Vad är konceptuell målning?

Varje konstverk var en gång bara en idé i någons huvud. Det är en rolig tanke med tanke på hur flyktiga idéer kan vara, och hur svårt det kan vara att förvandla även de bästa idéerna till verklighet. Konceptuell målning, som ett område av konstnärlig praktik, försöker konfrontera klyftan mellan idéer och fysisk verklighet. Det överväger möjligheten att för varje målning som hamnar på en vägg, finns det otaliga andra som aldrig kommit upp på duken, och otaliga alternativa sätt att måla den som faktiskt kommit upp på väggen. Det går till och med så långt som att säga att målningen kanske inte spelar någon roll alls; att det enda som verkligen betyder något är idén. 

Tänk bara

Ibland är det bästa sättet att få något gjort att inte tänka på det. Gör det bara, som slogan säger. När vi stannar upp och tänker på naturen av vad vi gör, kan det förlama oss, när vi ifrågasätter om det vi gör är värt ansträngningen, eller har något värde överhuvudtaget. När de första abstrakta målarna började sin strävan att skapa helt abstrakta verk, pågick det mycket tänkande, och de var fulla av idéer. Men samtidigt ställde vissa konstnärer frågor om värdet av dessa, eller några andra idéer.

År 1917 skapade Marcel Duchamp ett konstverk med titeln "Fontän." Det var en urinal som vändes upp och ner och signerades "R. Mutt." Duchamp tog ett vanligt föremål och transformerade det, i detta fall genom att vända det upp och ner och ta bort det från sina utilitaristiska omgivningar, vilket gjorde dess ursprungliga användning obsolet och inbjöd till nya möjligheter för betydelse. "Fontän" avvisades av utställningen som den skickades in till, men den blev riktmärket för vad som så småningom skulle komma att kallas Konceptuell konst, en tendens att sätta värdet av en konstnärs idéer över värdet av konstnärens processer eller föremål.

 Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9.8 tum, © Sarah Hinckley

Bilden är ingenting

Många av de första konceptuella målningarna var inte målningar alls. År 1953 hade konstnären Robert Rauschenberg idén att sudda ut en målning. Han avsåg att få det faktiska objektet att försvinna, och lämna endast idén, och därmed höja den till ny respekt. Han trodde att för att uppnå den fulla manifestationen av sin idé, behövde någon annan hålla objektet i aktning. Han behövde sudda ut verket av en annan målare, annars skulle det bara vara som att förneka något som aldrig var.

Rauschenberg vände sig till sin vän Willem de Kooning och bad honom att donera en älskad målning för sitt koncept. Även om de Kooning först motstod, slutade han med att ge Rauschenberg en teckning, en som han hatade att se försvinna och som skulle vara svår att sudda ut. Rauschenberg gick igenom mer än ett dussin suddgummin under mer än en månad, och lyckades till slut sudda ut hela bilden. Resultatet, kallat "Erased de Kooning Drawing," uttalade självsäkert att idén om ett konstverk är det som är viktigast, och att verket inte alls behöver existera.

Robert Rauschenberg - Utraderad de Kooning-teckning, 1953, Spår av teckningsmaterial på papper, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation 

Att göra det osynliga

Begreppet om den primära betydelsen av idén spred sig snabbt över den västerländska världen. Konstnärer började experimentera med varje möjlig manifestation av en idé, i tron att om en idé ska manifestera sig, kan den manifestera sig på många olika sätt. Konst om en bild av ett träd skulle kunna manifestera sig som ett fotografi av ett träd, en målning av ett träd, en teckning av ett träd, en abstrakt målning av ett träd, orden "bild av ett träd" skrivna på en yta, en utövare som pekar på ett faktiskt träd, en tolkande dans som imiterar ett träd, eller till och med en konstnär som sitter på golvet med slutna ögon och tänker på en bild av ett träd.

År 1958 höll konstnären Yves Klein en målningsutställning i Paris som ofta kallas "The Void." Den fullständiga titeln på utställningen var "The Specialization of Sensibility in the Raw Material State into Stabilized Pictorial Sensibility, The Void." Enligt legenden kom mer än 3000 besökare för att se utställningen. Vid inträdet i galleriet konfronterades besökarna av ett vitt rum utan målningar, som endast innehöll ett tomt skåp. Klein sade om utställningen, "Mina målningar är nu osynliga och jag skulle vilja visa dem på ett klart och positivt sätt."

Fieroza Doorsen - Untitled (Id. 1281), 2017, Olja på papper, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

År 1968 lade den abstrakta målaren Sol LeWitt till en annan dimension i det konceptuella måleriets rike. Han teoretiserade att det inte bara spelar någon roll om en idé någonsin manifesteras som en fysisk målning, det spelar också ingen roll hur den målas eller vem som målar den. Det som betyder något är konstnärens ursprungliga uttryckta idé om målningen. Som en demonstration av detta koncept började LeWitt designa väggmålningar som kunde, och vanligtvis blev, utförda av personer andra än honom själv.

LeWitts idé var att varje individuell hand skulle rita varje linje på ett annat sätt, så även om de skulle arbeta utifrån samma planer, skulle varje konstnär rita väggen annorlunda än alla andra. De färdiga produkterna skulle variera från den ursprungliga designen och från varandra, men eftersom den ursprungliga designen är allt som betyder något är variationen irrelevant, liksom produktionsmetoderna. Arvet efter LeWitts idé är att hans konceptuella väggmålningar fortfarande reproduceras idag, efter hans död.

John Monteith - Nattens himmel, 2010, grafit på handgjort papper, 24 x 17,7 tum, © John Monteith

Idéernas framtid

Samtida konceptuell målning fortsätter att utvidga vår uppskattning av de idéer som utgör grunden för ett konstverk. Verket av den samtida amerikanska abstrakta målaren Debra Ramsay är rotat i idéer som är grundläggande för vår tid. Hennes process är att spåra de föränderliga färgerna i naturen, såsom de från säsongens flora, och sedan analysera dessa färgförändringar i ett datorprogram. De resulterande uppgifterna används för att skapa en palett som refererar till de föränderliga naturliga färgerna. Hon använder sedan den paletten för att skapa en abstrakt representation av objekt i rymden som förändras över tid.

Ramsays arbete väcker tankar om två grundläggande idéer som dominerar vår nuvarande kultur. Den första är idén om data, och föreställningen att varje aspekt av våra liv övervakas, digitaliseras, beräknas och analyseras i en monumental strävan efter förståelse. Den andra är idén att naturen förändras, och att vi nu kanske bara kan se detta hända och på något sätt finna estetisk skönhet i det. Ramsays idéer är vackert återgivna i form av abstrakta målningar, men det är idéerna själva som gör hennes arbete så relevant för vår kultur nu.

Debra Ramsay- Ett år av färg, justerat för dagslängd, 2014, akryl på polyesterfilm, 39,8 x 59,8 tum.

H7

Den kanadensiska abstrakta målaren John Monteith arbetar i ett antal olika medier när han söker efter den mest framgångsrika fysiska manifestationen av sina konstnärliga koncept. Ett område han ofta utforskar är textens värld. Monteith extraherar bitar av text från andra källor han råkar stöta på medan han arbetar, såsom dagliga nyheter eller en bok eller en konversation. Han presenterar sedan texten ur sitt sammanhang i en gallerimiljö, vilket inbjuder till nya konceptuella tolkningar av idéerna som finns i orden.

Genom att dra på flera mediekällor för den text han använder i verken, ger Monteiths textbaserade teckningar en samtida synvinkel på verken av 1:a generationens konceptkonstnärer som Robert Barry, som också ofta arbetar med text. Barrys arbete involverar att visa bitar av text på papper, duk, väggar, golv eller vilken annan yta som helst som är lämplig för idén. Hans ord är ofta hans egna, men ibland tas de från andra texter, och de presenteras på ett sätt som inbjuder till nya associationer och betydelser. Ofta presenterar dessa konceptuella verk långt mer information än en traditionell målning skulle kunna genom att kräva deltagande av betraktarens egen fantasi. 

Materia och mening

År 1965, i ett banbrytande verk av konceptuell konst kallat One and Three Chairs, presenterade den konceptuella konstnären Joseph Kosuth en faktisk stol, ett fotografi av en stol och en skriftlig beskrivning av vad en stol är. Liksom så många andra konceptuella verk, lyfte det fram frågan om vad skillnaden är mellan idéer, objekt och abstraktioner.

Vi accepterar nu att en konceptuell målning inte behöver vara en målning, och att den inte alls behöver existera i materiell form. Men när den existerar, är det viktigt? Spelar det någon roll att den är här, i den fysiska världen? Finns det verkligen ingen skillnad mellan objektet och idén? Värderar vi verkligen idén mer? Om vi var hungriga, skulle vi hellre ha ett recept, en målning av mat, eller faktisk mat? I praktiska termer ställer och besvarar konceptuell målning en av mänsklighetens viktigaste frågor: Spelar det någon roll vad vi gör?

Utvald bild: Robert Barry - Untitled (Något som aldrig kan vara någon specifik sak), 1969,  Maskinskrivning på papper, 4 x 6 tum, © Robert Barry

Alla bilder används endast för illustrativa ändamål