Avgörande ögonblick i den abstrakta konstens historia

Ord kan vara så kontroversiella. Vi vill bara diskutera den abstrakta konstens historia. Men den meningen är full av begreppsmässiga faror. (Vems historia? Vad är konst? Vad betyder det att vara abstrakt?) För att vara noggranna borde vi kanske kalla denna artikel något i stil med, ”Avgörande ögonblick i händelsekedjan som utgör den allmänt accepterade tidslinjen för västerländsk civilisation relaterad till föremål och fenomen skapade av självutnämnda konstnärer som inte avser att vara avbildande av objektiv visuell verklighet.” Men det är inte direkt en klickvänlig rubrik. (Eller är det?) För förnuftets skull, låt oss i denna artikel lägga semantiken åt sidan och börja från början.

Den förhistoriska tiden för abstrakt konst

Bland de tidigaste märkena från förhistoriska grottmänniskor fanns linjer, repor och handavtryck. Vår bästa tolkning är att de var symboliska. Gör det dem till de första exemplen på abstrakt konst ? Kanske. Men även de avbildande bilder som våra forntida förfäder lämnade efter sig är inte direkt fotorealistiska. Det som saknas i våra analyser är en förståelse för våra tidigaste konstnärers avsikt. När vi talar om abstrakt konst menar vi konst som specifikt var avsedd att vara abstrakt. Eftersom vi inte kan veta vad förhistoriska konstnärer ville förmedla genom sina bilder kan vi inte bedöma om det var abstrakt, eller ens om det är konst. Det kan ha haft nyttiga syften för allt vi vet. Så vi hoppar framåt, långt framåt, till en bättre dokumenterad tid då konstnärernas avsikter var tydligare.

Henri Matisse - Kvinna med hatt, 1905, olja på duk, 31 3/4 × 23 1/2 tum, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Före tidigt 1800-tal kan man med säkerhet säga att de allra flesta konstnärer under största delen av tiden inte hade lyxen att bestämma vad de skulle skapa. De flesta konstnärer före den romantiska eran var beroende av stöd från religiösa institutioner eller någon annan auktoritär makt för att överleva. Kungar och heliga män bestämde därför ämnet för de flesta av dessa konstnärers verk. När detta patronatsystem minskade, uppstod andra sätt för konstnärer att överleva. Ett galleri-system växte fram; oberoende konsthandlare började företräda konstnärers verk; förmögna individer och privata institutioner började stödja konstnärer och samla deras verk. För första gången fick konstnärer chansen att själva svara på frågan, ”Vad vill jag skapa?” Omedelbart följde nästa oundvikliga fråga: ”Varför vill jag skapa det?” Svaret på den frågan är en ledande orsak till den slutliga uppkomsten av abstrakt konst, och är kanske det mest bestående begreppet som kom fram under den romantiska eran; ett uttryck som många tänkare från tiden använde och som fransmännen sammanfattade som, “L'art pour l'art.” Konst för konstens skull. Eller som författaren Edgar Allan Poe uttryckte det 1850:“…om vi bara tillät oss att se in i våra egna själar skulle vi genast där upptäcka att under solen finns det varken existerar eller kan existera något verk mer genomgående värdigt, mer högstående ädelt än just denna dikt…skriven enbart för diktens skull.”

Andre Derain - De torkande seglen, 1905, olja på duk, 82 x 101 cm, © Pushkinmuseet, Moskva

Första intrycken

När konstnärer befriades från begränsningarna av förutbestämda ämnen började de också befria sig från andra begränsningar. Från ungefär 1850-talet till 1870-talet gav den estetiska rörelsen konstnärer möjlighet att skapa konst enbart för estetiska syften, snarare än att fokusera på ämnen relaterade till kultur, samhälle och politik. Sedan kom impressionisterna, Parisbaserade konstnärer som gjorde verk med starkt fokus på att skildra ljusets egenskaper, vilket inledde en destillering av de individuella estetiska elementen i ett konstverk. På 1880-talet utvecklade målaren Georges Seurat en teknik för att konstruera en bild helt av små prickar. Denna teknik, känd som pointillism, skapade förvrängda men ändå avbildande bilder. Pointillism  bidrog till uppkomsten av experimentella penseldrag och kompositionstekniker som antydde en trend mot abstraktion. Denna trend utvecklades vidare under postimpressionismen när konstnärer började experimentera med symbolism och godtycklig användning av färg, form och linje.

Allt är subjektivt

Under 1900-talet bidrog expressionisterna till trenden mot ren abstraktion med sitt fokus på subjektivitet. Genom att dramatiskt förvränga sina bilder sökte de presentera en djupt personlig synvinkel, mer representativ för känsla än för fysisk verklighet. Under denna period uppstod också fauvisterna, målare som nästan uteslutande fokuserade på livfull färg och måleriska markeringar. För fauvisterna var ämnet sekundärt i förhållande till verkets estetiska komponenter. Vid denna tidpunkt var framväxten av ren abstraktion oundviklig. Överallt arbetade konstnärer med symboliska representationer av verkligheten och strävade efter att förmedla idéer och känslor på sätt som inte hade med ämnet att göra. De abstrakterade per definition. Men vem var den första att lyckas skapa en målning som var helt abstrakt?

Hans Hofmann - Rising Moon, 1965, olja på duk, privat samling, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Kan den verkliga första abstraktisten vänligen resa sig?

Nästan alla historiker är överens om att den första abstrakta målningen var Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor), målad 1910. Bestående av livfullt färgade fläckar, cirklar, linjer, krumelurer och färgfält sammansatta på ett till synes slumpmässigt sätt, refererar verket på inget sätt till förhandsbefintliga visuella element i den fysiska världen. Konspiratoriskt kan vi, bara för skojs skull, anta att Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) inte var den första helt abstrakta målningen. Ett år tidigare, 1909, målade den franska avantgardemålaren Francis Picabia Caoutchouc, ett protokubistiskt verk med oigenkännliga geometriska former inbäddade i till synes orelaterade färgfält. Detta verk verkar på inget sätt representera objektiv visuell verklighet. Ordet Caoutchouc betyder dock löst naturligt gummisav, en hänvisning till råmaterialet för vulkaniserat gummi. Eftersom vi aldrig analyserat de visuella elementen i ovulkaniserat gummi kan vi inte säga, men kanske är denna målning avbildande. Vem vet? Vad vi vet är att Kandinsky var en ivrig konstteoretiker och produktiv konstskribent. Han skrev entusiastiskt om sin strävan att skapa världens första helt abstrakta konstverk. Han talade öppet om både sin avsikt att bli grundaren av abstrakt konst och sin framgång i att uppnå det. Ingen kan förneka att det var hans avsikt att vara först, oavsett om någon före honom av misstag hann före.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, olja på duk, 85 1/4 x 73 1/2 tum (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Vad Kandinsky definitivt gjorde

Genom att öppet tillkännage sin avsikt att skapa ren abstrakt konst befriade Kandinsky konstnärer från deras beroende av referenser till den observerbara världen. Han skiljde konsten från dess tidigare logik. Han öppnade fältet för djup och snabb experimentering. Han förde till mognad det löfte som romantikerna gav, att, som Caspar David Friedrich, den tyske romantiska konstnären sade, “Konstnärens känsla är hans lag.”

Wassilly Kandinsky - Komposition IV, 1911, olja på duk, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Tyskland

Världen i krig

Under de följande decennierna experimenterade konstnärer vilt med abstraktion. Många nya stilar uppstod, påverkade av abstraktionens kallelse till frihet, och också av fasorna under första världskriget och den mekaniska tidens framväxt. Kubismen påverkade konstnärer att reducera sitt visuella språk till dess mest grundläggande byggstenar. Futurismen visade på livskraften och kraften i linjen. Dadaismen  utmanade konstens mening och återtog konstens frihet från och avvisande av borgarklassen. På 1920-talet öppnade surrealismen konstnärernas sinnen för det undermedvetnas kraft. Med sitt fokus på drömlika bilder och sitt avvisande av medveten logik påverkade den starkt abstrakta konstnärer att experimentera mer med tekniker, medier och metoder som kunde koppla dem mer direkt till deras undermedvetna jag.

Wassiliy Kandinsky - Komposition 6, 1913, olja på duk, 76 2/5 × 115 7/10 tum, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Gör det nytt!

På 1930-talet krediteras den tyskfödda amerikanske målaren Hans Hofmann för att ha spridit till Amerika de grundläggande filosofierna för det som kom att kallas modernismen, den senaste versionen av avvisandet av det förflutnas sätt och metoder. Själv en abstrakt målare uppmuntrade Hofmann sina elever från Kalifornien till New York att anta nya metoder för bildskapande, i sökandet efter sätt att konfrontera och uttrycka ångest och förundran i ett snabbt industrialiserande samhälle. 1934 sammanfattade poeten Ezra Pound modernisternas inställning med sin nu berömda uppmaning till konstnärer: ”Gör det nytt!” Pound var en kontroversiell figur som slutligen flyttade till Italien där han stödde ledande fascistiska gestalter under andra världskriget. Ändå tog hans entusiastiska avvisande av det gamla rot i abstrakta konstnärers sinnen och ledde till kraftfulla förändringar vid horisonten.

Wasilly Kandinsky - Svart fläck I (detalj), 1912, olja på duk. 39,4 × 51,2 tum (100,0 × 130,0 cm), Rysslands museum, Sankt Petersburg, Ryssland

En ny renhet

Efter två världskrig, en global depression, svält, grymheter och två kärnvapenattacker mot befolkade städer kan man inte nog betona hur mycket ångest den genomsnittlige människan upplevde i mitten av 1940-talet. Denna ångest gav upphov till ett nytt och utbrett intresse för det relativt unga området psykoanalys. Bland de många miljoner människor som vände sig till psykoanalys under denna tid fanns Jackson Pollock , en av de ledande medlemmarna i en grupp konstnärer kända som abstrakta expressionister. Pollock kom i kontakt med psykoanalys under sin rehabilitering. Det öppnade hans sinne för den uråldriga kunskap som är låst inom hans undermedvetna. Många av hans samtida sökte nya sätt att koppla sig till den dolda essensen av sin mänsklighet och arbetade för att uttrycka rå, ursprunglig känsla genom sina målningar. Pollock sökte efter dolda bilder i hopp om att kunna nå något djupt inom sig själv, något renare än vad som tidigare uttryckts genom abstrakt konst. Runt 1947 banade Pollock väg för sin nu ikoniska droppteknik. Denna teknik innebar att färg applicerades på en yta med hjälp av krafter som gravitation och rörelseenergi, snarare än genom direkt kontakt med verktyg mot en duk. Genom att omfamna denna nya nivå av fysiskhet och helt avvisa alla former av igenkännbar form, trädde Pollock in i ett nytt rike av ren abstraktion baserad helt på undermedveten avsikt, färg, rörelse, kraft och styrka.

Wassily Kandinsky - Kandinskys första abstrakta akvarell, 1910, akvarell och indiskt bläck och blyerts på papper, 19,5 × 25,5 tum (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centre Georges Pompidou

Slutet på början

Pollocks verk uppfyllde på många sätt abstraktionens löfte: den totala befrielsen av konstnären från estetiska förväntningars begränsningar. Kanske ledde hans insatser också till abstraktionens logiska slut. Pollock satte skarpt fokus på vikten av textur, materialitet, process och idén att se ett konstverk inte som en yta för att förmedla konst, utan som en enhetlig form i sig. Även om dessa begrepp speglas på ett ursprungligt sätt i Pollocks verk är de integrerade i arbetet hos minimalisterna , som ersatte de abstrakta expressionisterna som de mest inflytelserika konstnärerna på 1960-talet. Liksom Kandinsky var den ledande medlemmen i minimaliströrelsen, Donald Clarence Judd, en ivrig konstteoretiker och författare. Trots att han avvisade etiketten minimalist blev Judd representant för dess idéer om att förenkla det visuella språket och rena begreppen form och rum. Istället för att avvisa igenkännbara visuella referenser och objektiv verklighet manifesterade minimalistiska konstnärer som Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt och Frank Stella former, färger, former och linjer som ofta utforskades i abstrakt konst och gav dem fysisk form på ett avbildande sätt.

Jackson Pollock - Konvergens, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Det nya nya

Den abstrakta konstens historia är historien om konstnärers strävan efter frihet. Vad det betyder idag är att konstnärer är fria att uttrycka sig på vilket sätt de vill, och utforska vilken metod som helst som lockar dem. Skönheten i dagens öppna stil är att en konstnär kan använda vilken stil, medium eller metod som helst som bäst förverkligar en idé. Även om minimalismen kan ha satt abstrakt konst åt sidan på 1970-talet har abstraktionen återvänt till många konstnärers praktik. Samtida abstrakta målare drar nytta av sina föregångares öppensinnade inställning. Abstraktion fortsätter att koppla oss till något som objektiv verklighet inte kan förklara; något djupt inom oss som sträcker sig bortom synlig verklighet.

Framträdande bild: Wassily Kandinsky - Kandinskys första abstrakta akvarell, 1910, foto via Wikipedia

Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio