阿德·萊因哈特教我們如何看待現代藝術

成為一個純粹主義者意味著什麼？這是否像是心胸狹窄？還是追求純粹本質上是高尚的，就像追求完美一樣？對於美國抽象藝術家阿德·賴因哈特來說，純粹性對於美術至關重要。在他1953年的文章《新學院的十二條規則》中，賴因哈特將美術定義為“藝術被清空並純化，去除所有其他非藝術的意義。”他接著解釋說，“一幅畫的用途、關係和‘附加’越多，它就越不純粹。裡面東西越多，藝術作品就越繁忙，效果就越差。‘多即是少’。”這聽起來可能是來自一位與抽象表現主義者相關的畫家的奇怪陳述，這些藝術家無疑在畫布上放了更多的東西，而不是更少。但儘管賴因哈特最初的職業生涯是畫表現性、動態的畫布，他對純粹性的追求隨著時間的推移徹底改變了他的創作方式。在他職業生涯的過程中，他如此戲劇性地減少了畫作的內容，以至於在他生命的最後幾年，他只用黑色作畫。到他1967年去世時，他對自己努力的純粹性充滿信心，宣稱他已經畫出了再也不需要的最後幾幅畫作。

藝術精緻

對於純粹的追求，似乎更適合修道院而非藝術工作室。但阿德·萊因哈特既是一位藝術家，也是一位哲學家。而且，他的一位摯友實際上是一位修道士，住在修道院裡。萊因哈特定期與他交換信件，幽默地交流對生命和藝術本質的看法。在研究生院，萊因哈特學習了藝術史，這是一個他可能比他那一代的其他任何藝術家都更了解的主題。也許他對於在藝術中發現純粹的終極表現的興趣，與他對知識和精神的好奇心一樣，與他想要定義自己在藝術史連續體中的相關性有著密切的關係。

當他在1940年代首次開始在紐約展出他的畫作時，這些作品與當時主流的新興風格相符，抽象表現主義。它們具有畫家的風格，充滿了生動的顏色和抽象的標記。不到十年後，他熱情地否定了所有這些，發表了一份教條式的、幾乎可笑地具體的、經常矛盾的宣言，描述了創作純粹現代畫作的精確方法：這些畫作恰好與他早期的作品截然不同。如果這看起來矛盾，那麼記住萊因哈特自己著名的話會有所幫助：“藝術太嚴肅，不能被認真對待。”

阿德·萊因哈特 - 抽象畫，1960年。油畫布。© 2018 阿德·萊因哈特遺產 / 藝術家權利協會 (ARS)，紐約

拆解前衛

要理解萊因哈特工作的文化氛圍，有必要回顧現代主義的歷史。在第二次世界大戰之前，幾乎所有的前衛藝術運動都起源於美國以外的地方。第二次世界大戰後，美國誕生了一些世紀上最具影響力的現代主義運動，包括抽象表現主義、極簡主義和後表現主義。究竟發生了什麼，促成了美國藝術影響力的這一變化？這與政治的關係比與藝術的關係更大。

在第一次世界大戰結束後的德國革命之後，一個名為魏瑪共和國的代表政府在德國上台。這個民主選舉產生的政府實施了廣泛的社會、政治和經濟改革，導致德國整體文化的巨大變化。在這個變革的環境中，德國現代主義蓬勃發展。包浩斯於魏瑪共和國成立的同一年、同一城市成立，在接下來的14年中，德國演變成為藝術領域的主要進步力量。

阿德·萊因哈特 - 紙印拼貼，1940年。剪貼的印刷紙和黑紙在板上。15 7/8 x 20 英寸 (40.6 x 50.8 厘米)。現代藝術博物館收藏。© 2018 阿德·萊因哈特遺產 / 藝術家權利協會 (ARS)，紐約  

純粹主義的黑暗面

當1929年股市崩盤時，德國和大多數其他西方國家一樣，經濟崩潰。隨之而來的全球經濟大蕭條使普通工人的生活充滿挫折。當納粹政權在1933年掌握德國政權時，表面上是要恢復德國的歷史偉大，並扭轉近期的趨勢。納粹黨所做的第一件事之一就是對德國文化施加影響。現代藝術成為主要目標。

在阿道夫·希特勒的領導下，納粹黨發展出一種純粹德國藝術的概念。它僅包括符合他們對種族和民族身份定義的傳統、古典藝術。任何超出該定義的藝術都被稱為退化藝術。於是，德國的前衛藝術家們開始了大規模的流亡。隨著納粹影響力擴展到德國以外，整個歐洲的現代藝術家們也遭遇了同樣的迫害。

阿德·萊因哈特 - 畫作草圖，1938年。水粉畫於紙上。4 x 5 英寸 (10.2 x 12.8 厘米)。現代藝術博物館收藏。© 2018 阿德·萊因哈特遺產 / 藝術家權利協會 (ARS)，紐約

重新組裝前衛

在1930年代末和1940年代初，任何有能力的歐洲現代藝術家都找到方法出國。作為唯一一個未受到法西斯勢力圍攻的全球首都，紐約市成為來自世界各地的前衛藝術家的燈塔。這些新來的藝術家與已經充滿活力的紐約抽象藝術界交融，其中包括美國出生的藝術家如傑克遜·波洛克，以及像威廉·德庫寧和阿爾希爾·戈基這樣在第一次世界大戰後移民到那裡的藝術家。正是在這種文化中，第一個美國現代主義藝術運動誕生了。

阿德·萊因哈特作為這一代二戰後前衛紐約藝術家的成員，進入了藝術的成熟期。他全心投入於這個多元化的國際社區中，正在進行的政治、哲學、社會和文化對話的生動混合中。他參加了抗議活動，並以各種可想像的方式參與了這個場景。但他在一個根本的方面與他的同代人意見不合。雖然他們認為自己的生活和藝術是作為一個整體經驗交織在一起的，但萊因哈特認為這是錯誤的道路。正如他所說： “藝術就是藝術。生活就是生活。”

阿德·萊因哈特 - 畫作草圖，1939年。水粉畫於紙上。3 7/8 x 4 7/8 英寸 (10 x 12.5 公分)。現代藝術博物館收藏。© 2018 阿德·萊因哈特遺產 / 藝術家權利協會 (ARS)，紐約

尋找不變量

為了使他的藝術作品脫離同時代藝術家的影響，萊因哈特提出了「啟蒙物件」的概念，這是一件不參考任何外在事物或外在思想的藝術作品，而僅僅作為其純粹自我的單一例子而存在。啟蒙物件是一種靈性主義者所稱的「不變物」，即偉大的終極、不變的實質，即使在變化中也不會改變。基本上，他在尋找藝術版的上帝。

萊因哈特透過否定尋求不變，這意味著他不是在定義純藝術是什麼，而是在定義純藝術不是什麼。他於1953年發表的新學院的12條規則中，列出了他的否定，並將其表述為如何達到純藝術的規則。這些規則包括：不寫實、不印象派、不表現主義、不雕塑、不塑形、不拼貼、不建築、不裝飾、不質感、不筆觸、不提前素描、不形式、不設計、不顏色、不光線、不空間、不時間、不大小、不運動、不主題、不符號、不圖像和不快樂。他補充道：“在外部，遠離所有關係；在內心，心中無所渴望。”

阿德·萊因哈特 - 紙拼貼，1939年。赫希霍恩博物館與雕塑花園，華盛頓特區。© 2018 阿德·萊因哈特遺產 / 藝術家權利協會 (ARS)，紐約

隨著變化而改變

在閱讀12 Rules For a New Academy時，必須記住，萊因哈特在大學時期是一名喜劇編劇，並且他也是一個具有靈性和哲學思考的人。他的機智敏銳，經常故意使用矛盾的陳述。即使他確實相信所有的規則都可以單獨遵循，他也必然知道，同時遵循所有規則意味著某些規則將會被違反。

例如，當談到他生命最後12年所畫的黑色畫作時，他稱它們為「一個自由的、未經操控的、不可操控的、無用的、無法市場化的、不可簡化的、無法攝影的、無法複製的、無法解釋的圖標。」但它們並不自由；它們是意識形態、教條系統的產物。至於說它們無法攝影和無法市場化，事實上它們很快就被售出，並且今天仍然定期在拍賣中出現，目錄中還包括精美的照片。所以，萊因哈特是在開玩笑嗎？還是他在對創作和談論抽象藝術的複雜性發表更深刻的聲明？

Ad Reinhardt - 無題，1947年。油畫，畫布。美國國家藝術館，華盛頓特區。© 2018 Ad Reinhardt 遺產 / 藝術家權利協會 (ARS)，紐約

不變的狀態

理解萊因哈特意味著理解他的文化。萊因哈特是藝術界的一部分，這個界限由充滿激情、情感、個人和繪畫風格的作品主導。他的回應是主張其對立面。當藝術家們熱情地主張藝術應重新融入日常生活時，萊因哈特堅持認為藝術和生活是分開的。他聲稱自己畫了最後的畫作，但作為一名藝術史學家，他知道只要有藝術家願意繪畫，繪畫的結束永遠不會到來。

對阿德·萊因哈特的某些理解可以從布魯斯·李的這句話中找到：“隨著變化而變化是無變的狀態。”通過提供對當前主流趨勢的替代方案，萊因哈特確保了藝術史的延續。就像卡齊米爾·馬列維奇的黑色方塊一樣，阿德·萊因哈特的黑色畫作並沒有結束繪畫，而是推進了連續體。通過堅持教條，他並不是在堅持只有一種方式，而是給了下一代一份禮物：一個可以對抗的敵人：一個可以抵抗的純粹主義者和一種可以挑戰的意識形態。

特色圖片：阿德·雷因哈特 - 第6號，1946年。油畫於木質纖維板上。© 2018 阿德·雷因哈特遺產 / 藝術家權利協會（ARS），紐約
所有圖片僅用於說明目的
由 Barcio 作品