Berömda abstrakta målningar som förändrade vårt sätt att uppfatta konst

”Vilka bilder vi kan ha, kan man säga, beror på vem som föreställer sig dem.” - John Hospers, från En introduktion till filosofisk analys

Vi är beroende av visionärer för att öppna dolda dörrar, så att vi kan skymta delar av världen och delar av oss själva som annars kanske förblir dolda. Synen är abstrakta konstnärers specialitet, och under de senaste 100+ åren har många berömda abstrakta målningar lyckats vidga mänsklighetens vy. Visionärerna som skapade dessa bilder gav oss, betraktarna, inte bara gåvan att se nya saker; de erbjöd oss helt nya sätt att se på.

Berömda abstrakta målningar: 1910-talet – 1920-talet

Visserligen kan några av våra val i denna artikel visa sig vara kontroversiella, eftersom varje älskare av abstrakt konst har olika smak. Men de flesta skulle nog hålla med om vårt första urval av abstrakta målningar som förändrade vårt sätt att uppfatta konst. Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) målades 1910 och anses av konsthistoriker vara den första helt abstrakta målningen. Den djärva framställningen av livfullt färgade fläckar, fläckar och linjer avstår från all visuell referens till objektiv verklighet. Denna målning befriade konstnärer från ämnets bojor och bjöd in betraktare att engagera sig på ett helt nytt sätt med begreppet vad en bild kan vara.

Wassily Kandinsky - Untitled (First Abstract Watercolor), 1910. Akvarell och indisk bläck och blyerts på papper. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Elva år senare, 1921, målade Piet Mondrian sin ikoniska Tableau I. Efter en period av experimenterande med sin framväxande nya röst, fastställde Tableau I det som skulle bli Mondrians kännetecknande stil. De hårda svarta linjerna och de uppdelade färgfälten gav betraktarna en glimt av ren geometri och matematisk precision. De rena linjerna och verkets precision hänvisade inte till något annat än form, färg och linje. Verket inledde en stil som skulle påverka generationer av målare, skulptörer, arkitekter och formgivare, och fortsätter att vägleda kreativa tänkare än idag.

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Olja på duk. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Tyskland

År 1925 upplöste Joan Miró gränserna mellan abstraktion och surrealism med sin målning La mancha roja (Den röda fläcken). Miró betraktade sig inte som en abstraktionist. Han sade att han kom hem till sitt lilla hem, hungrig och utmattad, och målade de bilder han såg i sitt huvud. La mancha roja (Den röda fläcken) balanserar på den tunna linjen mellan antropomorf figurativ konst, drömlika totem och ren abstraktion. Något barnsligt, men ändå fruktansvärt, lurar inom bilden. Med denna samling kastade Miró upp dörren till den dolda ikonografin i våra mardrömmar och drömmar.

Joan Miro - La mancha roja (Den röda fläcken), 1925. Olja och pastell på duk. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collection. © Joan Miro Foundation, Barcelona

Berömda abstrakta målningar: 1930-talet – 1940-talet

När den västerländska världen sjönk ner i depression, svält och krig för andra gången under 1900-talet, var abstraktionen fast etablerad som en stor kraft inom konstvärlden. En fantastisk mängd metoder användes av konstnärer som arbetade i stilen, var och en bidragande till de växande ansträngningarna att nå något rent, något sant och något fritt inom den mänskliga anden. I Storbritannien utvidgade målaren Ben Nicholson sitt abstrakta arbete till en samling som han kallade vita relieffmålningar. Ett av hans banbrytande tidiga verk, 1935 (white relief), bröt ny visuell mark och etablerade Nicholson som en av de viktigaste rösterna inom engelsk abstraktion. Nicholson var vän med och påverkades av målaren Piet Mondrian. De vita relieffverken byggde vidare på Mondrians användning av hårda linjer och geometriskt rum, och introducerade tredimensionell lagerbildning och en monokrom palett. Nicholsons första vita relieffmålningar skapades 1933, och när 1935 (white relief) målades hade han fastställt en stil som kombinerade element av abstraktion, konstruktivism, konkret konst, och som antyder de tidiga fröna till minimalism och postmålerisk abstraktion.

I andra änden av spektrumet under 1930- och 1940-talen fanns de abstrakta expressionisterna, även kända som New York-skolan. De avvisade helt den rationella geografin och rumsliga förenklingen hos konstnärer som Mondrian och Nicholson, och sökte i sitt arbete att nå fram till ursprunglig känsla. Ingen abstrakt expressionist var lika inflytelserik och framgångsrik i att gestalta stilen som Jackson Pollock.

En ökänd alkoholist och neurotiker, Pollock inspirerades av psykoanalys för att nå djupt inom sitt undermedvetna för inspiration. Hans verk hämtade kraft från fysisk handling och omedvetna totembilder för att skapa kraftfulla skildringar av modern, efterkrigsångest. En av Pollocks första droppmålningar, Full Fathom Five, målad 1947, förändrade abstrakt konst för alltid. Detta verk är en sammansmältning av hans tidigare penselstil och hans visionära droppteknik. Det innehåller mynt, fimpar och andra slumpmässiga föremål från hans ateljé, vilket ger en nivå av textur och djup helt ny för abstraktionen. Full Fathom Five markerade en vändpunkt i Pollocks karriär och förändrade för alltid vår relation till duken.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olja på duk med spikar, stift, knappar, nyckel, mynt, cigaretter, tändstickor, etc. 50 7/8 x 30 1/8 tum. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Berömda abstrakta målningar: 1950-talet

På 1950-talet hade de abstrakta expressionisterna helt tagit över konstvärldens fantasi. Överallt strävade konstnärer efter att nå fram till det ursprungliga jaget, det undermedvetna och den dolda bildvärlden i det undermedvetna. Mitt i denna iver växte en trend mot lugn fram, delvis född ur ett växande intresse bland många konstnärer för österländska läror som taoism och zenbuddhism. En av de mest djupgående rörelserna som växte fram under denna tid var en abstrakt måleristil känd som färgfältsmåleri.

Målet med färgfältsmåleriet, som det allmänt förstås, var att utforska färg oberoende av ämne, form, linje och andra begränsningar i bildskapandet. En meditativ kvalitet söktes av målarna, och om den lyckades överfördes den sedan från verket till dess betraktare.

Den abstrakta målaren Helen Frankenthaler var en av de mest betydande rösterna inom färgfältsrörelsen. Med sin målning Mountains and Sea, målad 1952, introducerade Frankenthaler världen för en ny måleriteknik hon uppfunnit kallad ”soak-stain-processen”. I denna process använde Frankenthaler terpentin för att tunna ut färgernas konsistens. Hon hällde försiktigt den utspädda färgen på en ogrundad duk på golvet, vilket tillät färgen att helt suga igenom duken och gav verket en helt ny textur och utseende. Soak-stain-processen skapade sublima färgfält som antog organiska, förvandlande former med en känsla av ro. Frankenthalers Mountains and Sea anses vara en av de första framgångarna inom färgfältsrörelsen och är fortfarande en av dess mest älskade bilder idag.

Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952. Olja och kol på duk. 86 5/8 x 117 ¼ tum. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Kanske är den mest berömda konstnären som förknippas med färgfältsmålarna Mark Rothko, en konstnär som också kraftfullt avvisade detta och de flesta andra etiketter. Rothko arbetade helt med färg och strävade efter att öppna ett andligt plan där han och betraktarna kunde uppleva djupet av mänsklig känsla. Trots att han var helt fokuserad på färg avfärdade Rothko den som endast ett medel genom vilket denna andliga förbindelse kunde skapas. Ett av Rothkos definierande tidiga verk var No. 2, Green, Red and Blue, målat 1953. Detta verk är ikoniskt för Rothkos framtida produktion och etablerar hans röst som en unikt älskvärd invånare i både den abstrakta konstens och den transcendentala andlighetens världar.

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue, 1953. Privat samling

Berömda abstrakta målningar: 1960-talet – 1970-talet

När abstraktionen gick in i 1960- och 1970-talen avvisade många målare redan dess grundläggande idéer, återvände till figurativ konst och utforskade området för konceptuell konst. Ändå höll abstraktionens klarhet och frihet fortfarande stort löfte. En av de mest sublima rösterna under denna period var den amerikanska abstrakta målaren Agnes Martin. Känd för sina linjerade rutnätsmålningar, består Martin som en ikonisk röst inom abstrakt konst.

Agnes Martins målning Night Sea, skapad 1963, är ett av de tidigaste exemplen på vad som skulle bli hennes kännetecknande stil. I verket korsas en nästan monokrom blå bakgrund av ett noggrant rutnätsmönster målat i bladguld. Detta verk omfamnar färg samtidigt som det lägger lika stor vikt vid linjen. Det omfamnar enkelhet samtidigt som det kommunicerar vidsträckthet, komplexitet och en känsla av sammanflätad ömsesidighet. Martin talade om hur linjen för henne representerade oskuld. Hon hoppades att känslan av oskuld skulle överföras till betraktarna genom hennes verk. Enkelheten i hennes bilder och den direkthet i känslan hon ville förmedla var avgörande för att överbrygga klyftan mellan abstrakt expressionism och minimalism.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Olja och bladguld på duk. 72 x 72 tum. © Agnes Martins dödsbo / Artists Rights Society (ARS), New York

På 1970-talet skakade Robert Motherwell återigen om abstraktionsvärlden med en röst som verkade vara motsatsen till minimalismens lockelse. Hans ursprungliga, robusta gester förmedlade energi, styrka och oro samtidigt. Det fanns en stoisk styrka i dem och ändå framträdde djup känsla som gestaltar kraften och friheten i ren abstraktion.

Motherwells definierande verk kom 1971 och kallades Elegy to the Spanish Republic No. 110. Denna målning omsluter betraktaren med sin rasande energi och verkar explodera från duken. Det finns en chockerande livskraft i den, en aggression som överför känsla och vrede till rummet. Vid en tid då många målare ansåg att abstraktionen hade spelat ut sin roll injicerade Motherwell en kraftfull ny livskraft i stilen. Hans fräscha vision och självsäkra röst hjälpte abstraktionen att bestå och fortsätter att inspirera och stärka abstrakta konstnärer än idag.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971. Akryl med grafit och kol på duk. 82 x 114 tum. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licensierad av VAGA vid Artists Rights Society (ARS), New York

Att förändra vår syn på framtiden

Dagens samtida abstrakta konstnärer är skyldiga var och en av dessa konstnärer, både för de sätt de sökte frihet i sina uttrycksformer och för de sätt de hjälpte betraktare att öppna sina sinnen för nya sätt att se. Abstraktionen fortsätter att öppna nya dörrar för oss när vi försöker förstå de oändliga komplexiteter som vårt föränderliga samhälle ställer oss inför. Genom att dra nytta av exemplen från de stora abstrakta konstnärerna från förr kan dagens och morgondagens abstrakta konstnärer förhoppningsvis hjälpa oss att översätta våra samtida oro och rädslor och hjälpa oss att se bortom våra egna ögons begränsningar.

Framträdande bild: Wassily Kandinsky - Komposition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio