Den abstrakta karaktären av typografisk konst

Vissa illusioner måste upprätthållas för att civilisationen ska kunna fortsätta. Till exempel har moderna pengar inget inneboende värde. Vi upprätthåller illusionen av pengars värde för att kunna strukturera samhället på ett pålitligt sätt. Språket är också abstrakt. Ljud och symboler betyder vad vi än kommer överens om att de betyder. Typografisk konst är ett sätt för konstnärer att utforska dessa abstraktioner som är inneboende i vår kultur. Det utmanar våra accepterade idéer om vad som är meningsfullt och vad som inte är det genom att presentera skrivet språk utanför dess vanliga sammanhang, på kusliga sätt eller i kontrast med ovanliga eller oväntade estetiska motsatser. Från kubism till dada till konceptkonst till popkonst och vidare har typografisk konst undersökt vår användning av skrivna symboler i över 100 år. Den har vidgat gränserna och möjligheterna för vad vi uppfattar språk vara och vad vi tror att det kan åstadkomma.

Kubistisk typografisk konst

Ett av de första exemplen på modernistisk typografisk konst är Pablo Picassos Still Life with Chair Caning, skapat 1912. Detta ikoniska verk anses också vara Picassos första kollage, vilket markerar början på syntetisk kubism. Verket påminner om ytan på ett kafébord och innehåller element som ett dricksglas, en pipa, en tidning och en kaféstol, bland annat. Förutom att vara viktigt för kubismens utveckling är det också en nyckel till vår förståelse av typografisk abstraktion. Verket innehåller tre målade bokstäver som verkar stava ordet ”JOU”, vilket på franska kan översättas till ”spel”. Eller så kan JOU vara en del av frasen ”Le Journal”, namnet på den mest lästa tidningen i Paris vid den tid då detta verk skapades.

Eftersom bilden i Still Life with Chair Caning anspelar på en tidning, kan Picasso mycket väl ha avsett att referera till Le Journal. Men å andra sidan kan texten ha varit en lekfull nickning till visuella eller konceptuella spel. En annan möjlighet är att förvirringen mellan dessa tolkningar var ett medvetet uttalande från Picasso om nyhetsmedierna och deras tendens att förvirra mening och avsikt i sin rapportering. Hur som helst är poängen inte att fastställa Picassos avsikt. Poängen är att erkänna bristen på klarhet. Hela frågan om betydelsen av verkets typografiska element identifierar det som representativt för födelsen av modernistisk typografisk abstraktion.

Francis Picabia -  Dame! Illustration för omslaget till tidskriften Dadaphone nr 7, Paris, mars 1920

Dada-konst och typografi

Omedelbart efter kubismens framväxt kom dadaisterna, en grupp konstnärer som ägnade sig åt att konfrontera sin civilisations absurditet. Dadaisterna förlitade sig starkt på kollage som visuellt medium och inkluderade många abstrakta typografiska referenser i sina verk. Francis Picabia var en av de mest kända dadaisterna som använde typografi. Utbildad som expert på realistiskt måleri, poet och typograf, visste Picabia väl att syftet med skrivet språk var kommunikation. Ändå gick han långt i sina dadaistiska verk för att skapa kusliga, absurdistiska skrivna kompositioner som kunde tolkas på mycket olika sätt eller till och med uppfattas som nonsens.

Tänk på ett omslag Picabia gjorde för dadaistiska tidskriften Dadaphone 1920. Bilden heter ”Dame!” Den innehåller en abstrakt bild av en spiral och flera textområden. Den fullständiga översättningen av texten är: ”Kött som druckit för mycket är en napolitansk biff,” ”händerna i den kanoniska skiten,” ”lagar hennes säng,” och ”damenes dragbro.” Betydelsen av orden är lika oklar som betydelsen av spiralen. Är bilden tänkt att föreställa en skruv? Är det något lekfullt, som konfetti? Är det en bild av mekanisk framgång? Är det ett budskap om förtvivlan eller framsteg? Texten gör inget för att klargöra betydelsen, utan lägger till nivåer av abstraktion som uppnår motsatsen till vad Picabia förstod att språk som medium är avsett att uppnå, nämligen klarhet.

Jasper Johns och typografi

På 1950-talet blev målaren Jasper Johns känd för sin abstrakta användning av ikoniska kultursymboler, ofta inklusive typografiska symboler. Johns tog över symboliska former som den amerikanska flaggan och en måltavla och utforskade dem på sätt som omtolkade dem som abstrakta former snarare än meningsfulla symboler, och skiljde dem från deras kulturella betydelse. Johns undvek att förklara betydelsen eller syftet med sina verk och antydde att han avsåg att de skulle vara ”färdiga”, det vill säga tolkade, av betraktaren.

Joseph Kosuth - One and Three Chairs, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), New York City

Johns inkluderade berömt det engelska alfabetet samt arabiska siffror i ett stort antal av sina verk. Han använde dessa typografiska element som till synes meningslöst motiv för målningar som verkade handla mer om formella egenskaper, såsom yta, struktur, tredimensionalitet och måleriskhet än något föreställande. Han inkluderade också ord, som färgnamn, målade dem och ställde dem mot olika färger, vilket förvirrade ordens betydelse. Dessa typografiska verk ifrågasatte om typografi var ett verktyg för kommunikation eller om det helt enkelt var en samling former som kunde användas abstrakt på samma sätt som geometriska abstraktionister målade cirklar, fyrkanter, kors och trianglar.

Andy Warhol - Campbell’s Soup Cans, 1962, syntetisk polymerfärg, cm x 41 cm, Museum of Modern Art, New York City, © 2017 Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York City

Konceptkonst, popkonst och typografi

Johns verk påverkade Andy Warhol, som berömt kombinerade symboliska och typografiska element i sina verk. Warhols Campbell’s Soup Cans, skapade 1962, bestod av 32 separata tryck, var och en representerande en av de 32 soppsorter som Campbell Company erbjöd vid den tiden. Dessa verk var platta, mekaniskt framställda och använde motiv som verkade irrelevanta. Texten kommunicerade inget annat än kommersiell varumärkesprofilering. Genom denna abstrakta användning av typografiska bilder väckte Warhol frågor om meningen, eller meningslösheten, i både konsumtionskultur och konst.

Jasper Johns påverkade också konceptkonstnärer som Joseph Kosuth. Kosuth använde typografi som en tredjedel av sitt berömda verk One and Three Chairs, skapat 1965. I detta verk presenterade Kosuth tillsammans ett fotografi av en stol, en verklig trästol och en skriftlig beskrivning av en stol. Verket antydde att alla tre elementen inte representerade en stol, utan idén om en stol. Endast en av föremålen var funktionell som stol. Fotografiet och den typografiska beskrivningen var båda abstraktioner.

Guerrilla Girls - Måste kvinnor vara nakna för att komma in på Met Museum? 1989, screentryck på papper, 280x710 mm, © Guerrilla Girls

Form och det målade ordet

Konstnärer idag använder ofta text, många gånger med avsikt att den ska tas bokstavligt, läsas och förstås. Till exempel Guerilla Girls, en sammanslutning av kvinnliga konstnärer, som använder icke-abstrakta typografiska budskap som en integrerad del av sin konst för social rättvisa.

Den abstrakta användningen av typografi i konsten engagerar sig i en annan social rättviserörelse, en utan ett tydligt mål. Genom typografisk abstraktion ifrågasätter konstnärer inte en särskild kulturell idealbild. De ifrågasätter hela begreppet kommunikation. Allt eftersom våra samhällen blir mer komplexa komplicerar vår användning av typografi ofta bara saker för massorna, medan betraktare som lärt sig att översätta de dolda budskapen delar hemligheter i öppen dager. Abstrakt typografisk konst ifrågasätter värdet och objektiviteten i skrivet språk och undrar om något mer grundläggande som vi skulle kunna kommunicera på mer intuitiva sätt går förlorat.

Framträdande bild: Pablo Picasso - Still Life with Chair Caning, 1912, olja och blandteknik på oljetyg, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Paris, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), New York City
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio