薩姆·弗朗西斯作品中的晚期抽象表現主義
有些人說，對於真正的藝術家來說，創作藝術不是一種選擇；而是一種衝動。他們無論是否獲得報酬，甚至是否被忽視，都會創作藝術作品。換句話說，藝術家創作藝術是因為他們無法不創作藝術。這聽起來很嚴肅，山姆 弗朗西斯 認為藝術家與藝術創作之間的關係更為強烈。他認為藝術創作不是藝術家所做的事情，而是因為藝術家存在而自然而然的事情。他說：“藝術家就是他的作品，已不再是人類。”對於弗朗西斯來說，將藝術與藝術家分開就像將雨水與雲朵分開一樣不可能。雨水就是雲朵。藝術就是藝術家。沒有分離。他們是一體的。
黑暗只是顏色
當回顧抽象 表現主義的歷史時，很快就會發現與這一運動早期相關的藝術家們深受他們時代焦慮的影響。他們是一個以痛苦和犧牲為特徵的世代，受到戰爭恐怖和對原子彈的恐懼的困擾。通過他們的藝術作品，他們真誠地試圖與潛意識連結，並表達他們內心的狀態。他們時代的黑暗在他們的藝術中往往顯而易見，無論是在色彩調色板中，還是在手勢、形狀、質感或構圖的焦慮中。但這些作品同時也是啟示性的，引導觀眾體驗超越的、沉思的意識狀態。因此，他們表達的真的是黑暗嗎？
薩姆·弗朗西斯與第二代抽象表現主義有關。他在1956年被納入MoMA的12位美國藝術家展覽後聲名鵲起，同年傑克遜·波洛克，這一早期運動的領軍人物去世。弗朗西斯在醫院中開始畫畫，當時他正在康復，因為他在第二次世界大戰中擔任戰鬥機飛行員時受了脊椎傷。戰後，他回到故鄉加利福尼亞州上學，並於1950年獲得加州大學伯克利分校的碩士學位。在那裡，他遇到了一些第一代抽象表現主義畫家，包括當時在舊金山加州藝術學院任教的馬克·羅斯科。弗朗西斯在這些創作者對存在與成為的專注，以及他們對尋找真實自我的承諾中找到了靈感。
Sam Francis - Untitled, 1959, gouache on paper, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation
黑暗與光明的婚姻
對於山姆·弗朗西斯來說，黑暗和光明並不是對立的力量。它們是互補的力量，或者甚至是同一質量的波動表現。他曾經說過：“光明的增加帶來黑暗的增加。”他是在說光明和黑暗是一體的嗎？還是他在談論光如何投下陰影，意味著光越亮，投下的陰影就越深？還是他在指啟蒙，以及意識到我們學得越多，就越發現我們知道的越少的形而上學影響？
他可能並不是指這些事情。他也曾說過：“顏色是光與暗相互滲透而生的。”因此，他可能只是在談論對比，以及畫布上的白色如何表達顏料的黑暗。無論如何，他的評論至少提供了一種細緻的視角，從中可以解釋抽象表現主義運動的明顯黑暗。而且它們為我們理解他在自己畫作中如何面對黑暗、光明和顏色提供了一個起點。
Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation
12 位美國畫家
Francis 在 MoMA 的突破性小組展覽中展示了七幅畫作。它們的規模巨大。最小的高於六英尺，最大的則超過十二英尺乘十英尺。這些畫作都以顏色命名：藍黑色、黃色、大紅色、紅色中的黑色、紅色中的紅色、灰色、和黑色上的深橙色。這些畫作共享一種共同的美學，確立了 Francis 作為一位具有明確視覺風格的畫家的地位。它們由層疊的生物形態組成，並以不受限制的滴落增強。
這些畫布將觀眾包裹在作品中。作品的聲音重新定義了「構圖」這個詞，讓我們更少關注美學元素的排列，而更多地關注感受到的「構成」意味。它們散發出一種控制感、自信感和和諧感。它們給人一種感覺，理解這幅畫所需的一切都包含在畫布的空間內。然而，它們感性的、個人的特質又邀請我們深入探索還隱藏著什麼。
Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation
遏制
薩姆·弗朗西斯（Sam Francis）一旦因其獨特的美學而聞名，便超越了這一點。他擴展了他的色彩調色板，包含了一系列鮮豔、純淨的顏色。他探索了多種構圖方法，包括在一系列名為藍色球體的作品中進行生物形態的表現，這些作品以突出的藍色圓球為特徵，靈感來自於他與腎病的鬥爭。在1960年代中期，他達到了另一種獨特的美學語言，特徵是畫作邊緣的色彩筆觸圍繞著幾乎空白的白色空間。
這些作品直接而優雅地表達了Francis所表達的輕盈與黑暗的概念。增加的白色空間或輕盈感，加強了通過顏色傳達的黑暗表達。顏色被最小化，卻又定義了圖像。這些圖片挑戰了許多抽象表現主義作品的全覆蓋特性。它們談論虛無與細微差別的力量，並引起對未表達內容的注意。
Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation
無拘無束
在他職業生涯的大部分時間裡，Francis 避免了紐約的藝術圈，更喜歡在巴黎、東京和加州生活和工作。他不受潮流的束縛。他使用與行動繪畫相關的技術，如滴落、倒入和潑灑，還使用染色並使用傳統畫筆。他製作了版畫、石版畫和單版畫，並使用各種不同的媒介和表面。他不斷地發展他的構圖風格。在1970年代和80年代，他的畫作中經常包含幾何形狀，有時甚至畫出硬邊幾何作品。
他最常被人們記住的是他在1980年代創作的鮮豔色彩的飛濺畫。這些作品對於許多同代畫家早已放棄的技術的堅持，使它們自信地脫穎而出。它們的原始特質與像巴斯基亞這樣的畫家的新表現主義作品進行了對話。它們的色彩調色板呼應了波普藝術和芝加哥形象派的風格。而它們的意象則喚起了抽象藝術的歷史，讓人想起像米羅、卡爾德和戈基這樣的畫家。
Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation
超越第二代
薩姆·弗朗西斯從未停止他的個人藝術演變。即使在他去世前不久失去了右手的使用，他仍然學會了用左手繪畫，並參與創作了一大批新作品，直到他去世。儘管改變了他的美學風格，他從未放棄抽象表現主義的基本信條。然而，在他對此的奉獻中，他也從根本上改變了抽象表現主義的可能性。並不是說他改變了它。他保持了其核心元素。他從未停止直覺地繪畫，與自己內心的存在狀態相連接，並將畫布視為一個事件發生的舞台。但他也對定義進行了補充。他所添加的內容在他自己對繪畫的描述中得到了很好的總結：“繪畫是關於空間的美和容納的力量。”
一切都在四個詞中：美、空間、力量和包容。山姆·弗朗西斯毫不掩飾地追求美。他擁抱了定義空間的限制和可能性。他承認並承擔了人類對力量的原始追求的個人責任。最後，他表達了在某種東西被包容的感覺中固有的信心和安全感。將這與傑克遜·波洛克曾經對繪畫所說的話相比：“這幅畫有自己的生命。我試著讓它展現出來。” 除了其他一切，他們的作品還關於，波洛克和第一代抽象表現主義者在實驗上毫不受限。他們像抓住一隻野虎的尾巴，興奮地發現它接下來可能會做什麼，完全開放於可能性，最重要的是致力於讓它保持盡可能的野性。山姆·弗朗西斯幫助馴服了這隻老虎。在這樣做的過程中，他也給了下一代藝術家定義抽象表現主義對他們意味著什麼的許可。
特色圖片：山姆·弗朗西斯 - 無題，1962年，壓克力和水粉畫於紙上。© 山姆·弗朗西斯基金會
所有圖片僅用於說明目的
由 Barcio 作品
