Varför konstkritikern Rosalind Krauss fortfarande är avgörande för abstraktion

Rosalind Krauss anses av många konstnärer, konstpedagoger och yrkesverksamma inom konstvärlden vara den viktigaste levande konstkritikern. Och även om det är odiskutabelt att hon genom sina skrifter har spridit några av de mest inflytelserika konstteorierna under de senaste femtio åren, kan jag inte för mitt liv förstå varför hon kallas med det ordet: kritiker. Enligt min uppfattning om vad hon gör är Krauss inte en kritiker. Hon är en anti-kritiker. Hon är någon som tänker djupt om konst och skriver om den, men som inte bestämmer hur vi andra ska värdera den. Hon är en konstförfattare. Hon är en konstförespråkare. Hon är en konstförsvarare. Men kritik? Vem behöver det? Konstnärer har definitivt inget behov av kritik. Det enda en konstnär behöver höra är beröm. Kritik är för marknaden. Det är ett sätt att upprätthålla smakstandarder. Men det finns inget som heter ”bra” konst eller ”dålig” konst. Det enda konstkritiker egentligen gör är att starta bråk, förstöra glädjen och begränsa möjligheterna. De sprider bland massorna subjektiva och ofta ogrundade värderingar. De påverkar allmänhetens åsikt baserat på en minoritets uppfattning. Men vad Krauss har ägnat sitt liv åt, enligt min mening, är precis motsatsen. Hon har vidgat konstnärers möjligheter. Hon har utmanat rådande tillstånd och har i mer än fem decennier ständigt utökat sättet människor känner sig bemyndigade att se på, tala om och skriva om konst. Vad gäller mig själv lärde Krauss mig genom sina texter att det viktigaste jag kan göra i tjänst för ett konstverk är att beskriva det. Hon visade mig att eftertänksam, noggrann beskrivning är den högsta komplimang jag kan ge en konstnär eller ett konstverk, mycket högre än att nå bedömningsfasen: att säga att något är ”bra” eller att jag ”tycker om” något. Smak är subjektiv. Bedömning är manipulerande. Noggrann beskrivning visar att man har respekterat verket tillräckligt för att titta noga på det och översätta det ärligt till ett enkelt språk som alla kan förstå.

Den unga Rosalind Krauss

Rosalind Krauss föddes 1941 i Washington, D.C. Hennes far var jurist vid USA:s justitiedepartement. Han tog ofta med Rosalind till National Gallery of Art. Det var där hon började utveckla lusten och förmågan att intellektuellt tala om värdet av modern konst. I en intervju 2016 med Dylan Kerr för Artspace mindes Krauss att hennes far var kritisk mot modern konst. Men redan som ung kvinna kände hon sig driven att försvara verken. Hon hade en uppfattning om att det var livsviktigt och försvarade det regelbundet för sin far när de gick runt i museet. ”Jag antog en viss militans,” säger hon, ”för jag var tvungen att försöka övertyga min far om att dessa moderna konstverk inte var falska, att de verkligen var viktiga. Detta skärpte min önskan att förklara.”

När hon började på Wellesley College 1958 inledde hon en livslång akademisk karriär som ägnades åt idén att förklara konstens betydelse. Hon studerade konsthistoria och började seriöst läsa vad andra konstförfattare hade att säga om tidens rådande trender. Det var en spännande tid för amerikansk konst. Abstrakt expressionism var på sin höjdpunkt, och konstnärer som motsatte sig den eller inspirerades av den förde den amerikanska konstscenen i en mängd fascinerande riktningar: konceptuell konst, installationskonst, jordkonst och landskapskonst, performancekonst, ljus- och rymdkonst samt minimalism, för att nämna några. Krauss var skarpsinnig och insiktsfull. Trots att hon snabbt lärde sig historia utvecklade hon också egna idéer om det hon studerade. Och i processen mötte hon en hård verklighet för tiden: den snäva synen på hur det var acceptabelt att tala om konst och det lilla antalet inflytelserika röster som definierade den.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), bokomslag

Bergs

De två mest inflytelserika konstkritikerna under mitten av 1900-talet var Harold Rosenberg och Clement Greenberg. Clement Greenberg var ansvarig för att göra karriärer för några av de mest berömda konstnärerna efter kriget. Han är mest känd för att ha stött vita, manliga abstrakta expressionister som Jackson Pollock och Willem de Kooning, och för att ha ignorerat kvinnor och konstnärer med annan hudfärg. Det enklaste sättet att beskriva hur Greenberg skrev om konst är att säga att han var formalist. Han talade om målningar inte i termer av deras innehåll, berättelse eller kulturella betydelse. Han talade om dem i termer av färg, linje, form, ytkvaliteter och mediespecifikhet.

Harold Rosenberg talade om konst med ett annat språk än Clement Greenberg. Rosenberg kan enklast beskrivas som en kritiker som fokuserade på konstens poetiska element. Han skrev om vissa konstnärers förmåga att skapa eftertänksamma verk och om deras konsts översinnliga egenskaper. Både Greenberg och Rosenberg var allmänt respekterade och tas fortfarande på allvar idag. Till stor del är de hjältar eftersom de i hög grad legitimerade abstraktion i den amerikanska medvetenheten. Var och en på sitt sätt lärde dessa två kritiker efterkrigstidens amerikaner att abstrakt konst var större, djupare och mer komplicerad än vad de flesta trodde då. De höjde abstraktionen till samma prestige som den realistiska konsten som fyllde museer och historieböcker. Men på ett annat sätt representerade båda dessa kritiker ett gammalt sätt att tala om konst. De förhöll sig till den på ett strukturerat sätt rotat i dåtidens traditioner. De dömde och gjorde värderingar baserade på agendor som spelade in i samhällets befintliga maktstruktur, och på så sätt begränsade de vad konsten kunde bli.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), bokomslag

Poststrukturalistisk konstskrift

Efter sin examen från Wellesley gick Rosalind Krauss till Harvard, där hon tog sin doktorsexamen 1969. Redan som student började hon skriva om konst i Artforum. Inledningsvis hade hon en förkärlek för Clement Greenbergs verk. Men med tiden kom hon att omfatta en poststrukturalistisk syn. I grund och botten är strukturalism idén att världen kan förstås i termer av identifierbara, beskrivbara strukturer som i sin tur gör allt annat begripligt. Historia talas ofta om som en strukturerad serie händelser som oundvikligen ledde fram till dagens värld. En strukturalistisk konstkritiker tror att varje element i ett konstverk kan förstås i termer av hur det relaterar till ett befintligt, strukturerat tankesystem. Och poststrukturalism ifrågasätter i huvudsak den idén.

Poststrukturalistisk konstskrift är inte kritik i den meningen att den inte söker något slutgiltigt omdöme om ett konstverk. Poststrukturalism bjuder in till flera tolkningar. Den förespråkar individuell värdering. Den förkastar auktoriteten hos ärvda strukturer. Den förespråkar att tala om saker på sätt som ifrågasätter rådande ordning. Den erkänner att historiska sociala strukturer stödjer ett sätt att se och samspela med världen som passar in i makthavarnas befintliga berättelser. Poststrukturalister tror att genom att utmana dessa sätt att se och samspela med världen kan en mer mångfaldig, rättvis, experimentell och intressant värld växa fram: en som i slutändan också kommer att vara mer sann.

Rosalind Krauss - Bachelors, bokomslag

Om rutnätet

Efter tio år som skribent för Artforum lämnade Rosalind Krauss för att tillsammans med Annette Michelson grunda en ny konsttidskrift, kallad October. Tanken med October var att främja nya sätt att tänka om konst. Tidskriften fick sitt namn efter månaden som markerade början på bolsjevikrevolutionen. I October har Krauss publicerat sina mest inflytelserika konsttexter. I volym 8 publicerade hon sin essä Sculpture in the Expanded Field, som förklarade en mycket utvidgad syn på skulptur. Essän beskrev inte ett specifikt sätt att definiera skulptur, utan inledde snarare en diskussion om att hitta ett sätt att tala om plastiska konsttendenser utan att behöva definiera dem strikt. Denna essä är än idag en livlina för experimentella, tvärvetenskapliga konstnärer.

Och i volym 9 av October publicerade Krauss en essä kallad Grids, som många idag anser vara en av de viktigaste 1900-talsessäerna som förklarar abstraktion. Essän utforskar historien om användningen av rutnät i konsten och funderar över de olika sätt konstnärer har reducerat sina verk till utforskningar av rutnätet. Det anmärkningsvärda med essän, enligt min mening, är att trots att den är akademiskt informerad och mycket beskrivande är den öppen och når få slutsatser. En generalisering Krauss gör är idén att rutnät i slutändan är symboliska. Men vad de symboliserar lämnas öppet. Krauss presenterar många exempel, öppnar många möjligheter och backar upp dem med välgrundade exempel. Men i slutändan beskriver hon mer än hon dömer. Och det, för mig, är hennes största arv. Hon öppnar dörren för vad som kan komma härnäst och låter konstens framtid utvecklas som den vill.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, bokomslag

Framträdande bild: Rosalind Krauss, foto av Judy Olausen, ca 1978

Av Phillip Barcio