萨姆·弗朗西斯作品中的晚期抽象表现主义
有人说，对于真正的艺术家来说，创作艺术不是一种选择，而是一种冲动。他们无论是否获得报酬，甚至是否被忽视，都会创作艺术品。换句话说，艺术家创作艺术是因为他们无法不创作艺术。虽然这听起来很严肃，Sam Francis 认为艺术家与艺术创作之间的关系更为深刻。他认为艺术创作不是艺术家所做的事情，而是因为艺术家的存在而自然存在的。他说：“艺术家就是他的作品，不再是人类。”对Francis来说，将艺术与艺术家分开，就像将雨水与云朵分开一样不可能。雨就是云，艺术就是艺术家。二者不可分割，他们是一体的。
黑暗只是颜色之一
回顾抽象 表现主义的历史，很快就会发现，与该运动早期相关的艺术家深受当时焦虑情绪的影响。他们属于一个以苦难和牺牲为特征的世代，被战争的恐怖和对原子弹的恐惧所困扰。通过他们的艺术作品，他们真诚地试图与潜意识连接，表达内心的状态。他们那个时代的黑暗常常在作品中显现，无论是色彩调色板，还是动作、形态、质感或构图中的焦虑感。但这些作品同样具有启示性，引导观众体验超越世俗的沉思意识状态。那么，他们表达的真的是黑暗吗？
Sam Francis 属于抽象表现主义的第二代艺术家。他在1956年被纳入现代艺术博物馆（MoMA）的《12位美国艺术家》展览后声名鹊起，同年早期运动的领军人物Jackson Pollock去世。Francis在二战期间担任战斗机飞行员时受伤，住院期间开始绘画。战后他回到加利福尼亚的母校，1950年获得加州大学伯克利分校硕士学位。在那里，他结识了第一代抽象表现主义画家，包括当时在旧金山加州艺术学院任教的Mark Rothko。Francis从这些艺术家对存在与成为的关注以及对寻找真实自我的执着中获得灵感。
Sam Francis - 无题，1959年，水粉纸本，11.5 x 36 厘米。© The Sam Francis Foundation
黑暗与光明的结合
对Sam Francis来说，黑暗与光明并非对立的力量。它们是互补的力量，或者说是同一性质的不同表现。他曾说：“光明的增加带来黑暗的增加。”他是在说光明与黑暗是一体的吗？还是在谈论光线投射阴影的方式，意思是光越亮，阴影越暗？或者他指的是启蒙，以及意识到我们学得越多，越意识到自己所知甚少的形而上影响？
他可能并非指上述任何一种。他还曾说：“颜色诞生于光与暗的交融。”所以他可能仅仅是在谈论对比，以及画布上的白色空间如何表达颜料的黑暗。无论如何，他的言论至少为我们提供了一个细致的视角，去解读抽象表现主义运动中表面上的黑暗，也为理解他自己作品中如何面对黑暗、光明和色彩提供了起点。
Sam Francis - SF 70 42，1970年。© The Sam Francis Foundation
12位美国画家
Francis在MoMA的成名展览中展出了七幅作品，规模宏大。最小的高达六英尺以上，最大的尺寸超过十二英尺乘十英尺。这些画作均以颜色命名：蓝黑、黄色、大红、红中黑、红中红、灰色和黑底深橙。这些作品共享一种共同的美学风格，确立了Francis作为具有明确视觉风格的画家身份。它们由层叠的生物形态构成，并辅以自由流淌的滴落效果。
这些画布将观众包裹在构图之中。作品的声音重新定义了“构图”一词，更侧重于“感到镇定”的意义，而非仅仅是美学元素的排列。它们散发出一种控制感、自信感和和谐感。它们传达出画布空间内包含了理解作品所需的一切信息。然而，它们感性且个人化的特质又邀请我们深入探索隐藏其中的更多内容。
Sam Francis - 黑底深橙，1955年，油画布面。© The Sam Francis Foundation
包容
Sam Francis刚因其独特美学而闻名不久，便开始超越它。他扩展了色彩调色板，包含了鲜艳纯净的色彩范围。他探索了多种构图方法，包括在一系列名为蓝球的作品中采用生物形态表现，作品中突出蓝色球体，灵感来自他与肾病的斗争。1960年代中期，他形成了另一种独特的美学风格，特点是在画作边缘用色彩笔触环绕，内部几乎留白。
这些作品直接且优雅地回应了Francis关于明暗的观点。增加的白色空间或明亮感强化了通过色彩传达的黑暗表达。色彩被最小化，却定义了图像。这些画作打破了许多抽象表现主义作品的整体性，诉说虚无与细微之力，关注未被表达的内容。
Sam Francis - 无题，1965年，水粉纸本（左）和Sam Francis - 无题（SF-106A），1969年，石版画（右）。© The Sam Francis Foundation
无拘无束
在其大部分职业生涯中，Francis避开了纽约艺术圈，偏爱在巴黎、东京和加利福尼亚生活和创作。他不受潮流束缚，采用行动绘画的技法，如滴落、倾倒和飞溅，同时也使用染色和传统画笔。他制作版画、石版画和单色版画，使用多种媒介和材质，并不断演变其构图风格。1970和80年代，他经常在画作中加入几何形态，有时甚至创作硬边几何作品。
他最为人所记的是1980年代创作的鲜艳色彩飞溅画。这些作品坚持使用许多同时代画家早已放弃的技法，显得自信而独特。其原始特质与巴斯奎特等新表现主义画家的作品对话。色彩调色板呼应波普艺术和芝加哥形象派。其意象唤起抽象艺术史，令人联想到米罗、卡尔德和戈尔基等画家。
Sam Francis - 无题，1983年，单色版画（左）和Sam Francis - 无题（SF-330），1988年，纸本石版画（右）。© The Sam Francis Foundation
超越第二代
Sam Francis从未停止个人艺术的演进。即使在临终前失去右手功能后，他学会用左手绘画，创作了大量新作品，直至去世。尽管改变了美学风格，他从未放弃抽象表现主义的基本原则。在对其的执着中，他也从根本上改变了抽象表现主义的可能性。并非说他改变了它，而是他保持了其核心要素。他始终直觉作画，连接自身内在状态，将画布视为事件发生的场域。同时，他也丰富了其定义。他对绘画的描述很好地总结了他的贡献：“绘画关乎空间之美与包容之力。”
这四个词——美、空间、力量与包容，涵盖了一切。Sam Francis毫不掩饰地追求美。他拥抱有限空间的限制与可能性。他承认并承担人类对力量原始追求的现实。最后，他表达了被包容所带来的自信与安全感。相比之下，Jackson Pollock曾说：“绘画有其自身生命，我试图让它显现。”除了其他方面，他们的作品还体现了无拘无束的实验精神。他们如同抓住一只野虎的尾巴，兴奋地探索它下一步的动作，完全开放于各种可能，最重要的是致力于保持其野性尽可能长久。Sam Francis帮助驯服了这只野虎。这样做的同时，他也赋予了后代艺术家定义抽象表现主义意义的自由。
封面图：Sam Francis - 无题，1962年，丙烯与水粉纸本。© The Sam Francis Foundation
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作者：Phillip Barcio
