Vad är konceptuell målning?

Varje konstverk var en gång bara en idé i någons huvud. Det är en lustig tanke med tanke på hur flyktiga idéer kan vara, och hur svårt det kan vara att förvandla även de bästa idéerna till verklighet. Konceptuell målning, som ett konstnärligt verksamhetsområde, försöker möta klyftan mellan idéer och fysisk verklighet. Den betraktar möjligheten att för varje målning som hamnar på en vägg finns det otaliga andra som aldrig nådde duken, och otaliga alternativa sätt att måla den som faktiskt hamnade på väggen. Den går till och med så långt som att säga att målningen kanske inte alls spelar någon roll; att det enda som verkligen betyder något är idén.

Tänk bara

Ibland är det bästa sättet att få något gjort att inte tänka på det. Bara gör det, som slagordet säger. När vi väl stannar upp och tänker på vad vi gör kan det paralysera oss, eftersom vi ifrågasätter om det vi gör är värt ansträngningen eller har något värde alls. När de första abstrakta målarna började sin strävan att skapa rent abstrakta verk, pågick mycket tänkande och de var fulla av idéer. Men samtidigt ställde vissa konstnärer frågor om värdet av dessa, eller andra idéer.

År 1917 skapade Marcel Duchamp ett konstverk med titeln ”Fountain.” Det var en urinoar som vändes upp och ner och signerades ”R. Mutt.” Duchamp tog ett vanligt föremål och förvandlade det, i detta fall genom att vända det upp och ner och ta bort det från dess nyttomässiga sammanhang, vilket gjorde dess ursprungliga användning obsolet och bjöd in till nya möjligheter för betydelse. ”Fountain” avvisades av utställningen där det lämnades in, men blev en måttstock för det som så småningom kom att kallas Konceptuell konst, en tendens att sätta värdet av en konstnärs idéer över värdet av konstnärens processer eller föremål.

Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9,8 tum, © Sarah Hinckley

Bild är ingenting

Många av de första konceptuella målningarna var inte målningar alls. År 1953 fick konstnären Robert Rauschenberg idén att sudda ut en målning. Han avsåg att få själva föremålet att försvinna, så att endast idén återstod, och därigenom höja den till ny vördnad. Han trodde att för att uppnå full manifestation av sin idé behövde någon annan hålla föremålet i aktning. Han behövde sudda ut en annan målares verk, annars skulle det bara vara som att förneka något som aldrig funnits.

Rauschenberg vände sig till sin vän Willem de Kooning och bad honom skänka en älskad målning för hans koncept. Trots att de Kooning först motsatte sig, gav han till slut Rauschenberg en teckning, en som han hatade att se försvinna och som skulle vara svår att sudda ut. Rauschenberg gick igenom mer än ett dussin suddgummin under mer än en månad och lyckades slutligen sudda ut hela bilden. Resultatet, kallat ”Erased de Kooning Drawing,” förkunnade självsäkert tanken att idén bakom ett konstverk är det viktigaste, och att verket inte behöver existera alls.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Spår av teckningsmaterial på papper, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation

Att göra det osedda

Tanken om idéns främsta betydelse spred sig snabbt över västvärlden. Konstnärer började experimentera med alla möjliga sätt att manifestera en idé, i tron att om en idé ska manifesteras kan det ske på många olika sätt. Konst om en bild av ett träd kunde manifesteras som ett fotografi av ett träd, en målning av ett träd, en teckning av ett träd, en abstrakt målning av ett träd, orden ”bild av ett träd” skrivna på en yta, en utövare som pekar på ett verkligt träd, en tolkande dans som imiterar ett träd, eller till och med en konstnär som sitter på golvet med slutna ögon och tänker på en bild av ett träd.

År 1958 höll konstnären Yves Klein en målningsexposition i Paris som ofta kallas ”Tomrummet.” Utställningens fulla titel var ”Specialiseringen av känslighet i råmaterialtillstånd till stabiliserad bildkänslighet, Tomrummet.” Enligt legenden kom mer än 3000 besökare för att se utställningen. När de gick in i galleriet möttes de av ett vitt rum utan målningar, med endast ett tomt skåp. Klein sade om utställningen, ”Mina målningar är nu osynliga och jag vill visa dem på ett klart och positivt sätt.”

Fieroza Doorsen - Untitled (Id. 1281), 2017, Olja på papper, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

År 1968 tillförde den abstrakta målaren Sol LeWitt en ny dimension till konceptuell målning. Han teoretiserade att det inte bara är oviktigt om en idé någonsin manifesteras som en fysisk målning, utan det spelar heller ingen roll hur den målas eller vem som målar den. Det enda som betyder något är konstnärens ursprungliga uttryckta idé om målningen. Som en demonstration av detta koncept började LeWitt utforma väggmålningar som kunde, och oftast blev, utförda av andra än honom själv.

LeWitts idé var att varje enskild hand skulle dra varje linje på sitt eget sätt, så även om de arbetade efter samma planer skulle varje konstnär rita muralmålningen annorlunda än alla andra. De färdiga verken skulle skilja sig från den ursprungliga designen och från varandra, men eftersom den ursprungliga designen är det enda som betyder något är variationen oviktig, liksom produktionssätten. Arvet efter LeWitts idé är att hans konceptuella väggmålningar fortfarande reproduceras idag, efter hans död.

John Monteith - Nattens himmel, 2010, grafit på handgjort papper, 24 x 17,7 tum, © John Monteith

Idéernas framtid

Samtida konceptuell målning fortsätter att vidga vår uppskattning av de idéer som utgör grunden för ett konstverk. Den samtida amerikanska abstrakta målaren Debra Ramsays verk är rotade i idéer som är grundläggande för vår tid. Hennes process är att följa naturens föränderliga färger, såsom de hos säsongens flora, och sedan analysera dessa färgförändringar i ett datorprogram. Den resulterande datan används för att skapa en färgpalett som refererar till de föränderliga naturliga färgerna. Hon använder sedan den paletten för att skapa en abstrakt framställning av objekt i rummet som förändras över tid.

Ramsays verk väcker två grundläggande idéer som dominerar vår nuvarande kultur. Den första är idén om data, och tanken att varje aspekt av våra liv övervakas, digitaliseras, beräknas och analyseras i en monumental strävan efter förståelse. Den andra är idén att naturen förändras, och att vi kanske nu bara kan betrakta detta skeende och på något sätt finna estetisk skönhet i det. Ramsays idéer är vackert återgivna i form av abstrakta målningar, men det är idéerna själva som gör hennes verk så relevanta för vår kultur idag.

Debra Ramsay- Ett år av färg, justerad för dagslängd, 2014, akryl på polyesterfilm, 39,8 x 59,8 tum.

H7

Den kanadensiske abstrakta målaren John Monteith arbetar i flera olika medier när han söker den mest framgångsrika fysiska gestaltningen av sina konstnärliga idéer. Ett område han ofta utforskar är text. Monteith hämtar textbitar från andra källor han råkar stöta på under arbetet, såsom dagstidningar, böcker eller samtal. Han presenterar sedan texten ur sitt sammanhang i en gallerimiljö, vilket bjuder in till nya konceptuella tolkningar av de idéer som orden innehåller.

Genom att dra från flera mediekällor för den text han använder i verken, ger Monteiths textbaserade teckningar ett samtida perspektiv på verken av första generationens konceptkonstnärer som Robert Barry, som också ofta arbetar med text. Barrys verk innebär att visa textbitar på papper, duk, väggar, golv eller andra ytor som passar idén. Hans ord är ofta hans egna, men ibland hämtade från andra texter, och de presenteras på ett sätt som bjuder in till nya associationer och betydelser. Ofta ger dessa konceptuella verk mycket mer information än en traditionell målning genom att kräva åskådarens egen fantasi.

Materia och mening

År 1965, i ett banbrytande verk inom konceptkonsten kallat One and Three Chairs, presenterade konceptkonstnären Joseph Kosuth en verklig stol, ett fotografi av en stol och en skriftlig beskrivning av vad en stol är. Liksom så många andra konceptuella verk lyfte det fram frågan om skillnaden mellan idéer, föremål och abstraktioner.

Vi accepterar nu att en konceptuell målning inte behöver vara en målning, och inte heller behöver existera i materiell form alls. Men när den väl existerar, är det viktigt? Spelar det någon roll att den finns här, i den fysiska världen? Finns det verkligen ingen skillnad mellan föremålet och idén? Värderar vi verkligen idén mer? Om vi var hungriga, skulle vi då föredra ett recept, en målning av mat eller riktig mat? I praktiken ställer och besvarar konceptuell målning en av mänsklighetens viktigaste frågor: Spelar det någon roll vad vi gör?

Utvald bild: Robert Barry - Untitled (Something which can never be any specific thing), 1969, maskinskrivning på papper, 4 x 6 tum, © Robert Barry

Alla bilder används endast i illustrativt syfte