لوحات تجريدية مشهورة غيرت الطريقة التي ندرك بها الفن

"ما الصور التي يمكن أن نمتلكها، قد يقول المرء، تعتمد على من يقوم بالتخيل." - جون هوسبرز، من مقدمة في التحليل الفلسفي

نحن نعتمد على الرؤى لفتح الأبواب المخفية، حتى نتمكن من لمحة أجزاء من العالم، وأجزاء من أنفسنا، التي قد تظل مخفية بخلاف ذلك. الرؤية هي تخصص الفنانين التجريديين، وعلى مدار أكثر من 100 عام، نجحت العديد من اللوحات التجريدية الشهيرة في توسيع رؤية الإنسانية. الرؤى الذين أنشأوا تلك الصور لم يمنحونا، نحن المشاهدين، هدية أشياء جديدة لنراها فحسب؛ بل قدموا لنا طرقًا جديدة تمامًا للرؤية.

اللوحات التجريدية الشهيرة: عشرينيات القرن العشرين – ثلاثينيات القرن العشرين

من المؤكد أن بعض اختياراتنا في هذه المقالة قد تكون مثيرة للجدل، حيث أنكل محب للفن التجريدي لديه أذواق مختلفة. لكن من المحتمل أن يتفق معظمهم مع اختيارنا الأول لـ اللوحات التجريدية التي غيرت الطريقة التي ندرك بها الفن. تعتبر لوحة فاسيلي كاندينسكي بدون عنوان (أول أكواريل تجريدي) التي تم رسمها في عام 1910، من قبل مؤرخي الفن، أول لوحة تجريدية بحتة. إن التصوير الجريء للبقع الملونة الزاهية، واللطخات، والخطوط يتجاوز كل مرجع بصري للواقع الموضوعي. هذه اللوحة حررت الفنانين من قيود الموضوع ودعت المشاهدين للتفاعل بطريقة جديدة تمامًا مع مفهوم ما يمكن أن تكون عليه الصورة.

فاسيلي كاندينسكي - غير مُعنون (أول أكواريلا تجريدية)، 1910. أكواريلا وحبر هندي وقلم رصاص على ورق. 19.5 × 25.5. مركز جورج بومبيدو، باريس

بعد أحد عشر عامًا في عام 1921، رسم بيت موندريان لوحته الأيقونية Tableau I. بعد فترة من الزمن قضاها في تجربة صوته الجديد الناشئ، رسخت Tableau I ما سيصبح أسلوب موندريان المميز. قدمت الخطوط السوداء القاسية وحقول الألوان المقسمة للمتلقين لمحة عن الهندسة المنقحة والدقة الرياضية. لم تشير الخطوط النظيفة ودقة العمل إلى أي شيء آخر غير الشكل واللون والخط. أدخل العمل أسلوبًا سيؤثر على أجيال من الرسامين والنحاتين والمعماريين والمصممين، ولا يزال يوجه المفكرين المبدعين اليوم.

بييت موندريان - تابلوه I، 1921. زيت على قماش. 96.5 سم × 60.5 سم. متحف لودفيغ، كولونيا، ألمانيا

في عام 1925، قام جوان ميرو بإذابة الحواجز بين التجريد والسريالية من خلال لوحته البقعة الحمراء. لم يعتبر ميرو نفسه تجريديًا. قال إنه عاد إلى منزله الصغير، جائعًا ومرهقًا، ورسم الصور التي رآها في رأسه. البقعة الحمراء تتأرجح على الخط الرفيع بين الشكل الإنساني، والتوتمات الحلمية، والتجريد الخالص. هناك شيء طفولي، ولكنه مروع، يختبئ داخل الصورة. مع هذا الجسم من العمل، فتح ميرو الباب أمام الأيقونية الخفية لكوابيسنا وأحلامنا.

جوان ميرو - البقعة الحمراء (La mancha roja)، 1925. زيت وطباشير على قماش. 146 × 114 سم. مجموعة متحف ناسيونال سنتر دي آرت رينا صوفيا. © مؤسسة جوان ميرو، برشلونة

اللوحات التجريدية الشهيرة: الثلاثينيات - الأربعينيات

بينما انحدر العالم الغربي إلى الاكتئاب والمجاعة والحرب للمرة الثانية في القرن العشرين، تم ترسيخ التجريد كقوة رئيسية في عالم الفن. كانت مجموعة رائعة من الأساليب تُستخدم من قبل الفنانين الذين يعملون في هذا الأسلوب، كل منهم يساهم في الجهود المتزايدة للتواصل مع شيء نقي، شيء حقيقي وشيء حر داخل الروح البشرية. في بريطانيا العظمى، وسع الرسام بن نيكولسون عمله التجريدي إلى مجموعة مما أسماه لوحات الإغاثة البيضاء. واحدة من أعماله المبكرة الأساسية، 1935 (إغاثة بيضاء)، كسرت أرضية بصرية جديدة، مما أسس نيكولسون كواحد من أهم الأصوات في التجريد الإنجليزي. كان نيكولسون صديقًا، وتأثر بالرسام بيت موندريان. وسعت أعمال الإغاثة البيضاء من استخدام موندريان للخطوط الحادة والزوايا الهندسية، مقدمة طبقات ثلاثية الأبعاد ولوحة أحادية اللون. تم إنشاء أولى لوحات الإغاثة البيضاء لنيكولسون في عام 1933، وبحلول الوقت الذي تم فيه إنشاء 1935 (إغاثة بيضاء)، كان قد رسخ أسلوبًا يجمع بين عناصر التجريد، والبنائية، والفن الخرساني، والذي يقترح البذور المبكرة لـالتقليلية والتجريد بعد الرسم.

في الطرف الآخر من الطيف خلال الثلاثينيات والأربعينيات كان هناك التعبيريون التجريديون، المعروفون أيضًا بمدرسة نيويورك. حيث رفضوا تمامًا الجغرافيا العقلانية والتقليل المكاني للفنانين مثل موندريان ونيكولسون، سعى التعبيريون التجريديون إلى الاتصال بالعاطفة البدائية في أعمالهم. لم يكن هناك تعبير تجريدي أكثر تأثيرًا ونجاحًا في تجسيد هذا الأسلوب من جاكسون بولوك.

كان بولوك، المعروف بأنه مدمن كحوليات وعصبي، مستوحى من التحليل النفسي للوصول إلى أعماق لاوعيه بحثًا عن الإلهام. استند عمله إلى الجسدية وصور التمائم اللاواعية لخلق تجسيدات عنيفة للقلق الحديث بعد الحرب. واحدة من أولى لوحات التنقيط لبولوك، فول فاثوم فايف، التي رسمت في عام 1947، غيرت الفن التجريدي إلى الأبد. هذا العمل هو مزيج من أسلوبه السابق في الرسم بالفرشاة وتقنيته الرؤيوية في التنقيط. يتضمن عملات معدنية، وأعقاب سجائر، وقطع عشوائية أخرى من استوديوه، مما يعكس مستوى من الملمس والعمق جديد تمامًا على التجريد. فول فاثوم فايف أدت إلى نقطة تحول في مسيرة بولوك، وغيرت علاقتنا مع القماش إلى الأبد.

جاكسون بولوك - فول فاثوم فايف، 1947. زيت على قماش مع مسامير، دبابيس، أزرار، مفتاح، عملات، سجائر، أعواد ثقاب، إلخ. 50 7/8 × 30 1/8 بوصة. © 2019 مؤسسة بولوك-كراسنر / جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك

لوحات تجريدية مشهورة: خمسينيات القرن العشرين

بحلول الخمسينيات، كانت التعبيرية التجريدية قد استحوذت بشكل راسخ على خيال عالم الفن. في كل مكان، كان الفنانون يسعون للتواصل مع الذات البدائية، والعقل اللاواعي، والصور الخفية لللاوعي. في خضم هذا الحماس، ظهرت اتجاه نحو الهدوء، ناتج جزئيًا عن اهتمام متزايد بين العديد من الفنانين بالفلسفات الشرقية مثل الطاوية وزن البوذية. واحدة من أعمق الحركات التي نشأت من هذه الفترة كانت أسلوب الرسم التجريدي المعروف باسم رسم حقول الألوان.

كان الهدف من "رسم مجال اللون"، كما أصبح مفهوماً بشكل عام، هو استكشاف اللون بشكل مستقل عن الموضوع، الشكل، الخط، وغيرها من قيود صنع الصورة. كان يسعى الرسامون إلى تحقيق جودة تأملية، وإذا نجحوا، تم نقلها لاحقاً من العمل إلى مشاهديه.

كان الرسام التجريدي هيلين فرانكثالر واحدًا من أعمق الأصوات في حركة حقول اللون. من خلال لوحتها الجبال والبحر، التي رسمت في عام 1952، قدمت فرانكثالر للعالم تقنية جديدة في الرسم اخترعتها تُسمى "عملية النقع والتلطيخ". في هذه العملية، استخدمت فرانكثالر التربنتين لتخفيف قوام ألوانها. قامت بصب الطلاء المخفف برفق على قماش غير مُعالج على الأرض، مما سمح للطلاء بالتشرب تمامًا عبر القماش، مما أعطى العمل نسيجًا ومظهرًا جديدًا تمامًا. خلقت عملية النقع والتلطيخ حقولًا رائعة من الألوان التي اتخذت تكوينات عضوية متغيرة تلامس السكون. تُعتبر لوحة الجبال والبحر لفرانكثالر واحدة من أولى النجاحات في حركة حقول اللون وتبقى واحدة من أكثر صورها جاذبية حتى اليوم.

هيلين فرانكنثالر - الجبال والبحر، 1952. زيت وفحم على قماش. 86 5/8 × 117 ¼ بوصة. © 2019 مؤسسة هيلين فرانكنثالر، إنك./جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك

ربما يكون الفنان الأكثر شهرة المرتبط بفناني مجال اللون هو مارك روثكو، وهو فنان رفض بشدة هذا، ومعظم التسميات الأخرى. عمل روثكو بالكامل مع اللون، ساعيًا لفتح بعد روحي يمكنه هو والمشاهدون من خلاله تجربة عمق المشاعر الإنسانية. على الرغم من تركيزه الكامل على اللون، إلا أن روثكو اعتبره مجرد وسيلة يمكن من خلالها تحقيق هذا الاتصال الروحي. واحدة من الأعمال المبكرة المحددة لروثكو كانت رقم 2، الأخضر، الأحمر والأزرق، التي تم رسمها في عام 1953. هذه القطعة تعتبر أيقونية لجسد أعمال روثكو المستقبلية، حيث تؤسس صوته كساكن فريد من نوعه في كل من عوالم الفن التجريدي والروحانية المتعالية.

مارك روثكو - رقم 2، الأخضر، الأحمر والأزرق، 1953. مجموعة خاصة

اللوحات التجريدية الشهيرة: الستينيات - السبعينيات

مع دخول التجريد إلى الستينيات والسبعينيات، كان العديد من الرسامين قد بدأوا بالفعل في رفض أفكاره الأساسية، والعودة إلى الشكل واستكشاف عالم الفن المفهومي. ومع ذلك، لا تزال قوة وضوح التجريد وحريةه تحمل وعدًا كبيرًا. واحدة من أكثر الأصوات السامية في هذه الفترة كانت الرسامة الأمريكية التجريدية أغنيس مارتن. معروفة برسوماتها ذات الشبكة المرسومة، تظل مارتن صوتًا أيقونيًا للفن التجريدي.

لوحة أغنيس مارتن Night Sea، التي أُنجزت في عام 1963، تُعتبر واحدة من أوائل الأمثلة على ما سيصبح أسلوبها المميز. في العمل، خلفية زرقاء شبه أحادية اللون تتقاطع مع نمط شبكة دقيق مرسوم بورق الذهب. يحتضن هذا العمل اللون، بينما يضع قوة متساوية على الخط. يحتضن البساطة بينما ينقل في الوقت نفسه اتساعًا وتعقيدًا وإحساسًا بالاعتماد المتبادل المتشابك. تحدثت مارتن عن كيف أن الخط، بالنسبة لها، يمثل البراءة. كانت تأمل أن يتم نقل شعور البراءة إلى المشاهدين من خلال عملها. كانت بساطة صورها، ووضوح العاطفة التي كانت تأمل في نقلها، أساسية في سد الفجوة بين التعبيرية التجريدية والتقليلية.

أغنيس مارتن - البحر الليلي، 1963. زيت وورق ذهب على قماش. 72 × 72 بوصة. © ملكية أغنيس مارتن / حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك

في السبعينيات، هز روبرت ماذرول العالم مرة أخرى من خلال تجريده بصوت بدا كأنه نقيض جاذبية الحد الأدنى. كانت إيماءاته البدائية والخشنة تنقل الطاقة والقوة والقلق في آن واحد. كان هناك قوة راسخة فيها ومع ذلك خرجت عواطف عميقة تجسد قوة وحرية التجريد الخالص.

جاء العمل المميز لماذرفيل في عام 1971، وكان يسمى "مرثية للجمهورية الإسبانية رقم 110". إن الطاقة الغاضبة لهذه اللوحة تحيط بالمشاهد وتبدو وكأنها تنفجر من على القماش. هناك حيوية صادمة فيها، وعدوانية تنقل العاطفة والغضب إلى الفضاء. في وقت اعتبر فيه العديد من الرسامين أن التجريد قد استنفد نفسه، حقن ماذرفيل قوة حياة جديدة قوية في هذا الأسلوب. ساعدت رؤيته الجديدة وصوته الواثق على استمرار التجريد، ولا يزال يلهم ويمكّن الفنانين التجريديين حتى يومنا هذا.

روبرت ماذرفيل - مرثية للجمهورية الإسبانية رقم 110، 1971. أكريليك مع جرافيت وفحم على قماش. 82 × 114 بوصة. متحف سولومون ر. غوغنهايم. روبرت ماذرفيل © مؤسسة ديدالوس، إنك./مرخصة من فاجا في جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك

تغيير تصورنا للمستقبل

يعود الفضل في فناني التجريد المعاصرين اليوم إلى كل من هؤلاء الفنانين، سواء من حيث الطرق التي سعوا بها إلى الحرية في أساليب تعبيرهم أو من حيث الطرق التي ساعدوا بها المشاهدين على فتح عقولهم لطرق جديدة للرؤية. يستمر التجريد في فتح أبواب جديدة لنا بينما نحاول فهم التعقيدات اللانهائية التي تقدمها لنا مجتمعنا المتطور. من خلال الاستفادة من أمثلة الفنانين التجريديين العظماء في الماضي، يمكن لفناني التجريد اليوم وغدًا أن يساعدونا على ترجمة قلقنا ومخاوفنا المعاصرة، ومساعدتنا على رؤية ما وراء حدود أعيننا.

الصورة المميزة: فاسيلي كاندينسكي - التركيب السابع، 1913. © فاسيلي كاندينسكي / حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك / ADAGP، باريس / إريك ليسينغ / آرت ريسورس، نيويورك
جميع الصور المستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بواسطة فيليب Barcio