Berömda abstrakta målningar som förändrade vårt sätt att uppfatta konst

”Vilka bilder vi kan ha, skulle man kunna säga, beror på vem som föreställer sig dem.” - John Hospers, ur An Introduction to Philosophical Analysis

Vi är beroende av visionärer som öppnar dolda dörrar, så att vi kan få en glimt av delar av världen och av oss själva som annars kanske skulle förbli dolda. Synen är abstrakta konstnärers specialitet, och under de senaste 100+ åren har många berömda abstrakta målningar lyckats vidga mänsklighetens perspektiv. Visionärerna som skapade dessa bilder gav inte bara oss betraktare gåvan att upptäcka nya saker att se; de erbjöd oss helt nya sätt att se.

Dessa genombrott är inte begränsade till konsthistorien. Bredvid varje historisk konstnär som diskuteras nedan tittar vi på ett verk som finns tillgängligt via IdeelArt och som närmar sig besläktade frågor om linje, geometri, material eller färg. Dessa sammanställningar är inbjudningar att se, inte påståenden om direkt påverkan: varje konstnär ger dessa gemensamma frågor ett eget språk.

Berömda abstrakta målningar: 1910- och 1920-talen

Det medges att vissa av våra urval i den här artikeln kan visa sig kontroversiella, eftersom alla som älskar abstrakt konst har olika smak. Men de flesta skulle förmodligen hålla med om vårt första urval av abstrakta målningar som förändrade vårt sätt att uppfatta konst. Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) målades 1910 och betraktas av konsthistoriker som den första rent abstrakta målningen. Den djärva framställningen av färgstarka fläckar, utsmetningar och linjer avstår från all visuell hänvisning till den objektiva verkligheten. Den här målningen befriade konstnärer från motivets bojor och inbjöd betraktare att på ett helt nytt sätt förhålla sig till föreställningen om vad en bild kan vara.

Wassily Kandinsky - Untitled (First Abstract Watercolor) - 1910
Centre Georges Pompidou, Paris

Vad händer när linje och färg inte längre behöver beskriva ett objekt? I The Eye ger Macha Poynder ett samtida svar: slingrande markeringar, plötsliga glimtar av gult och rosa samt skiktade blå partier skapar en rastlös visuell rytm. Hennes konstnärskap förenar automatiskt tecknande, performativa gester och intuitiva färgval. Betraktad bredvid Kandinskys akvarell antyder målningen hur abstraktion kan förvandla seendet till en aktiv upplevelse, där ögat följer relationer snarare än identifierar ett motiv.

Elva år senare, 1921, målade Piet Mondrian sitt ikoniska Tableau I. Efter en period då han experimenterade med sitt framväxande nya uttryck befäste Tableau I det som skulle bli Mondrians kännetecknande stil. De hårda svarta linjerna och de uppdelade färgfälten gav betraktaren en glimt av renodlad geometri och matematisk precision. Verkets rena linjer och precision hänvisade inte till något annat än form, färg och linje. Verket banade väg för en stil som skulle påverka generationer av målare, skulptörer, arkitekter och formgivare och som fortsätter att vägleda kreativa tänkare än i dag.

Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Museum Ludwig, Köln, Tyskland

Mondrians geometri väcker också en fråga som fortfarande är öppen i dag: hur lite behöver en bild innehålla för att förändra vårt sätt att se? Daniel Göttins Untitled 1, 2016 tar en annan väg genom detta område. Svarta och grå vertikala fält, åtskilda av vita linjer, skapar ett regelbundet mönster vars kontraster skiftar över ytan. I stället för att upprepa Mondrians karakteristiska färgpalett utforskar Göttin proportion, upprepning, symmetri och asymmetri. Sambandet ligger i betraktarens upplevelse av relationer: en linje är inte bara en gräns, utan något som förändrar utrymmet omkring den.

År 1925 upplöste Joan Miró gränserna mellan abstraktion och surrealism med sin målning La mancha roja (Den röda fläcken). Miró betraktade inte sig själv som abstraktionist. Han berättade att han kom hem till sitt lilla hem, hungrig och utmattad, och målade de bilder han såg i sitt huvud. La mancha roja (Den röda fläcken) balanserar på den tunna gränsen mellan antropomorf figurativ konst, drömlika totem och ren abstraktion. Något barnsligt, men samtidigt fasansfullt, lurar i bilden. Med denna serie verk slog Miró upp dörren till den dolda ikonografin i våra mardrömmar och drömmar.

Joan Miro - La mancha roja (Den röda fläcken) - 1925
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collection.
© Joan Miro Foundation, Barcelona

Mirós former svävar mellan tecken, föreställda varelser och självständiga former. En liknande tvetydighet präglar Daniela Marins Medusae I, där randiga, fläckiga och förgrenade former delar ett vitt fält med öppna geometriska strukturer. De antyder levande ting utan att övergå i en enda identifierbar scen. Marins formspråk för organiska former i dialog med urban geometri och bygger på hennes egna erfarenheter och resor. Hennes ljusa, expansiva komposition skiljer sig från den oroande atmosfär som beskrivs i Mirós målning, men båda uppmanar betraktaren att röra sig mellan igenkänning och uppfinning: en form kan verka levande utan att bli en illustration.

Berömda abstrakta målningar: 1930-talet – 1940-talet

När västvärlden för andra gången under 1900-talet sjönk ner i depression, svält och krig hade abstraktionen etablerats som en betydande kraft i konstvärlden. Konstnärer som arbetade i denna stil använde ett fantastiskt urval av metoder, där var och en bidrog till de växande försöken att nå något rent, något sant och något fritt inom människans ande. I Storbritannien utvecklade målaren Ben Nicholson sitt abstrakta arbete till en serie verk som han kallade vita reliefmålningar. Bland dessa finns White Relief, Quai d’Auteuil (1935), ett exempel på det arbetssätt som etablerade Nicholson som en av den engelska abstraktionens viktigaste röster. Nicholson var vän med och influerades av målaren Piet Mondrian. De vita relieferna vidareutvecklade Mondrians användning av skarpa linjer och geometriskt rum genom att införa dimensionell skiktning och en monokrom palett. Nicholsons första vita reliefmålningar skapades 1933, och 1935 hade han etablerat en stil som kombinerade element av abstraktion, konstruktivism, konkret konst och som antyder de tidiga fröna till minimalism och postmålerisk abstraktion.

Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
The Hepworth Wakefield Museum

Nicholsons reliefer gör själva rummet till en aktiv del av abstraktionen genom relationerna mellan plan, kanter och djup. Den brittiske målaren Jeremy Annear erbjuder en fängslande dialog med denna idé i Construct (Red Disc and Triangle). Lager av vita, grå och jordfärgade former kretsar kring böjda konturer, medan en röd cirkel och triangel markerar kompositionen. Annear bygger sina oljemålningar med lager på lager av former och texturerade ytor; här antyder överlappningarna ett rum som är konstruerat snarare än beskrivet. Till skillnad från Nicholsons vita reliefer är detta en färgmålning, men den gemensamma frågan är hur ett begränsat formspråk kan skapa balans, spänning och en känsla av djup.

I andra änden av spektrumet under 1930- och 1940-talen fanns de abstrakta expressionisterna, även kallade New York-skolan. Genom att helt förkasta den rationella geografin och rumsliga reduktionen hos konstnärer som Mondrian och Nicholson sökte Ab Ex-konstnärerna kontakt med primära känslor i sina verk. Ingen abstrakt expressionist var lika inflytelserik och framgångsrik i att förkroppsliga stilen som Jackson Pollock.

Pollock var en ökänd alkoholist och neurotiker och inspirerades av psykoanalyser för att nå djupt in i sitt undermedvetna efter inspiration. Hans verk byggde på fysisk närvaro och omedvetna totembilder för att skapa intensiva skildringar av modern efterkrigsångest. Ett av Pollocks första droppmålningar, Full Fathom Five, målad 1947, förändrade för alltid den abstrakta konsten. Verket är en blandning av hans tidigare penselstil och hans visionära droppteknik. Det innehåller mynt, cigarettfimpar och andra slumpmässiga föremål från hans ateljé, vilket skapar en nivå av textur och djup som var helt ny inom abstraktionen. Full Fathom Five markerade en vändpunkt i Pollocks karriär och förändrade för alltid vår relation till duken.

Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
 © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society

Föremålen som är inbäddade i Full Fathom Five påminner oss om att en målning kan vara mer än en bild: den kan vara en fysisk ansamling av handlingar och material. Anthony Frost utforskar den möjligheten genom en instinktiv process som kombinerar måleri och collage. I Surface Pressure korsas grovt texturerade blå och orange områden av en utskjutande röd remsa, vilket gör själva ytan till en del av mötet. Frosts användning av upphittade material och skiktade konstruktion skiljer sig markant från Pollocks trassliga droppar, men båda verken uppmanar oss att betrakta måleriet som något som skapas genom fysisk närvaro, inte bara som en bild som planerats i förväg.

Berömda abstrakta målningar: 1950-talet

På 1950-talet hade de abstrakta expressionisterna helt tagit över konstvärldens föreställningsvärld. Överallt strävade konstnärer efter att få kontakt med det uråldriga jaget, det omedvetna sinnet och det undermedvetna bildspråket. Mitt i denna glöd växte en tendens mot lugn fram, delvis född ur ett växande intresse hos många konstnärer för österländska filosofier som taoism och zenbuddhism. En av de mest betydelsefulla rörelserna som växte fram ur denna tid var en abstrakt målarstil känd som Color Field-måleri.

Målet med Color Field-måleriet, så som det allmänt har kommit att förstås, var att utforska färg oberoende av motiv, form, linje och de andra begränsningarna inom bildskapande. Målarna sökte en meditativ kvalitet, och om de lyckades överfördes den sedan från verket till betraktarna.

Den abstrakta målaren Helen Frankenthaler var en av de mest betydelsefulla rösterna inom Color Field-rörelsen. Med sin målning Mountains and Sea, som målades 1952, introducerade Frankenthaler världen för en ny målningsteknik som hon hade uppfunnit och kallade ”soak-stain-processen”. I denna process använde Frankenthaler terpentin för att tunna ut färgens konsistens. Hon hällde försiktigt den utspädda färgen på en grundad canvasduk på golvet och lät färgen tränga igenom duken helt, vilket gav verket en helt ny textur och ett nytt utseende. Soak-stain-processen skapade sublima färgfält som antog organiska, föränderliga former med drag av det rofyllda. Frankenthalers Mountains and Sea anses ha varit en av Color Field-rörelsens första framgångar och är fortfarande en av dess mest älskade bilder.

Helen Frankenthaler - Berg och hav - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society

Frankenthalers målning öppnar ett utrymme mellan det ihågkomna landskapet och självständiga färgfält. Greet Helsen närmar sig detta utrymme genom sina egna möten med naturen och utgår från intryck av ljus, form och färg snarare än precisa beskrivningar. I Dynamisch (Dynamic) rör sig genomskinliga rosa, blå och lila toner över en luftig yta, avbrutna av tunna mörka linjer och djupare färgansamlingar. Helsen späder noggrant ut sin akrylfärg så att de successiva lagren förblir synliga. Detta är inte samma process som Frankenthalers soak-staining, men jämförelsen visar hur transparens och flytande färg kan antyda ett landskap utan att avbilda ett.

Kanske är den mest berömda konstnären som förknippas med Color Field-konstnärerna Mark Rothko, en konstnär som också häftigt avvisade den etiketten och de flesta andra. Rothko arbetade helt och hållet med färg och strävade efter att öppna ett andligt plan där han och betraktarna kunde uppleva djupet i mänskliga känslor. Trots sitt fulla fokus på färg avfärdade Rothko den som endast ett medel genom vilket denna andliga förbindelse kunde skapas. Ett av Rothkos definierande tidiga verk var No. 2, Green, Red and Blue, målat 1953. Verket är ikoniskt för Rothkos framtida konstnärskap och etablerar hans röst som en unikt tilltalande invånare i både den abstrakta konstens och den transcendentala andlighetens världar.

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953

Kan färg förmedla en känsla utan att beskriva dess orsak? Den frågan knyter samman Rothkos verk med Kyong Lees Emotional Color Field 6, även om deras visuella språk förblir distinkta. Lee arrangerar horisontella band som rör sig från djupblått och violett via rosa och bleka toner till orange och rött. Hennes process använder noggrant uppmätta fält och gradvisa färgövergångar för att utforska förändringar i känslomässiga tillstånd. Där Rothkos mjukt avgränsade former verkar sväva är Lees indelningar tydliga och ordnade. Dialogen handlar mindre om likhet än om hur en färg förändrar vår upplevelse av nästa, och hur dessa relationer kan bli ett känslomässigt språk.

Berömda abstrakta målningar: 1960- och 1970-talen

När Abstraktionen gick in i 1960- och 1970-talen förkastade många målare redan dess grundläggande idéer, återvände till figurativt måleri och utforskade området konceptuell konst. Ändå fortsatte kraften i Abstraktionens klarhet och frihet att rymma stora möjligheter. En av periodens mest sublima röster var den amerikanska abstrakta målaren Agnes Martin. Martin, som är känd för sina rutmålningar med linjer, förblir en ikonisk röst inom abstrakt konst.

Agnes Martins målning Night Sea, utförd 1963, är ett av de tidigaste exemplen på det som skulle bli hennes karakteristiska stil. I verket korsas en nästan monokrom blå bakgrund av ett minutiöst rutmönster målat med bladguld. Verket omfamnar färgen och ger samtidigt linjen lika stor kraft. Det omfamnar enkelhet men förmedlar samtidigt väldighet, komplexitet och en känsla av sammanvävd ömsesidig beroendeställning. Martin berättade att linjen för henne representerade oskuld. Hon hoppades att känslan av oskuld skulle överföras till betraktarna genom hennes verk. Enkelheten i hennes bilder och den direkthet i känslan hon ville förmedla spelade en avgörande roll i att överbrygga klyftan mellan abstrakt expressionism och minimalism.

Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Agnes Martins dödsbo / Artists Rights Society

Martins återhållsamma formspråk visar hur en linje kan fånga vår uppmärksamhet utan att beskriva något. Richard Caldicotts Untitled, 2014 (Id.383) erbjuder ett annorlunda, avskalat möte med linje och rum. Mot en blek yta skapar tunna och kraftigare mörka linjer en öppen, vinklad struktur mellan röda och gula områden. I stället för att upprepa Martins rutnät reducerar Caldicott kompositionen till några få relationer, vars balans blir allt tydligare ju längre vi ser. Hans serier av verk på papper utforskar ett minimalistiskt, arkitektoniskt språk. Kombinationen inbjuder till en långsammare form av uppmärksamhet: inte ett sökande efter ett motiv, utan en medvetenhet om hur mellanrum, kanter och tomrum formar vår upplevelse.

På 1970-talet skakade Robert Motherwell åter om abstraktionens värld med en röst som verkade vara motsatsen till minimalismens lockelse. Hans primitiva, robusta gester förmedlade energi, styrka och ångest på samma gång. De hade en stoisk styrka, och ändå trädde en djup känsla fram som förkroppsligade den rena abstraktionens kraft och frihet.

Motherwells definierande verk kom 1971 och kallades Elegy to the Spanish Republic No. 110. Målningens ursinniga energi omsluter betraktaren och tycks sprängas ut från duken. Den rymmer en chockerande vitalitet, en aggression som överför känsla och vrede till rummet. Vid en tid då många målare ansåg att abstraktionen hade spelat ut sin roll tillförde Motherwell stilen en kraftfull ny livskraft. Hans fräscha vision och självsäkra röst hjälpte abstraktionen att överleva och fortsätter än i dag att inspirera och stärka abstrakta konstnärer.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society

Motherwells Elegy visar hur upprepade, kraftfulla former kan ge en abstrakt målning emotionell tyngd. Tommaso Fattovichs Punk närmar sig denna tyngd genom ett mer fragmenterat, mångfärgat formspråk. Upprättstående partier i svart, rosa, ljusgrönt och orange stiger genom en grov gråbrun grund, och deras kanter bär spår av successiva gester. Fattovich utvecklar sina kompositioner intuitivt och reagerar på färg, lager, linjer och former tills bilden känns fullständig. Jämförelsen gäller penseldragets fysiska närvaro, inte en likvärdighet mellan motiven: Fattovichs stadsinspirerade abstraktion delar inte Motherwells Elegys specifika historiska betydelse, men erbjuder ett annat sätt att möta gesten som bärare av intensitet.

Att förändra vår uppfattning om framtiden

Dagens samtida abstrakta konstnärer står i tacksamhetsskuld till var och en av dessa konstnärer, både för de sätt på vilka de sökte frihet i sina uttrycksformer och för de sätt på vilka de hjälpte betraktare att öppna sina sinnen för nya sätt att se. Abstraktionen fortsätter att öppna nya dörrar för oss när vi försöker förstå de oändliga komplexiteter som vårt föränderliga samhälle ställer oss inför. Genom att hämta inspiration från exemplen från det förflutnas stora abstrakta konstnärer kan dagens och morgondagens abstrakta konstnärer förhoppningsvis hjälpa oss att översätta vår tids oro och rädsla och hjälpa oss att se bortom våra egna ögons begränsningar.

Verken som förs in i dialog med dessa historiska målningar visar att dessa möjligheter fortfarande står öppna. Från Poynders rastlösa linjer och Marins föreställda organiska former till Göttins och Annears konstruerade rum erbjuder abstraktionen många sätt att engagera blicken. Frosts materiella ytor, Helsens genomskinliga färg, Lees emotionella sekvenser, Caldicotts sparsamma strukturer och Fattovichs kraftfulla penseldrag för samtalet i olika riktningar. De ersätter inte de historiska verken och upprepar inte heller deras landvinningar. I stället bjuder de in oss att ta med oss det vi har lärt oss in i nya möten och upptäcka hur abstraktionen fortsätter att förändra vårt sätt att se.

Utvald bild: Wassily Kandinsky - Komposition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio (2016) Redigerad av Francis Berthomier (2026)