Avgörande ögonblick i den abstrakta konstens historia

Ord kan vara så kontroversiella. Vi vill bara diskutera historien om abstrakt konst. Men den meningen är full av konceptuella faror. (Vems historia? Vad är konst? Vad betyder det att vara abstrakt?) För att vara exakt, kanske vi borde titulera denna artikel något i stil med, “Definierande ögonblick i kedjan av händelser som utgör den allmänt accepterade tidslinjen för västerländsk civilisation relaterad till objekt och fenomen skapade av självbeskrivna konstnärer som inte avser att vara representativa för objektiv visuell verklighet.” Men det är inte direkt en klickbar rubrik. (Eller är det?) För att bevara förnuftet, låt oss i denna artikel lägga semantiken åt sidan och bara börja från början.

Den förhistoriska konsten av abstrakt konst

Bland de tidigaste märkena från förhistoriska grottmänniskor fanns linjer, repor och handavtryck. Vår bästa tolkning är att de var symboliska. Gör det dem till de första exemplen på abstrakt konst? Kanske. Men även de representativa bilder som lämnats av våra forntida förfäder är inte exakt fotorealistiska. Det som saknas i våra analyser är en förståelse för våra tidigaste konstnärers avsikt. När vi pratar om abstrakt konst menar vi konst som specifikt var avsedd att vara abstrakt. Eftersom vi inte kan veta vad förhistoriska konstnärer avsåg att kommunicera genom sina bilder, kan vi inte bedöma om det var abstrakt, eller ens om det är konst. Det kan ha haft nyttomässiga syften för allt vi vet. Så vi hoppar framåt, långt framåt, till en tid som är bättre dokumenterad, när konstnärernas avsikter var tydligare.

Henri Matisse - Kvinna med hatt, 1905, Olja på duk, 31 3/4 × 23 1/2 tum, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Innan början av 1800-talet är det säkert att säga att den stora majoriteten av konstnärer under den stora majoriteten av tiden inte hade lyxen att bestämma vad de skulle skapa. De flesta konstnärer före den romantiska eran var beroende av stöd från religiösa institutioner eller någon annan auktoritär makt för att överleva. Kungar och heliga män bestämde därför ämnet för de flesta av dessa konstnärers verk. När det systemet av mecenatskap avtog, presenterade sig andra överlevnadsmöjligheter för konstnärerna. Ett galleri-system uppstod; oberoende konsthandlare började representera konstnärers verk; rika individer och privata institutioner började stödja konstnärer och samla deras verk. För första gången fick konstnärerna chansen att själva svara på frågan: "Vad vill jag skapa?" Omedelbart kom den nästa oundvikliga frågan: "Varför vill jag skapa det?" Svaret på den frågan är en ledande orsak till den eventualitet som ledde till den abstrakta konstens uppkomst, och är kanske det mest bestående konceptet som framträdde ur den romantiska eran; ett som uttrycktes av många tänkare under tiden, och sammanfattades av fransmännen som, "L'art pour l'art." Konst för konstens skull. Eller som författaren Edgar Allen Poe uttryckte det 1850:"…om vi bara tillät oss att se in i våra egna själar skulle vi omedelbart upptäcka att under solen finns det varken något verk som är mer grundligt värdigt, mer högst ädelt, än denna dikt… skriven enbart för diktens skull."

Andre Derain - De torkande seglen, 1905, olja på duk, 82 x 101 cm, © Pushkinmuseet, Moskva

Första intrycken

När konstnärer befriades från begränsningarna av förutbestämda ämnen, började de också befria sig från andra begränsningar. Från ungefär 1850-talet till 1870-talet gav den estetiska rörelsen konstnärer makt att skapa konst enbart för estetiska syften, snarare än att fokusera på ämnen relaterade till kultur, samhälle och politik. Sedan kom impressionisterna, Paris-baserade konstnärer som skapade verk som starkt fokuserade på avbildningen av ljusets kvaliteter, vilket inledde en destillering av de individuella estetiska elementen i ett konstverk. På 1880-talet utvecklade målaren Georges Seurat en teknik för att konstruera en bild helt av små prickar. Denna teknik, känd som Pointillism, skapade förvrängda, men ändå representativa bilder. Pointillism  bidrog till uppkomsten av experimentella penseldrag och kompositionstekniker som antydde en trend mot abstraktion. Denna trend utvidgades under postimpressionistperioden när konstnärer började experimentera med symbolik och den godtyckliga användningen av färg, form och linje.

Allt är subjektivt

Under 1900-talet bidrog expressionisterna till trenden mot ren abstraktion med sitt fokus på subjektivitet. Genom att dramatiskt förvränga sina bilder strävade de efter att presentera en djupt personlig synvinkel, mer representativ för känsla än för fysisk verklighet. Under denna period kom också uppkomsten av fauvisterna, målare som nästan uteslutande fokuserade på livfull färg och måleriska penseldrag. För fauvisterna var motivet sekundärt i förhållande till de estetiska komponenterna i verket. Vid denna tidpunkt var framväxten av ren abstraktion oundviklig. Överallt arbetade konstnärer med symboliska representationer av verkligheten, och strävade efter att kommunicera idéer och känslor på sätt som var orelaterade till motivet. De abstraherade per definition. Men vem var den första som lyckades göra en målning som var helt abstrakt?

Hans Hofmann - Stigande Måne, 1965, Olja på duk, Privat samling, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

"Kommer den verkliga första abstraktorn att ställa sig upp?"

Nästan alla historiker är överens om att den första abstrakta målningen var Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor), målad 1910. Bestående av livligt färgade fläckar, cirklar, linjer, snirklar och färgfält som är sammansatta på ett till synes slumpmässigt sätt, refererar verket på inget sätt till existerande visuella element i den fysiska världen. Konspiratoriskt skulle vi, bara för skojs skull, kunna postulera att Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) inte var den första rent abstrakta målningen. Ett år tidigare, 1909, målade den franske avantgardemålaren Francis Picabia Caoutchouc, ett proto-kubistiskt verk med oigenkännliga geometriska former inneslutna i till synes orelaterade färgfält. Detta verk verkar på inget sätt representera objektiv visuell verklighet. Ordet Caoutchouc betyder löst naturlig gummisaft, en referens till råmaterialet för att göra vulkaniserat gummi. Eftersom vi aldrig har analyserat de visuella elementen av ovulkaniserat gummi, kan vi inte säga, men kanske är denna målning representativ. Vem vet? Vad vi vet är att Kandinsky var en ivrig konstteoretiker och produktiv konstskribent. Han skrev entusiastiskt om sin strävan att skapa världens första helt abstrakta konstverk. Han talade öppet om både sin avsikt att bli grundaren av abstrakt konst och sin framgång i att uppnå det. Ingen kan förneka att det var hans avsikt att vara den första, oavsett om någon som föregick honom av misstag slog honom på fingrarna.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Olja på duk, 85 1/4 x 73 1/2 tum (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Vad Kandinsky Definitivt Gjorde

Genom att öppet tillkännage sin avsikt att skapa ren abstrakt konst befriade Kandinsky konstnärer från deras beroende av referenser till den observerbara världen. Han skilde konsten från dess tidigare logik. Han öppnade fältet för djup och snabb experimentering. Han förde till sin mognad löftet från romantikerna, att, som Caspar David Friedrich, den tyska romantiska konstnären sa, "Konstnärens känsla är hans lag."

Wassilly Kandinsky - Komposition IV, 1911, olja på duk, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Tyskland

Världen i krig

Under de följande årtiondena experimenterade konstnärer vilt med abstraktion. Många nya stilar kom till, påverkade av abstraktionens krav på frihet, och också av skräcken från första världskriget och den mekaniska tidens uppkomst. Kubismen påverkade konstnärer att reducera sitt visuella språk till sina mest grundläggande byggstenar. Futurismen visade livskraften och kraften i linjen. Dadaism utmanade betydelsen av konst, och återbekräftade konstens frihet från och avvisande av borgarklassen. Under 1920-talet öppnade surrealismen konstnärernas sinnen för det undermedvetnas kraft. Med sitt fokus på drömlik bildspråk och sin avvisning av medveten logik, påverkade den djupt abstrakta konstnärer att experimentera mer med tekniker, medier och metoder som kunde koppla dem mer direkt till sina undermedvetna jag.

Wassiliy Kandinsky - Komposition 6, 1913, Olja på duk, 76 2/5 × 115 7/10 tum, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Gör det nytt!

Under 1930-talet krediteras den tyskbördige amerikanske målaren Hans Hofmann med att sprida de grundläggande filosofierna för det som kom att kallas modernism till Amerika, den senaste iterationen av avvisandet av det förflutnas former och metoder. Själv en abstrakt målare, uppmuntrade Hofmann sina studenter från Kalifornien till New York att anta nya metoder för bildskapande, i sökandet efter sätt att konfrontera och uttrycka de ångestfyllda och underbara aspekterna av ett snabbt industrialiserande samhälle. År 1934 sammanfattade poeten Ezra Pound modernisternas attityd med sin numera berömda uppmaning till konstnärer: "Gör det nytt!" Pound var en kontroversiell figur, som till slut flyttade till Italien, där han stödde de ledande fascistiska figurerna under andra världskriget. Ändå tog hans entusiastiska avvisande av det gamla rot i sinnet hos abstrakta konstnärer, vilket ledde till kraftfulla förändringar på den nära horisonten.

Wasilly Kandinsky - Svart fläck I (detalj), 1912, Olja på duk. 39,4 × 51,2 tum (100,0 × 130,0 cm), Det ryska museet, Sankt Petersburg, Ryssland

En ny renhet

Efter två världskrig, en global depression, hungersnöd, grymheter och två kärnvapenattacker mot befolkade städer kan man inte överskatta i vilken utsträckning den genomsnittliga människan upplevde ångest i mitten av 1940-talet. Denna ångest gav upphov till ett nytt och utbrett intresse för det relativt unga området psykoanalys. Bland de många miljoner människor som vände sig till psykoanalys under denna tid fanns Jackson Pollock , en av de ledande medlemmarna i en grupp av konstnärer kända som Abstract Expressionists. Pollock blev exponerad för psykoanalys medan han var på rehab. Det öppnade hans sinne för världen av uråldrig kunskap som var låst inom hans undermedvetna. Många av hans samtida sökte nya sätt att koppla till den dolda essensen av deras mänsklighet, och arbetade för att uttrycka rå, primitiv känsla genom sina målningar. Pollock sökte dolda bilder, i hopp om att han kunde koppla till något djupt inom sig själv, något mer rent än vad som hittills hade uttryckts av abstrakt konst. Runt 1947 var Pollock pionjär för sin nu ikoniska droppteknik. Denna teknik innebar applicering av färg på en yta med hjälp av krafter som gravitation och rörelse, snarare än genom direkt kontakt med verktyg på en duk. Genom att omfamna denna nya nivå av fysisk närvaro och helt avvisa all känsla av igenkännbar form, gick Pollock in i ett nytt rike av ren abstraktion baserat helt på undermedvetet avsikt, färg, rörelse, kraft och styrka.

Wassily Kandinsky - Kandinskys första abstrakta akvarell, 1910, Akvarell och indiskt bläck och blyertspenna på papper, 19,5 × 25,5 tum, (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centre Georges Pompidou

Slutet på början

Pollocks arbete uppfyllde på många sätt löftet om abstraktion: den totala befrielsen av konstnären från begränsningarna av estetiska förväntningar. Kanske ledde hans insatser också till abstraktionens logiska slut. Pollock satte i skarp fokus vikten av textur, materialitet, process och idén om att se ett konstverk inte som en yta på vilken man förmedlar konst, utan som en enad form i sig. Även om dessa koncept reflekteras i en primitiv mening i Pollocks arbete, är de integrerade i arbetet hos Minimalisterna , som skulle ersätta de abstrakta expressionisterna som de mest inflytelserika konstnärerna under 1960-talet. Precis som Kandinsky, den ledande medlemmen av Minimalist-rörelsen, var Donald Clarence Judd en ivrig konstteoretiker och författare. Även om han avvisade Minimalistetiketten, blev Judd representativ för dess idéer om att skala ner det visuella språket och rena koncepten av form och rum. Istället för att avvisa igenkännbara visuella referenser och objektiv verklighet, fokuserade minimalistiska konstnärer som Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt och Frank Stella på form, användningen av livfull och ren färg, skarpa linjer, minimal textur och modern materialitet. Istället för att abstrahera verkligheten, manifesterade minimalisterna de former, färger, former och linjer som ofta utforskades i abstrakt konst, och bebodde dem i fysisk rymd på ett representativt sätt.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Det Nya Nya

Historien om abstrakt konst är historien om konstnärernas strävan efter frihet. Vad det betyder idag är att konstnärer är fria att uttrycka sig på vilket sätt de vill, utforska vilken metod som än tvingar dem. Skönheten i dagens öppna stil är att en konstnär kan använda vilken stil, medium eller metod som fungerar bäst för att förverkliga en idé. Även om minimalism kan ha sidospårat abstrakt konst på 1970-talet, har abstraktionen återvänt till frontlinjen i många konstnärers praktik. Nutida abstrakta målare drar nytta av den öppensinnade mentaliteten hos sina föregångare. Abstraktionen fortsätter att koppla oss till något som objektiv verklighet inte kan förklara; något djupt inom oss som sträcker sig bortom den synliga verkligheten.

Utvald bild: Wassily Kandinsky - Kandinskys första abstrakta akvarell, 1910, foto via Wikipedia

Alla bilder används endast för illustrativa ändamål

Av Philip Barcio