100 ปีแห่งศิลปะและการถ่ายภาพนามธรรมที่ Tate
การสนทนาเกี่ยวกับภาพถ่ายนามธรรมได้กลายเป็นเรื่องน่าสนใจอย่างมากในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา เนื่องจากการถ่ายภาพดิจิทัลและการปรับแต่งภาพได้แพร่หลายไปทั่ว ตอนนี้นิทรรศการใหม่ที่จะเปิดในเดือนพฤษภาคม 2018 ที่ Tate สัญญาว่าจะขยายการสนทนานั้นให้กว้างขึ้นอีก รูปร่าง ของแสง: 100 ปีแห่งการถ่ายภาพและศิลปะนามธรรม จะนำเสนอผลงานมากกว่า 300 ชิ้นโดยศิลปินมากกว่า 100 คน นิทรรศการนี้จะศึกษาประวัติศาสตร์ของภาพถ่ายนามธรรมควบคู่ไปกับการพัฒนาของนามธรรมในจิตรกรรมและประติมากรรม นามธรรมแท้จริงได้แสดงออกอย่างกว้างขวางในจิตรกรรมและประติมากรรมตะวันตกในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 แต่การถ่ายภาพยังตามหลังอยู่บ้าง แม้ว่าจะมีเวลาพัฒนาเกือบหนึ่งศตวรรษในเวลานั้น แต่ก็ยังไม่ถือว่าเป็นศิลปะชั้นสูง การใช้งานเพียงอย่างเดียวถูกมองว่าเป็นวิธีแสดงความจริง—ช่วงเวลาที่หยุดนิ่งถูกบันทึกลงในซิลเวอร์ไนเตรต แต่ช่างภาพยุคแรกที่มีแนวคิดเชิงปรัชญาบางคนตระหนักว่าแทนที่จะจับภาพ สิ่งที่กระบวนการถ่ายภาพจับได้จริง ๆ คือแสง พวกเขาเห็นว่าช่างภาพสามารถสร้างองค์ประกอบนามธรรมแท้จริงได้ เช่นเดียวกับจิตรกรหรือประติมากร โดยใช้แสงแทนสี ไม้ กราฟิตี หรือหิน เมื่อช่างภาพหลายคนทดลองวิธีต่าง ๆ ในการสร้างนามธรรมตลอดหลายทศวรรษที่ผ่านมา พวกเขาได้กระตุ้นการถกเถียงที่มีประโยชน์มากมายเกี่ยวกับนิยามของภาพถ่าย และสิ่งที่ทำให้ภาพใด ๆ เป็นนามธรรม โดยการนำผลลัพธ์ของการถกเถียงเหล่านั้นมาเปรียบเทียบกับความก้าวหน้าในศิลปะนามธรรมประเภทอื่น ๆ รูปร่างของแสง จึงเป็นโอกาสที่น่าตื่นเต้นในการค้นพบว่าในบางครั้งภาพถ่ายนามธรรมเดินตามรอยจิตรกรรมและประติมากรรม และในบางครั้งก็เป็นผู้นำทาง
เข้าสู่ Vortograph
หนึ่งในจุดเปลี่ยนสำคัญในประวัติศาสตร์ของ ภาพถ่ายนามธรรม เกิดขึ้นราวต้นศตวรรษ เมื่อกลุ่มช่างภาพสองกลุ่ม—ที่รู้จักกันในชื่อ Photo Succession และ Linked Ring—เริ่มผลักดันให้การถ่ายภาพได้รับการยอมรับในฐานะศิลปะชั้นสูง Alvin Langdon Coburn เป็นสมาชิกสำคัญของทั้งสองกลุ่ม Coburn จะได้รับการเน้นอย่างเด่นชัดใน รูปร่างของแสง เพราะเขาถือเป็นผู้คิดค้น Vortograph—ภาพถ่ายนามธรรมแท้จริงชนิดแรก Vortograph ชุดแรกถูกถ่ายเมื่อ Coburn ติดตั้งกระจกสามบานไว้ด้านหน้ากล้องในรูปแบบสามเหลี่ยม โดยกระจกเหล่านี้ทำหน้าที่เหมือนกล้องโทรทรรศน์ภาพสะท้อน ภาพถ่ายที่ได้แสดงความจริงที่แตกสลาย เต็มไปด้วยเส้นทแยงมุมและรูปสามเหลี่ยม ภาษาของเส้นและรูปทรงนี้ทำให้ Ezra Pound เรียกภาพเหล่านี้ว่า Vortographs เพราะคล้ายกับภาพวาดแบบ Vorticist
ลาสโล โมโฮลี-นาจ - Photogram, ประมาณปี 1925, ภาพถ่าย, พิมพ์ซิลเวอร์เจลาตินบนกระดาษ, ขนาด 181 x 238 มม., คอลเลกชันแจ็ค เคอร์แลนด์, น็อตติงแฮม
Tate จะจัดแสดงภาพวาดแบบ Vorticist โดยศิลปินเช่น Wyndham Lewis ควบคู่ไปกับ Vortographs โดย Coburn และยังนำมาเปรียบเทียบกับผลงานของจิตรกรแบบ Cubist เช่น Georges Braque การเปรียบเทียบกับ คิวบิสม์ อาจชัดเจนอยู่แล้ว เพราะทั้งคิวบิสม์และ Vortographs แบ่งพื้นที่ภาพออกเป็นมุมมองหลายมุมพร้อมกัน แต่การเปรียบเทียบกับภาพวาดแบบ Vorticist อาจไม่ชัดเจนเท่า Vorticism เป็นการผสมผสานระหว่างคิวบิสม์และฟิวเจอริสม์ เป็นความพยายามทางรูปแบบล้วน ๆ ในการรวมลักษณะของทั้งสอง เมื่อ Coburn คิดค้น Vortograph เขากำลังทำสิ่งที่ไม่เหมือนใครโดยสิ้นเชิง เขาไม่ได้พยายามเลียนแบบแนวโน้มใด ๆ แต่พยายามพิสูจน์ว่าการถ่ายภาพสามารถใช้จับสิ่งอื่นนอกจากความจริงเชิงวัตถุ ด้วยเหตุนี้ รูปร่างของแสง จึงชี้ให้เห็นว่า Coburn เป็นนวัตกรมากกว่าคนร่วมสมัยในกลุ่ม Vorticist ของเขา ส่องให้เห็นว่าภาพถ่ายนามธรรมมีรากฐานที่โดดเด่นอย่างไร
Barbara Kasten - ภาพวาดโฟโตเจนิก, ไม่มีชื่อ 74/13 (ID187), 1974, ภาพถ่าย, พิมพ์กระดาษเกลือ, ขนาด 558 x 762 มม., โดยศิลปิน, Thomas Dane Gallery และ Bortolami Gallery, นิวยอร์ก, © Barbara Kasten
ภาพถ่ายนามธรรมตลอดหลายทศวรรษ
อีกหนึ่งการเปรียบเทียบที่น่าสนใจใน รูปร่างของแสง คือการจัดวางภาพถ่ายของ André Kertész ร่วมกับผลงานของจิตรกรลัทธิเหนือจริง ในปี 1933 Kertész สร้างชุดภาพถ่ายชื่อ Distortions ซึ่งใช้กระจกเพื่อสร้างภาพร่างกายมนุษย์ที่บิดเบี้ยว ยืดยาว และมีรูปร่างคล้ายสิ่งมีชีวิต ภาพถ่ายเหล่านี้มีความคล้ายคลึงกับรูปแบบมนุษย์เหนือจริงในภาพวาดของ ปิกัสโซ, มิโร และคนอื่น ๆ เนื่องจาก Distortions ถูกสร้างขึ้นหลังจากลัทธิเหนือจริงเริ่มต้นมากกว่าทศวรรษ อาจดูเหมือนว่า Kertész กำลังเลียนแบบศิลปินเหนือจริง แต่ครั้งแรกที่ Kertész เผยแพร่ภาพถ่ายบิดเบี้ยวจริง ๆ คือในปี 1917 ภาพที่ชื่อ Underwater Swimmer แสดงรูปคนที่คลื่นไหวและยืดออกในภูมิทัศน์ที่แปลกประหลาด ภาพนี้เหมาะสมอย่างยิ่งกับภาพวาดของซัลวาดอร์ ดาลี ซึ่งมีอายุก่อนลัทธิเหนือจริงถึงสามปีอีกครั้ง ทำให้เกิดคำถามว่า การถ่ายภาพมีบทบาทอย่างไรในการมีอิทธิพลต่อทิศทางของศิลปะนามธรรมโดยรวม
รูปร่าง ของแสง ยังเปรียบเทียบผลงานของศิลปินยุคกลางศตวรรษสองคน: Otto Steinert และ แจ็คสัน พอลลอค Steinert สร้างมรดกหลากหลายในโลกของการถ่ายภาพ แต่หนึ่งในผลงานสำคัญของเขาคือการจัดกลุ่มนิทรรศการเดินทางในทศวรรษ 1950 ชื่อ Subjective Photography แนวคิดของนิทรรศการ Subjective Photography คือการแสดงให้เห็นว่าแทนที่จะจับภาพโลกภายนอก ภาพถ่ายสามารถแสดงออกถึงโลกภายในของช่างภาพได้ โดยการจัดแสดง Luminograms ของ Steinert จากทศวรรษ 1950 ควบคู่ไปกับภาพวาดสาดและหยดของแจ็คสัน พอลลอค รูปร่างของแสง จะแสดงความเชื่อมโยงระหว่างปรัชญาและความงามของนามธรรมแสดงออก กับการถ่ายภาพเชิงอัตวิสัย และยังมีอีกมากในนิทรรศการนี้ นอกจากการศึกษาตำนานสมัยใหม่อย่าง ลาสโล โมโฮลี-นาจ, บิล แบรนดท์, กาย บูร์ดิน และฌาคส์ มาเฮ เดอ ลา วิลเลเกล ยังศึกษาช่างภาพนามธรรมร่วมสมัยหลายคน เช่น Barbara Kasten และ James Welling การนำศิลปินหลากหลายเหล่านี้มาแสดงร่วมกันเป็นแนวคิดที่ก้าวล้ำ มันไม่เพียงแต่ให้โอกาสเราได้รู้จักหรือทบทวนประวัติศาสตร์ของภาพถ่ายนามธรรมเท่านั้น แต่ยังเปิดโอกาสให้ทำลายความเชื่อเดิม ๆ เกี่ยวกับความหมายของการถ่ายภาพ นิยามของนามธรรม และศิลปินที่แท้จริงที่มีบทบาทในการสร้างประวัติศาสตร์ศิลปะนามธรรม
รูปร่างของแสง: 100 ปีแห่งการถ่ายภาพและศิลปะนามธรรม จะจัดแสดงตั้งแต่วันที่ 2 พฤษภาคม ถึง 14 ตุลาคม 2018 ที่ Tate Modern ลอนดอน
ภาพประกอบ: Otto Steinert - Luminogram II, 1952, ภาพถ่าย, พิมพ์ซิลเวอร์เจลาตินบนกระดาษ, ขนาด 302 x 401 มม., คอลเลกชันแจ็ค เคอร์แลนด์ น็อตติงแฮม, © มรดก Otto Steinert, พิพิธภัณฑ์โฟล์ควัง, เอสเซิน
โดย Phillip Barcio
