Varför konstkritikern Rosalind Krauss fortfarande är avgörande för abstraktion

Rosalind Krauss anses av många konstnärer, konstpedagoger och yrkesverksamma inom konstvärlden vara den viktigaste konstkritikern som lever. Och även om det är obestridligt att hon genom sina skrifter har spridit några av de mest inflytelserika konstteorierna under de senaste femtio åren, kan jag för mitt liv inte förstå varför hon märks med det ordet: kritiker. Enligt min förståelse av vad hon gör, är Krauss inte en kritiker. Hon är en anti-kritiker. Hon är någon som tänker djupt på konst och skriver om den, men som inte definierar hur vi andra ska värdera den. Hon är en konstskribent. Hon är en konstförespråkare. Hon är en konstförsvarare. Men kritik? Vem behöver det? Konstnärer har definitivt ingen nytta av kritik. Det enda en konstnär behöver höra är beröm. Kritik är för marknaden. Det är ett sätt att upprätthålla smakstandarder. Men det finns ingen sådan sak som "bra" konst eller "dålig" konst. Det enda som konstkritiker verkligen slutar med att göra är att starta argument, förstöra nöje och begränsa möjligheter. De sprider bland massorna subjektiva och ofta ogrundade värderingar. De påverkar den allmänna opinionen baserat på åsikterna från en minoritet av en. Men vad Krauss har ägnat sitt liv åt, enligt min mening, är precis tvärtom. Hon har utvidgat möjligheterna för konstnärer. Hon har utmanat status quo, och i mer än fem decennier har hon kontinuerligt vidgat sättet som människor känner sig stärkta att se på, prata om och skriva om konst. När det gäller mig, lärde Krauss mig genom sin skrivning att det viktigaste jag kan göra i tjänst för ett konstverk är att beskriva det. Hon visade mig att eftertänksam, noggrann beskrivning är den högsta komplimangen jag kan ge en konstnär eller ett konstverk, mycket högre än att nå bedömningsfasen: att säga att något är "bra", eller att jag "gillar" något. Smak är subjektiv. Bedömning är manipulativ. Noggrann beskrivning visar att man har respekterat verket tillräckligt för att titta noga på det, och att översätta det ärligt till ett enkelt språk som alla kan förstå.

Den unga Rosalind Krauss

Rosalind Krauss föddes 1941 i Washington, D.C. Hennes far var advokat för USA:s justitiedepartement. Han tog ofta med Rosalind för att besöka National Gallery of Art. Det var där hon började utveckla en önskan och förmåga att intellektuellt diskutera värdet av modern konst. I en intervju från 2016 med Dylan Kerr för Artspace, minns Krauss att hennes far var kritisk mot modern konst. Men även som ung kvinna kände hon sig driven att försvara verken. Hon hade en idé om att det var livsviktigt, och förespråkade regelbundet för det till sin pappa medan de gick runt på museet. “Jag antog en viss militans,” säger hon, “för jag var tvungen att försöka övertyga min far om att dessa moderna konstverk inte var falska, att de verkligen var viktiga. Detta skärpte min önskan att förklara.”

När hon började på Wellesley College 1958 inledde hon vad som har blivit en livslång akademisk karriär ägnad åt idén att förklara vikten av konst. Hon studerade konsthistoria och började seriöst läsa vad andra konstskribenter hade att säga om de rådande trenderna för stunden. Det var en spännande tid för amerikansk konst. Abstrakt expressionism var på höjden av sin kraft, och konstnärer som var emot den eller inspirerade av den flyttade den amerikanska konstlandskapet i en mängd fascinerande riktningar: konceptkonst, installationskonst, jordverk och landkonst, performancekonst, ljus- och rymdkonst, och minimalism, för att nämna några. Krauss var skarpsinnig och perceptiv. Även om hon snabbt studerade historia utvecklade hon också sina egna idéer om vad hon studerade. Och i processen ställdes hon inför en hård verklighet för tiden: den snäva synen på hur det var acceptabelt att prata om konst, och det lilla antalet inflytelserika röster som definierade den.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), book cover

The Bergs

De två mest inflytelserika konstkritikerna under mitten av 1900-talet var Harold Rosenberg och Clement Greenberg. Clement Greenberg var ansvarig för att göra karriärerna för några av de mest kända konstnärerna under efterkrigstiden. Han är mest känd för att ha stöttat vita, manliga abstrakta expressionister som Jackson Pollock och Willem de Kooning, och för att ha ignorerat kvinnor och färgade konstnärer. Det enklaste sättet att beskriva hur Greenberg skrev om konst är att säga att han var en formalist. Han talade om målningar inte i termer av deras innehåll, deras berättelse eller deras kulturella betydelse. Han talade om dem i termer av färg, linje, form, ytkvaliteter och mediespecifikitet.

Harold Rosenberg talade om konst med ett annat språk än det som Clement Greenberg använde. Rosenberg kan enklast beskrivas som en kritiker som fokuserade på de poetiska elementen i konsten. Han skrev om vissa konstnärers förmåga att skapa kontemplativt arbete och skrev om de transcendentala kvaliteterna i deras konst. Både Greenberg och Rosenberg var allmänt respekterade och fortsätter att tas på allvar idag. I stor utsträckning är de hjältar eftersom de i stor grad legitimerade abstraktion i det amerikanska medvetandet. Var och en på sitt eget sätt lärde dessa två kritiker efterkrigstidens amerikaner att abstrakt konst var större, djupare och mer komplicerad än vad den verkade för de flesta människor vid den tiden. De höjde abstraktionen till samma prestige som den realistiska konsten som fyllde museer och historieböcker. Men på ett annat sätt representerade båda dessa kritiker ett gammalt sätt att tala om konst. De engagerade sig i den på ett strukturerat sätt som var rotat i traditionerna från det förflutna. De bedömde den och gjorde värderingar baserade på agendor som spelade in i den existerande maktstrukturen i samhället, och på så sätt begränsade de vad som kunde bli.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), book cover

Poststrukturalistisk konstskrift

Efter sin examen från Wellesley gick Rosalind Krauss till Harvard, där hon tog sin doktorsexamen 1969. Medan hon fortfarande var student började hon skriva om konst i Artforum. Inledningsvis hade hon en förkärlek för Clement Greenbergs arbete. Men med tiden kom hon att omfamna en poststrukturalistisk synvinkel. I grunden är strukturalism idén att världen kan förstås i termer av identifierbara, beskrivbara strukturer som i sin tur gör att allt annat får mening. Historia talas ofta om som en strukturerad serie av händelser som oundvikligen ledde till dagens värld. En strukturalistisk konstkritiker anser att varje element av ett konstverk kan förstås i termer av hur det relaterar till ett existerande, strukturerat tankesystem. Och omvänt utmanar poststrukturalismen i grunden den idén.

Post-strukturalistisk konstskrift är inte kritik i den meningen att den inte handlar om något slutgiltigt omdöme av ett konstverk. Post-strukturalismen inbjuder till flera tolkningar. Den förespråkar individuell utvärdering. Den avvisar auktoriteten hos ärvda strukturer. Den förespråkar att prata om saker på sätt som ifrågasätter status quo. Den erkänner att historiska sociala strukturer stödjer ett sätt att se och interagera med världen som passar in i de existerande berättelserna hos makthavarna. Post-strukturalister tror att genom att utmana dessa sätt att se och interagera med världen kan en mer mångfaldig, rättvis, experimentell och intressant värld uppstå: en som i slutändan också kommer att vara mer sann.

Rosalind Krauss - Bachelors, book cover

På nätet

Efter tio år som skribent för Artforum lämnade Rosalind Krauss för att medgrundar en ny konsttidskrift tillsammans med Annette Michelson, kallad October. Idén med October var att främja nya sätt att tänka kring konst. Tidskriften fick sitt namn efter månaden som markerade början av den bolsjevikiska revolutionen. I sidorna av October har Krauss publicerat sin mest inflytelserika konstskrift. I volym 8 publicerade hon sin essä Sculpture in the Expanded Field, som förklarade en kraftigt utvidgad syn på skulptur. Essän beskrev inte ett specifikt sätt att definiera skulptur, utan inledde snarare en diskussion om att hitta ett sätt att prata om plastiska konsttendenser utan att behöva strikt definiera vad de är. Denna essä kvarstår som en livlina för experimentella, tvärvetenskapliga konstnärer idag.

Och i volym 9 från oktober publicerade Krauss en essä kallad Grids, som av många idag anses vara en av de viktigaste essäerna från 1900-talet som förklarar abstraktion. Essän utforskar historien om användningen av galler i konsten och kontemplerar de olika sätt på vilka konstnärer har reducerat sitt arbete till utforskningar av galler. Det som är anmärkningsvärt med essän, enligt min åsikt, är att den trots att den är akademiskt informerad och mycket beskrivande, är öppen och kommer fram till få slutsatser. En generalisering som Krauss kommer fram till är idén att galler i slutändan är symboliska. Men vad de symboliserar lämnas öppet. Krauss presenterar många exempel, öppnar många möjligheter och stöder dem med utbildade exempel. Men i slutändan beskriver hon långt mer än hon dömer. Och det, för mig, är hennes största arv. Hon öppnar dörren för vad som kan komma härnäst och låter framtiden för konsten utvecklas som den vill.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, book cover

Utvald bild: Rosalind Krauss, foto av Judy Olausen, c.1978

Av Philip Barcio