Berömda abstrakta målningar som förändrade vårt sätt att uppfatta konst

"Vilka bilder vi kan ha, kan man säga, beror på vem som gör föreställningen." - John Hospers, från An Introduction to Philosophical Analysis

Vi är beroende av visionärer för att öppna dolda dörrar, så att vi kan få en glimt av delar av världen och delar av oss själva som annars kan förbli dolda. Vision är specialiteten hos abstrakta konstnärer, och under de senaste 100+ åren har många berömda abstrakta målningar lyckats vidga mänsklighetens vy. De visionärer som skapade dessa bilder gav oss, betraktarna, inte bara gåvan av nya saker att se; de erbjöd oss helt nya sätt att se.

Berömda abstrakta målningar: 1910-talet – 1920-talet

Visserligen kan några av våra val i den här artikeln visa sig vara kontroversiella, eftersomvarje älskare av abstrakt konst har olika smaker. Men de flesta skulle nog hålla med om vårt första val av abstrakta målningar som förändrade sättet vi uppfattar konst på. Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) målades 1910 och anses av konsthistoriker vara den första rent abstrakta målningen. Den djärva framställningen av livligt färgade fläckar, smetar och linjer avstår från all visuell referens till objektiv verklighet. Denna målning befriade konstnärer från ämnets bojor och inbjöd åskådare att engagera sig på ett helt nytt sätt med konceptet av vad en bild kan vara.

Wassily Kandinsky - Utan titel (Första abstrakta akvarellen), 1910. Akvarell och indiskt bläck och blyertspenna på papper. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Elva år senare, 1921, målade Piet Mondrian sin ikoniska Tableau I. Efter en tid av experimenterande med sin framväxande nya röst, fastställde Tableau I vad som skulle bli Mondrians definierande stil. De hårda svarta linjerna och de uppdelade färgfälten erbjöd betraktarna en glimt av renad geometri och matematisk precision. De rena linjerna och precisionen i verket gjorde ingen hänvisning till något annat än form, färg och linje. Verket inledde en stil som skulle påverka generationer av målare, skulptörer, arkitekter och formgivare, och fortsätter att vägleda kreativa tänkare idag.

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Olja på duk. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Tyskland

År 1925 upplöste Joan Miró gränserna mellan Abstraktion och Surrealism med sin målning La mancha roja (Den röda fläcken). Miró ansåg sig inte vara en abstraktionist. Han sa att han kom hem till sitt lilla hem, hungrig och utmattad, och målade de bilder han såg i sitt huvud. La mancha roja (Den röda fläcken) balanserar på den tunna linjen mellan antropomorfisk figurering, drömlika totem och ren abstraktion. Något barnsligt, men ändå fruktansvärt, lurar inom bilden. Med detta verk öppnade Miró dörren till den dolda ikonografin av våra mardrömmar och drömmar.

Joan Miro - La mancha roja (Den röda fläcken), 1925. Olja och pastell på duk. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía-samlingen. © Joan Miro-stiftelsen, Barcelona

Berömda abstrakta målningar: 1930-talet – 1940-talet

När den västerländska världen föll ner i depression, svält och krig för andra gången under 1900-talet, var abstraktionen fast etablerad som en stor kraft inom konstvärlden. En fantastisk mängd metoder användes av konstnärer som arbetade i stilen, där varje bidrog till de växande ansträngningarna att koppla samman med något rent, något sant och något fritt inom den mänskliga anden. I Storbritannien utvidgade målaren Ben Nicholson sitt abstrakta arbete till en samling av vad han kallade vita reliefmålningar. Ett av hans tidiga banbrytande verk, 1935 (vit relief), bröt ny visuell mark och etablerade Nicholson som en av de viktigaste rösterna inom engelsk abstraktion. Nicholson var vän med och påverkad av målaren Piet Mondrian. De vita reliefverken byggde vidare på Mondrians användning av hårdkanter och geometriskt rum, och introducerade dimensionell lagerbyggnad och en monokromatisk palett. Nicholsons första vita reliefmålningar skapades 1933, och vid tiden då 1935 (vit relief) skapades, hade han fastställt en stil som kombinerade element av abstraktion, konstruktivism, konkret konst, och som antyder de tidiga fröna av minimalism och post-målerisk abstraktion.

I den andra änden av spektrumet under 1930- och 1940-talen fanns de abstrakta expressionisterna, även kända som New York-skolan. De avvisade helt den rationella geografin och rumsliga reduktionen av konstnärer som Mondrian och Nicholson, och Ab Ex-arna strävade efter att koppla samman med primär känsla i sitt arbete. Ingen abstrakt expressionist var så inflytelserik och framgångsrik i att förkroppsliga stilen som Jackson Pollock.

En beryktad alkoholist och neurotiker, inspirerades Pollock av psykoanalyser för att nå djupt inom sitt undermedvetna efter inspiration. Hans arbete drog på fysiskhet och omedvetna totembilder för att skapa intensiva skildringar av modern, efterkrigstidens ångest. Ett av Pollocks första droppmålningar, Full Fathom Five, målad 1947, förändrade för alltid abstrakt konst. Detta verk är en amalgam av hans tidigare penselstil och hans visionära droppteknik. Det inkluderar mynt, cigarettfimpar och andra slumpmässiga bitar från hans ateljé, vilket projicerar en nivå av textur och djup som är helt ny för Abstraktion. Full Fathom Five markerade en vändpunkt i Pollocks karriär och förändrade för alltid vår relation till duken.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olja på duk med spikar, häftstift, knappar, nyckel, mynt, cigaretter, tändstickor, etc. 50 7/8 x 30 1/8 tum. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Berömda abstrakta målningar: 1950-talet

Under 1950-talet hade de abstrakta expressionisterna fast tagit över konstvärldens fantasi. Överallt strävade konstnärer efter att koppla samman med det uråldriga jaget, det omedvetna sinnet och de dolda bilderna i det undermedvetna. Mitt i denna iver uppstod en trend mot lugn, delvis född ur ett växande intresse bland många konstnärer för österländska filosofier som taoism och zenbuddhism. En av de mest djupgående rörelserna som växte fram ur denna tid var en abstrakt målarstil känd som Color Field Painting.

Målet med Color Field Painting, som det har kommit att förstås allmänt, var att utforska färg oberoende av motiv, form, linje och de andra begränsningarna av bildskapande. En meditativ kvalitet eftersträvades av målarna, och om den var framgångsrik överfördes den därefter från verket till dess betraktare.

Den abstrakta målaren Helen Frankenthaler var en av de mest djupgående rösterna inom Color Field-rörelsen. Med sin målning Mountains and Sea, målad 1952, introducerade Frankenthaler världen för en ny målarteknik som hon hade uppfunnit kallad "soak-stain process." I denna process använde Frankenthaler terpentin för att tunna ut konsistensen på sina färger. Hon hällde försiktigt den utspädda färgen på en omålad duk på golvet, vilket gjorde att färgen helt kunde sugas upp av duken, vilket gav verket en helt ny textur och utseende. Soak-stain-processen skapade sublima färgfält som antog organiska, morphande konfigurationer som berörde det fridfulla. Frankenthalers Mountains and Sea anses ha varit en av de första framgångarna inom Color Field-rörelsen och förblir en av dess mest älskade bilder idag.

Helen Frankenthaler - Berg och hav, 1952. Olja och kol på duk. 86 5/8 x 117 ¼ tum. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Kanske den mest kända konstnären som är kopplad till Color Field-konstnärerna är Mark Rothko, en konstnär som också kraftigt avvisade det, och de flesta andra etiketter. Rothko arbetade helt och hållet med färg, och strävade efter att öppna upp en andlig dimension där han och betraktarna kunde uppleva djupet av mänsklig känsla. Även om han var helt fokuserad på färg, avfärdade Rothko det som endast ett medel genom vilket denna andliga koppling kunde göras. Ett av Rothkos definierande tidiga verk var No. 2, Green, Red and Blue, målat 1953. Detta verk är ikoniskt för Rothkos framtida verk, och etablerar hans röst som en unikt älskvärd invånare i både den abstrakta konstens och den transcendentala andlighetens världar.

Mark Rothko - Nr 2, Grön, Röd och Blå, 1953. Privat samling

Berömda abstrakta målningar: 1960-talet – 1970-talet

När Abstraktion gick in i 1960- och 1970-talen, avvisade många målare redan dess grundläggande idéer, återvände till figuration och utforskade området konceptuell konst. Ändå hade kraften i Abstraktions klarhet och frihet fortfarande stort löfte. En av de mest sublima rösterna under denna period var den amerikanska abstrakta målaren Agnes Martin. Känd för sina målningar med linjerade rutnät, förblir Martin en ikonisk röst inom Abstrakt konst.

Agnes Martins målning Night Sea, skapad 1963, är ett av de tidigaste exemplen på vad som skulle bli hennes definitiva stil. I verket korsas en nästan monokrom blå bakgrund av ett noggrant rutmönster målat i guldblad. Detta verk omfamnar färg, samtidigt som det lägger lika stor vikt vid linje. Det omfamnar enkelhet samtidigt som det kommunicerar oändlighet, komplexitet och en känsla av sammanflätad ömsesidighet. Martin talade om hur linjen, för henne, representerade oskuld. Hon hoppades att känslan av oskuld skulle överföras till betraktarna genom hennes verk. Enkelheten i hennes bilder, och direktheten i den känsla hon hoppades förmedla, var avgörande för att överbrygga klyftan mellan abstrakt expressionism och minimalism.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Olja och guldblad på duk. 72 x 72 tum. © Agnes Martins egendom / Artists Rights Society (ARS), New York

På 1970-talet skakade Robert Motherwell om världen av Abstraktion ännu en gång med en röst som verkade vara motsatsen till Minimalismens dragning. Hans primitiva, robusta gester förmedlade energi, styrka och ångest på en och samma gång. Det fanns en stoisk styrka i dem och ändå kom djup känsla fram som förkroppsligade kraften och friheten i ren Abstraktion.

Motherwells avgörande verk kom 1971 och kallades Elegy to the Spanish Republic No. 110. Denna målningens rasande energi omger betraktaren och verkar explodera från duken. Det finns en chockerande livskraft i den, aggression som överför känsla och raseri till rummet. Vid en tidpunkt då många målare ansåg att Abstraktion hade spelat ut sin roll, injicerade Motherwell en kraftfull ny livskraft i stilen. Hans fräscha vision och självsäkra röst hjälpte Abstraktionen att överleva och fortsätter att inspirera och ge kraft åt abstrakta konstnärer än idag.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971. Akryl med grafit och kol på duk. 82 x 114 tum. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licensierad av VAGA vid Artists Rights Society (ARS), New York

Att förändra vår uppfattning om framtiden

Dagens samtida abstrakta konstnärer är skyldiga en skuld till var och en av dessa konstnärer, både för de sätt de sökte frihet i sina uttrycksformer och för de sätt de hjälpte betraktarna att öppna sina sinnen för nya sätt att se. Abstraktion fortsätter att öppna nya dörrar för oss när vi försöker förstå de oändliga komplexiteter som vårt utvecklande samhälle presenterar för oss. Genom att dra nytta av exemplen från de stora abstrakta konstnärerna från det förflutna kan de abstrakta konstnärerna idag och imorgon förhoppningsvis hjälpa oss att översätta våra samtida ångest och rädslor, och hjälpa oss att se bortom begränsningarna av våra egna ögon.

Utvald bild: Wassily Kandinsky - Komposition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio