杰克逊·波洛克的《汇聚》——一件杰作

“汇聚”是杰克逊·波洛克一件被低估的杰作。波洛克于1952年创作了这幅画，同年他完成了《蓝极》，这幅作品成为他职业生涯中最著名的画作之一，掩盖了《汇聚》以及他那年创作的其他作品。然而，《蓝极》的名声不仅仅源于其视觉上的宏伟，还因为围绕其创作和收藏的争议。首次展出后，有丑闻报道称另外两位艺术家托尼·史密斯和巴内特·纽曼曾协助绘制这幅画。1973年，澳大利亚国家美术馆以130万美元购入《蓝极》，引发了公众对花费的强烈抗议。（如今这件作品估价超过3亿美元——毕竟是笔不错的投资。）与此同时，《汇聚》于1956年被纽约布法罗的奥尔布赖特-诺克斯美术馆悄然购入，距波洛克去世仅五个月。此后它大多安静地留在那里，未曾引发争议。但实际上，《汇聚》确实隐藏着一个黑暗的秘密。在其鲜艳的橙色、流淌的蓝色、浓稠的黄色和幽灵般的白色背后，这些色彩似乎体现了波洛克最著名的“全覆盖”滴洒技法，这幅画本应是他所谓“黑色时期”中最雄心勃勃的作品。1951年至1953年间，波洛克逐渐远离了使他成名的色彩斑斓的抽象滴洒画作，开始主要用黑色颜料在未经处理的画布上作画，再次用画笔直接接触画布，以受控的方式倾倒颜料，甚至让具象元素重新进入他的构图。尺寸巨大，达237.49 x 393.7厘米的《汇聚》本应是他最大的黑色画作，但最终看起来更像是他早期的作品。2015年，当它被纳入达拉斯艺术博物馆举办的“盲点”展览中时——这是迄今为止最完整的黑色画作展览——《汇聚》在展出的70余件作品中显得格格不入。它被纳入展览的原因与它看似格格不入的原因有关：两者都与这批作品首次展出时所遭受的轻视有关。

艺术家与表演者的对立

如今，评论家认为黑色画作是波洛克在1956年车祸去世前创作的最后一批伟大作品。但当它们首次展出时，收藏家们对此毫无兴趣。观众认为它们过于细腻，不及使波洛克成名的充满活力的动作画作。回顾过去，我们可以看到这一时期在他艺术和心理演变中的重要地位。波洛克在发展出标志性的滴洒技法之前创作的抽象画充满象征意义，包含神话人物和图腾形象。黑色画作标志着他回归这种象征性和图腾形象的创作，同时也向前迈进，采用了由艺术家海伦·弗兰肯塔勒开创并体现在她的开创性作品《山与海》（1952年）中的“浸染”技法。在这种技法中，颜料被倒在未经处理的画布上，渗入未受保护的纤维，自由流动，形成具有柔和模糊边缘的生物形态。

这种向前和向后的双重演变表明，波洛克始终在努力实现内心自我的全面表达。他在成名巅峰期愿意改变风格，也似乎表明他更重视实验而非公众认可。他甚至预见到公众不会接受黑色画作，这在他当时写给阿方索·奥索里奥的信中有所体现，信中部分写道：“我经历了一段用黑色在画布上作画的时期——我想非客观派会觉得它们令人不安。”然而，《汇聚》之所以如此有趣，其中一方面原因是它显示出波洛克可能比他表现出来的更在意公众认可。出于对公众口味的同情，他认为原本的黑色构图是失败的，于是在其上绘制了一层新的彩色图层。新的顶层重新采用了他旧有的技法，使这幅画成为艺术家潜意识精神与渴望被爱戴的表演者有意识心灵的融合体。

为何它是一件杰作

《汇聚》实际上是两幅画的结合。它是旧与新的汇聚。因此，可以从不同层面评判它的重要性。单从纯美学角度，不涉及创作者的心理，画面本身就令人惊叹。画作底层为黑色颜料，为色彩的滴洒和飞溅赋予了强烈的透视感，这在波洛克早期的滴洒画中并不常见。早期的滴洒画作中，每一个笔触和每一层之间有更强的统一感，部分原因是各层所用技法相同。而《汇聚》则显得更为支离破碎，给作品带来了真实的张力感。

作品中美感、痛苦、张力与流动的结合正是这幅画成功的原因。它回溯了波洛克最初开始抽象绘画的原因——为了触及潜意识的根源。在某些地方，《汇聚》的顶层使底层混合成油腻的混沌；传统的笔触隐藏在被倾倒和涂抹的区域之下，并与飞溅和滴落的区域融合。各种质感和技法的喧嚣暗示着一个充满困惑、挫折甚至愤怒的心灵，现实与过去在此争夺注意力。回顾他的晚期作品，《汇聚》也是波洛克在彻底改变风格前创作的最后几幅滴洒画之一。画作的每一寸都讲述着1952年杰克逊·波洛克的故事。

图片说明：杰克逊·波洛克 - 《汇聚》，1952年。油画，画布。尺寸：画布支撑面93 1/2 x 155英寸（237.49 x 393.7厘米）；装框后95 1/4 x 157 1/8 x 3英寸（241.94 x 399.1 x 7.62厘米）。收藏于纽约布法罗奥尔布赖特-诺克斯美术馆。1956年由西摩·H·诺克斯二世赠送。编号K1956:7。© 波洛克-克拉斯纳基金会 / 艺术家权利协会（ARS），纽约
图片仅供说明用途
作者 菲利普·Barcio