slutgiltiga visuella uttalanden utan som utlösare för ett djupare estetiskt svar, framträder en känsla av harmoni i hans målningar. Oehlen var student till Sigmar Polke, en tysk målare, fotograf och professor som utmanade gränserna mellan figuration och abstraktion. Och han är en före detta rumskamrat till Martin Kippenberger, en tyskfödd multimediaartist som också är känd för att utforska hur den objektiva världen korsar den abstrakta. Och han är också en långvarig vän till Christopher Wool, en målare som kombinerar djärva textbaserade budskap med abstraktion på sätt som skapar skarpa linjer mellan de två, samtidigt som de antyder att de är desamma. På det sätt det kombinerar figuration och abstraktion, delar Oehlens verk en tydlig arv med alla tre av dessa andra konstnärer. Men det delar också en annan viktig, mindre uppenbar likhet: det är enklare än det ser ut.

Albert Oehlens utveckling

Albert Oehlen föddes 1954 i Krefeld, Tyskland, nordväst om Düsseldorf. Han växte upp i en konstnärlig familj. Oehlens far var konstnär, och hans bror Markus, två år yngre, har blivit en framstående abstrakt popkonstnär som också arbetar inom måleri och skulptur. Albert har sagt att han alltid visste att han skulle bli konstnär, som om det bara var något han tog för givet. Men valet att fokusera på måleri, och särskilt abstrakt måleri, var något som kom till honom gradvis över tid.

Oehlen avslutade sin examen vid Konsthögskolan i Hamburg 1978. Efter skolan experimenterade han med olika uttrycksformer, inklusive musik. Men det var efter att han flyttade från Tyskland till Spanien, där han delade hem med Martin Kippenberger, som han fann sin röst som abstrakt målare. I en intervju med Interview Magazine 2009 säger Oehlen att han tog tillfället i akt att förändra sin inställning till konsten. “Jag ville börja något nytt som jag drömt om länge, vilket var abstrakt måleri,” sa Oehlen, “och jag tog chansen att börja det där [i Spanien], vilket var mycket bra eftersom vi var mycket isolerade. Det var Martin och jag ensamma i det huset, så man kunde göra sina misslyckanden och se hur den andra reagerar.”

Albert Oehlen - Untitled, 1989. Oil and resin on canvas. 23 4/5 × 28 9/10 in. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

Målandets oförutsägbarhet

Att ha frihet att experimentera och misslyckas inpräntade i Oehlen vikten av osäkerhet i hans konst. Det finns en inneboende spänning i att inte veta hur något kommer att bli. Det finns en levande kraft som driver en konstnär mot att manifestera det okända, eller det oinbillade. Men en potentiell nackdel med den fulla friheten att experimentera är att det kan vara förlamande. Var börjar man om man inte har någon aning om vart man är på väg? För att ge sig själv tillräckligt med struktur för att förbli fokuserad samtidigt som han också njuter av friheten att experimentera, började Oehlen uppfinna enkla regler för sig själv i studion.

Dessa godtyckliga regler har inget syfte annat än att utmana honom i hans process, att skapa oförutsägbarhet och konflikt. Ibland begränsar han sina verk till en enda nyans. Andra gånger ger han sig själv begränsningen att helt enkelt gå långsammare. En av Ohlen’s favoritgodtyckliga regler, en han brukade dela med sina studenter när han undervisade vid Kunstakademie Düsseldorf, var: “Ändra materialet. För många beslut är du inte medveten om. Det börjar när du går och handlar konstmaterial. Du fattar beslut, och de är alltid desamma, som vilken typ av penslar du köper. Och om du tvingas att ändra något, ger det en osäkerhet till verket som är mycket hjälpsam. Det får dig att ta reda på vad du verkligen behöver."

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Oil on Canvas. © Albert Oehlen

Ingenting är fult

Under årtionden av experimenterande och att sätta godtyckliga gränser för sig själv har Oehlen kommit till en rolig insikt. På grund av de unika fysiska egenskaper som verk har finns det lite som någon kan göra för att få en målning att vara ful. Det fanns en tid då idén om dålig målning var i tankarna hos många kuratorer och konstnärer, inklusive Oehlen. Olika definitioner av dålig målning övervägdes. Vissa trodde att det hade att göra med processen. Andra trodde att det var grundläggande för kompositionen, eller de estetiska egenskaperna hos ett verk.

Oehlen arbetade hårt med idén att skapa dåliga målningar på samma sätt som en musiker kan skapa en låt som är omöjlig att lyssna på. Men han upptäckte att någon kan betrakta varje målning som vacker, eftersom människor helt enkelt har en visceral dragning till den inneboende skönheten i färg på en yta. Oavsett ämnet, oavsett konstnärens färdighetsnivå, oavsett kompositionen och oavsett processen, kan man hävda att ingen målning är dålig, eftersom något bra kan hittas i den om vi bara är villiga att titta.

Albert Oehlen - Untitled, 2005. Acrylic and oil on canvas. © Albert Oehlen

Visuella triggers

Det mogna arbete som Albert Oehlen skapar idag återspeglar sinnesstämningen hos en målare som helt enkelt älskar att engagera sig i sitt arbete. Han är mångsidig i sitt val av material och tekniker, vilket ger honom möjligheter att växa och utvecklas. Ibland gör han collage och målar sedan ovanpå dem, där han använder en blandning av skräpiga reklamskyltar och bläckstråleskrivna utskrifter för collaget. Ibland använder han sprayfärg, ibland oljefärger, ibland suddar han färgen över ytan i en suddighet. Glädjen för honom som konstnär kommer tydligt från den rätta blandningen av experimenterande och regler, eller med andra ord, processen.

För betraktare kan det vara lätt att bli förvirrad av de otaliga lagren, stilarna och referenserna i Oehlens konstverk. Men som vi nämnde tidigare, genom att förenkla sättet vi ser på dem kan vi komma närmare att förstå deras värde. Sättet att förenkla dem är att se dem inte som verk som innehåller betydelse att avtäcka, utan istället se dem som visuella utlösare. Ta ett steg tillbaka och se dem som en uppenbarelse av en process, och låt dem utlösa en känsla eller en tanke. Den figurativa bilden, texten, färgerna, markeringarna eller de fysiska resterna av vår kultur tillsammans ger en känsla, en som mestadels är upp till oss. Bilden är inte slutet på berättelsen. Om den vore det, skulle den verkligen vara förvirrande. Men det är bara början.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Paper collage on canvas. © Albert Oehlen

Dämpa ljudet

Visuellt har Albert Oehlens verk sammanförts med olika konstnärliga rörelser, såsom Neo-Expressionism och Neue Wilde. Neo-Expressionisterna var avgörande för återintroduktionen av figuration efter rörelser som Abstract Expressionism, Minimalism och Conceptual Art. Neue Wilde, eller den vilda ungdomen, kombinerade abstrakt och figurativ bildspråk med livfulla färger och känslomässiga penseldrag. Vid första anblicken verkar Oehlens verk ofta innehålla båda elementen. Men Oehlen har också fått ett annat smeknamn: den fria radikalen. Det namnet beror på Oehlens insisterande på att han inte tillhör någon rörelse, och att varje av hans verk bör betraktas separat och enligt sin egen estetiska proposition.

Vad exakt Oehlens propositioner innebär är en öppen konversation, en som inte ens Oehlen fullt ut kan förklara. Det som är uppenbart är att han gradvis har utvecklat en unik estetisk vision, en som fortsätter att utvecklas. Han använder de visuella verktyg som står till hans förfogande för att skapa något som kommer att generera en känsla hos betraktarna. Det är allt vackert och allt bra, åtminstone i några av våra sinnen. Människor kan säga att de gillar det eller att de inte gillar det. Så vad? Det kan inte förstås genom faktabaserad analys. Allt vi kan säga med säkerhet är att bullret av etiketter och omdömen och estetisk kritik verkligen bara står i vägen för hans arbete. Liksom de otaliga elementen som Oehlen kombinerar i sina verk, är det allt buller. Genom sin oförutsägbara och öppensinnade process försöker Oehlen helt enkelt skapa bra målningar. Han tar de komplicerade elementen av den visuella atmosfären och slätar ut dem. Ju mer vi kan förenkla hur vi ser på hans arbete, desto enklare blir det, och desto lättare är det att se det som vackert.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithographic print on Somerset Epson. © Albert Oehlen

Utvald bild: Albert Oehlen - Utan titel (detalj), 1993. Olja på duk. © Albert Oehlen
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio