لوحات تجريدية مشهورة غيرت الطريقة التي ندرك بها الفن
«ما الصور التي يمكننا امتلاكها، يمكن القول، يعتمد على من يتولى تخيلها.» - جون هوسبرز، من مقدمة في التحليل الفلسفي
نعتمد على أصحاب الرؤى لفتح أبواب خفية، حتى نلمح أجزاءً من العالم وأجزاءً من ذواتنا قد تظل مخفية لولا ذلك. فالرؤية هي اختصاص الفنانين التجريديين، وعلى مدى أكثر من 100 عام، نجحت العديد من اللوحات التجريدية الشهيرة في توسيع نظرة البشرية. ولم يهبنا أصحاب الرؤى الذين ابتكروا تلك الصور، نحن المشاهدين، هدية أشياء جديدة نراها فحسب؛ بل قدموا لنا طرقًا جديدة تمامًا للرؤية.
لا تقتصر هذه الإنجازات على تاريخ الفن. وإلى جانب كل فنان تاريخي نناقشه أدناه، نتناول عملًا متاحًا عبر IdeelArt يقترب من أسئلة ذات صلة بالخط أو الهندسة أو المادة أو اللون. هذه المقارنات دعوات إلى التأمل، وليست ادعاءات بتأثير مباشر: إذ يمنح كل فنان هذه الأسئلة المشتركة لغته الخاصة.
لوحات تجريدية شهيرة: عقدا 1910 و1920
لا شك أن بعض اختياراتنا في هذه المقالة قد تثير الجدل، إذ إن لكل محب للفن التجريدي أذواقًا مختلفة. لكن معظم الناس سيتفقون على الأرجح مع اختيارنا الأول من اللوحات التجريدية التي غيّرت طريقة إدراكنا للفن. رُسمت لوحة فاسيلي كاندينسكي بلا عنوان (أول لوحة مائية تجريدية) عام 1910، ويعتبرها مؤرخو الفن أول لوحة تجريدية خالصة. ويتخلى التصوير الجريء للبقع واللطخات والخطوط ذات الألوان الزاهية عن كل إحالة بصرية إلى الواقع الموضوعي. حررت هذه اللوحة الفنانين من قيود الموضوع، ودعت المشاهدين إلى التفاعل بطريقة جديدة تمامًا مع مفهوم ما يمكن أن تكون عليه الصورة.
فاسيلي كاندينسكي - بلا عنوان (أول لوحة مائية تجريدية) - 1910
مركز جورج بومبيدو، باريس
ماذا يحدث عندما لا يعود الخط واللون مضطرين إلى وصف شيء ما؟ في العين، تقدم Macha Poynder استجابة معاصرة: علامات ملتفة، وومضات مفاجئة من الأصفر والوردي، وطبقات متراكبة من الأزرق تخلق إيقاعًا بصريًا قلقًا. تجمع ممارستها بين الرسم التلقائي، والإيماءات الأدائية، والاختيارات اللونية الحدسية. وعند النظر إليها إلى جانب لوحة كاندينسكي المائية، توحي اللوحة بكيفية تحويل التجريد للنظر إلى تجربة نشطة، إذ تتبع العين العلاقات بدلًا من التعرف على موضوع.
وبعد أحد عشر عامًا، في عام 1921، رسم بيت موندريان لوحته الأيقونية Tableau I. وبعد فترة من التجريب بصوته الفني الجديد الناشئ، كرّست Tableau I ما سيصبح أسلوب موندريان المميز. وقد أتاحت الخطوط السوداء القاسية وحقول الألوان المقسّمة للمشاهدين لمحة عن هندسة منقّاة ودقة رياضية. ولم تُحِل الخطوط النظيفة ودقة العمل إلى أي شيء سوى الشكل واللون والخط. وأرست اللوحة أسلوبًا سيؤثر في أجيال من الرسامين والنحاتين والمهندسين المعماريين والمصممين، ولا يزال يوجّه أصحاب التفكير الإبداعي حتى اليوم.
بيت موندريان - Tableau I - 1921
متحف لودفيغ، كولونيا، ألمانيا
تدعو هندسة موندريان أيضًا إلى طرح سؤال ما زال مفتوحًا حتى اليوم: ما أقل قدر تحتاج إليه الصورة لكي تغيّر طريقة رؤيتنا؟ يسلك عمل Daniel Göttin Untitled 1, 2016 مسارًا مختلفًا في هذا المجال. وتُنشئ المساحات الرأسية السوداء والرمادية، التي تفصل بينها خطوط بيضاء، نمطًا منتظمًا تتبدل تبايناته عبر السطح. وبدلًا من تكرار لوحة ألوان موندريان المميزة، يستكشف Göttin النِّسب والتكرار والتماثل واللاتماثل. وتكمن الصلة في تجربة المشاهد للعلاقات: فالخط ليس مجرد حد، بل شيء يغيّر الحيز المحيط به.
في عام 1925، أذاب خوان ميرو الحواجز بين التجريد والسريالية في لوحته البقعة الحمراء (La mancha roja). لم يعتبر ميرو نفسه فنانًا تجريديًا. وقال إنه كان يعود إلى منزله الصغير جائعًا ومرهقًا، ثم يرسم الصور التي يراها في رأسه. وتقف البقعة الحمراء (La mancha roja) على الخط الرفيع بين التصوير المجسّم ذي الطابع البشري، والطواطم الشبيهة بالأحلام، والتجريد الخالص. ويتربص داخل الصورة شيء طفولي، لكنه مروّع. ومن خلال هذه المجموعة من الأعمال، فتح ميرو الباب على مصراعيه أمام الأيقونوغرافيا الخفية لكوابيسنا وأحلامنا.
خوان ميرو - البقعة الحمراء (La mancha roja) - 1925
مجموعة المتحف الوطني مركز الفنون رينا صوفيا.
© مؤسسة خوان ميرو، برشلونة
تحوم أشكال ميرو بين الرموز والمخلوقات المتخيلة والأشكال المستقلة. ويحرّك غموض مماثل عمل دانييلا Marin Medusae I، حيث تتشارك الأشكال المخططة والمنقطة والمتفرعة مساحة بيضاء مع تراكيب هندسية مفتوحة. وهي توحي بكائنات حية من دون أن تستقر على مشهد واحد يمكن تحديده. وتُدخل مفردات Marin الأشكال العضوية في حوار مع الهندسة الحضرية، مستندة إلى تجاربها ورحلاتها الخاصة. ويختلف تكوينها المشرق والواسع عن الأجواء المقلقة الموصوفة في لوحة ميرو، إلا أن كليهما يدعو المشاهد إلى الانتقال بين التعرّف والابتكار: فقد يبدو الشكل حيًا من دون أن يتحول إلى رسم توضيحي.
لوحات تجريدية شهيرة: ثلاثينيات القرن العشرين - أربعينيات القرن العشرين
بينما كان العالم الغربي ينحدر إلى الكساد والمجاعة والحرب للمرة الثانية في القرن العشرين، كان التجريد قد ترسّخ بقوة بوصفه قوة رئيسية في عالم الفن. وكانت مجموعة مذهلة من الأساليب تُستخدم على أيدي الفنانين العاملين بهذا النهج، إذ أسهم كل منها في الجهود المتنامية للتواصل مع شيء نقي، وشيء صادق، وشيء حر داخل الروح الإنسانية. في بريطانيا العظمى، وسّع الرسام بن نيكولسون أعماله التجريدية إلى مجموعة من الأعمال التي سمّاها لوحات النقش الأبيض. ومن بين هذه الأعمال نقش أبيض، كاي دوترُوي (1935)، وهو مثال على النهج الذي جعل من نيكولسون أحد أهم أصوات التجريد الإنجليزي. كان نيكولسون صديقًا للرسام بيت موندريان، وقد تأثر به. وقد وسّعت أعمال النقش الأبيض استخدام موندريان للخطوط ذات الحواف الحادة والحيّز الهندسي، فأدخلت التراكب البُعدي ولوحة لونية أحادية اللون. أُنشئت أولى لوحات النقش الأبيض لنيكولسون عام 1933، وبحلول عام 1935 كان قد رسّخ أسلوبًا جمع بين عناصر التجريد والبنائية والفن الملموس، وأوحى بالبذور المبكرة لـالتقليلية والتجريد ما بعد التشكيلي.
بن نيكولسون - نقش أبيض، كاي دوترُوي - 1935
متحف هيبوورث ويكفيلد
تجعل نقوش نيكولسون الحيّز نفسه جزءًا فاعلًا من التجريد، من خلال العلاقات بين المستويات والحواف والعمق. ويقدّم الرسام البريطاني Jeremy Annear حوارًا مقنعًا مع هذا الاهتمام في Construct (Red Disc and Triangle). تدور أشكال بيضاء ورمادية وترابية اللون متعددة الطبقات حول محيطات منحنية، بينما تضفي دائرة ومثلث أحمر اللون علامات بارزة على التكوين. يبني Annear لوحاته الزيتية عبر أشكال متراكبة وأس surfaces ذات ملمس؛ وهنا توحي تداخلاتها بحيّز مُنشأ لا موصوف. وعلى خلاف نقوش نيكولسون البيضاء، هذه لوحة ملوّنة، لكن السؤال المشترك هو كيف يمكن لمفردات محدودة من الأشكال أن تُرسّخ التوازن والتوتر والإحساس بالعمق.
على الطرف الآخر من الطيف خلال ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين كان التعبيريون التجريديون، المعروفون أيضًا باسم مدرسة نيويورك. وقد رفضوا رفضًا تامًا الجغرافيا العقلانية والاختزال المكاني لدى فنانين مثل موندريان ونيكلسون، وسعى فنانو التعبيرية التجريدية إلى التواصل مع المشاعر البدائية في أعمالهم. ولم يكن أي فنان تعبيري تجريدي أكثر تأثيرًا ونجاحًا في تجسيد هذا الأسلوب من جاكسون بولوك.
كان بولوك مدمنًا معروفًا على الكحول وعصابيًا، وقد استلهم التحليل النفسي ليستكشف أعماق لاوعيه بحثًا عن الإلهام. استند عمله إلى التجسيد وصور الطواطم اللاواعية ليقدّم تصويرات شرسة لقلق العصر الحديث في فترة ما بعد الحرب. وقد غيّرت لوحته خمسة قامات بحرية كاملة، التي رسمها عام 1947، الفن التجريدي إلى الأبد، وكانت إحدى أولى لوحاته بالتنقيط. يجمع هذا العمل بين أسلوبه المبكر بالفرشاة وتقنيته الرؤيوية بالتنقيط. ويتضمن عملات وأعقاب سجائر وأجزاء عشوائية أخرى من مرسمه، ما يضفي مستوى من الملمس والعمق لم يكن له مثيل في الفن التجريدي. شكّلت خمسة قامات بحرية كاملة نقطة تحول في مسيرة بولوك، وغيّرت إلى الأبد علاقتنا باللوحة القماشية.
جاكسون بولوك - خمسة قامات بحرية كاملة - 1947
© 2019 مؤسسة بولوك-كراسنر / جمعية حقوق الفنانين
تذكّرنا الأشياء المضمّنة في خمسة قامات بحرية كاملة بأن اللوحة يمكن أن تكون أكثر من مجرد صورة: فقد تكون تراكمًا ماديًا للأفعال والمواد. يستكشف Anthony Frost هذا الاحتمال من خلال عملية غريزية تجمع بين الرسم والكولاج. في ضغط السطح، تتقاطع مساحات زرقاء وبرتقالية خشنة الملمس مع شريحة حمراء بارزة، ما يجعل السطح نفسه جزءًا من التفاعل. يختلف استخدام Frost للمواد المعثور عليها والبناء المتعدد الطبقات اختلافًا حادًا عن القطرات المتشابكة لدى Pollock، لكن العملين يدعواننا إلى النظر إلى اللوحة بوصفها شيئًا يتكوّن من خلال التفاعل الجسدي، لا مجرد صورة مخططة مسبقًا.
لوحات تجريدية شهيرة: خمسينيات القرن العشرين
بحلول خمسينيات القرن العشرين، كان التعبيريون التجريديون قد هيمنوا بقوة على مخيلة عالم الفن. وفي كل مكان، كان الفنانون يسعون إلى التواصل مع الذات البدائية والعقل اللاواعي والصور الخفية للعقل الباطن. وفي خضم هذا الحماس، برز اتجاه نحو الهدوء، وُلد جزئيًا من تزايد اهتمام كثير من الفنانين بالفلسفات الشرقية مثل الطاوية والبوذية الزِنّية. ومن أبرز الحركات التي نشأت في تلك الفترة أسلوب في الرسم التجريدي عُرف باسم الرسم بالحقول اللونية.
كان الهدف من الرسم بالحقول اللونية، كما أصبح مفهومًا عمومًا، استكشاف اللون مستقلًا عن الموضوع والشكل والخط وسائر القيود التي يفرضها صنع الصورة. وقد سعى الرسامون إلى بلوغ طابع تأملي، وإذا نجحوا في ذلك انتقل هذا الطابع لاحقًا من العمل إلى مشاهديه.
كانت الرسامة التجريدية هيلين فرانكنثالر إحدى أبرز الأصوات في حركة الحقول اللونية. ومن خلال لوحتها الجبال والبحر، التي رسمتها عام 1952، قدّمت فرانكنثالر إلى العالم تقنية جديدة للرسم ابتكرتها، عُرفت باسم «عملية التلوين بالتشريب». في هذه العملية، استخدمت فرانكنثالر زيت التربنتين لتخفيف قوام ألوانها. وكانت تصب الطلاء المخفف برفق على قماش غير مُجهَّز مفرود على الأرض، ما يسمح للطلاء بالتشرب بالكامل عبر القماش، ويمنح العمل نسيجًا ومظهرًا جديدين تمامًا. أوجدت عملية التلوين بالتشريب حقولًا لونية سامية اتخذت تكوينات عضوية متحولة تلامس أجواء السكينة. وتُعد لوحة فرانكنثالر الجبال والبحر إحدى أولى النجاحات في حركة الحقول اللونية، ولا تزال حتى اليوم من أكثر صورها رسوخًا في الذاكرة.
هيلين فرانكنثالر - الجبال والبحر - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society
تفتح لوحة فرانكنثالر مساحة بين المشهد الطبيعي المتذكَّر وحقول الألوان المستقلة. تتناول غريت هيلسن هذه المساحة من خلال تجاربها الخاصة مع الطبيعة، مستندةً إلى انطباعات الضوء والشكل واللون بدلًا من الأوصاف الدقيقة. في ديناميش (ديناميكي)، تتحرك درجات الوردي والأزرق والليلكي الشفافة عبر سطح مفعم بالهواء، تقطعها خطوط داكنة رفيعة وبقع أعمق من اللون. تخفف هيلسن طلاء الأكريليك بعناية بحيث تظل الطبقات المتعاقبة مرئية. هذه ليست العملية نفسها التي اتبعتها فرانكنثالر في التلوين بالتشريب، لكن الجمع بين العملين يتيح لنا رؤية كيف يمكن للشفافية واللون السائل أن يوحيا بمشهد طبيعي من دون تصويره.
ربما يكون أشهر فنان ارتبط بفناني حقل اللون هو Mark Rothko، وهو فنان رفض ذلك التصنيف وغيره من التصنيفات بشدة أيضًا. عمل روثكو بالكامل بالألوان، ساعيًا إلى فتح مستوى روحي يمكنه والمشاهدين فيه اختبار عمق المشاعر الإنسانية. ورغم تركيزه الكامل على اللون، رفض روثكو اعتباره أكثر من مجرد وسيلة يمكن من خلالها تحقيق هذا التواصل الروحي. وكان أحد أعمال روثكو المبكرة البارزة هو No. 2, Green, Red and Blue، الذي رسمه عام 1953. وتُعد هذه القطعة أيقونية بالنسبة إلى أعمال روثكو اللاحقة، إذ رسّخت صوته بوصفه حضورًا مميزًا ومحببًا في عالمي الفن التجريدي والروحانية المتسامية.
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953
هل يمكن للون أن ينقل إحساسًا من دون أن يصف سببه؟ يربط هذا السؤال بين أعمال روثكو وEmotional Color Field 6 للفنانة Kyong Lee، رغم اختلاف لغتيهما البصريتين. ترتّب Lee أشرطة أفقية تنتقل من الأزرق والبنفسجي العميقين، مرورًا بالوردي والدرجات الفاتحة، وصولًا إلى البرتقالي والأحمر. وتعتمد طريقتها على مساحات مقاسة بعناية وانتقالات لونية تدريجية لاستكشاف التغيرات في الحالة العاطفية. فبينما تبدو أشكال روثكو ذات الحواف الناعمة وكأنها تحوم، تأتي تقسيمات Lee واضحة ومنظمة. ولا يدور الحوار هنا حول التشابه بقدر ما يدور حول كيفية تغيير لون واحد لتجربتنا مع اللون التالي، وكيف يمكن لهذه العلاقات أن تصبح لغة عاطفية.
لوحات تجريدية شهيرة: الستينيات - السبعينيات
مع دخول التجريد عقدي الستينيات والسبعينيات، كان كثير من الرسامين قد بدأوا بالفعل في رفض أفكاره الأساسية، والعودة إلى التصويرية واستكشاف عالم الفن المفاهيمي. ومع ذلك، ظلّت قوة وضوح التجريد وحريته تحمل وعودًا كبيرة. وكانت الرسامة الأمريكية التجريدية أغنيس مارتن إحدى أسمى الأصوات في هذه الفترة. وتظل مارتن، المعروفة بلوحاتها الشبكية ذات الخطوط، صوتًا أيقونيًا في الفن التجريدي.
تُعد لوحة أغنيس مارتن بحر الليل، التي أُنجزت عام 1963، واحدة من أقدم الأمثلة على ما سيصبح أسلوبها المميّز. في هذا العمل، تتقاطع خلفية زرقاء شبه أحادية اللون مع نمط شبكي دقيق مرسوم بورق الذهب. تحتفي اللوحة باللون، مع منح الخط قوة مماثلة. وهي تحتفي بالبساطة، فيما تنقل في الوقت نفسه اتساعًا وتعقيدًا وشعورًا بالترابط المتبادل المتشابك. تحدثت مارتن عن أن الخط كان يمثّل لها البراءة. وكانت تأمل أن ينتقل شعور البراءة إلى المشاهدين من خلال أعمالها. وقد أسهمت بساطة صورها ومباشرة الانفعال الذي كانت تأمل نقله إسهامًا أساسيًا في ردم الفجوة بين التعبيرية التجريدية والفن الأدنى.
Agnes Martin - بحر الليل - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society
تُظهر مفردات مارتن المتحفظة كيف يمكن لخط أن يستحوذ على انتباهنا من دون أن يصف شيئًا. ويقدّم عمل Richard Caldicott المعنون بلا عنوان، 2014 (Id.383) مواجهة مختلفة ومقتصدة مع الخط والفضاء. فعلى أرضية شاحبة، تنشئ خطوط داكنة رفيعة وأخرى أثقل بنية زاويّة مفتوحة بين مساحات حمراء وصفراء. وبدلًا من تكرار شبكة مارتن، يختزل Caldicott التكوين إلى بضع علاقات يصبح توازنها أكثر وضوحًا كلما نظرنا إليه. تستكشف أعماله المتسلسلة على الورق لغة معمارية بسيطة. ويدعو الجمع بين العملين إلى نوع أبطأ من الانتباه: ليس بحثًا عن موضوع، بل وعيًا بكيف تشكّل الفواصل والحواف والفضاء الفارغ تجربتنا.
في سبعينيات القرن العشرين، أحدث روبرت ماذرويل اضطرابًا في عالم التجريد مرة أخرى بصوت بدا كأنه نقيض لإغراء الحد الأدنى. كانت إيماءاته البدائية الوعرة تنقل الطاقة والقوة والقلق دفعة واحدة. اتسمت تلك الإيماءات بقوة رواقية، ومع ذلك برز منها انفعال عميق جسّد قوة التجريد الخالص وحريته.
جاء العمل المميّز لماذرويل عام 1971، وكان يحمل اسم «مرثية للجمهورية الإسبانية رقم 110». تغمر طاقة هذه اللوحة الغاضبة المشاهد، ويبدو أنها تكاد تنفجر خارج سطحها. تنبض بحيوية صادمة، وبنزعة عدوانية تنقل الانفعال والغضب إلى الفضاء. وفي وقت رأى فيه كثير من الرسامين أن التجريد قد استنفد إمكاناته، ضخّ ماذرويل قوة حياة جديدة ومؤثرة في هذا الأسلوب. وقد ساعدت رؤيته المتجددة وصوته الواثق التجريد على الاستمرار، ولا يزالان يلهمان الفنانين التجريديين ويمكّنانهم حتى يومنا هذا.
Robert Motherwell - مرثية للجمهورية الإسبانية رقم 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society
تُظهر مرثية Motherwell كيف يمكن للأشكال المتكررة والقوية أن تمنح اللوحة التجريدية ثقلاً عاطفياً. وتقترب بانك لـTommaso Fattovich من هذا الثقل عبر لغة أكثر تكسراً وتعددًا في الألوان. ترتفع مقاطع قائمة بالأسود والوردي والأخضر الفاتح والبرتقالي عبر أرضية خشنة بنية رمادية، وتحمل حوافها آثار إيماءات متعاقبة. يطوّر Fattovich تكويناته بحدس، مستجيباً للألوان والطبقات والخطوط والأشكال إلى أن تبدو الصورة مكتملة. وتتعلق المقارنة بالحضور المادي للعلامة، لا بتكافؤ الموضوع: فتجريد Fattovich المستوحى من المدينة لا يشترك في المعنى التاريخي المحدد لـمرثية Motherwell، لكنه يقدّم طريقة أخرى لمعاينة الإيماءة بوصفها حاملة للكثافة.
تغيير تصورنا للمستقبل
يدين الفنانون المعاصرون اليوم في مجال الفن التجريدي بالكثير لكل واحد من هؤلاء الفنانين، سواء بسبب الطرق التي سعوا بها إلى الحرية في أساليب تعبيرهم، أو بسبب الطرق التي ساعدوا بها المشاهدين على فتح عقولهم أمام أساليب جديدة للرؤية. ويواصل التجريد فتح أبواب جديدة أمامنا ونحن نحاول استيعاب التعقيدات اللامتناهية التي يطرحها مجتمعنا المتطور. ومن خلال الاستناد إلى أمثلة كبار الفنانين التجريديين في الماضي، يمكن للفنانين التجريديين في الحاضر والمستقبل، على أمل، أن يساعدونا على ترجمة مشاعر القلق والخوف المعاصرة لدينا، وأن يساعدونا على رؤية ما وراء حدود أعيننا.
تُظهر الأعمال الموضوعة في حوار مع هذه اللوحات التاريخية أن تلك الإمكانات لا تزال مفتوحة. فمن الخطوط القلقة لدى Poynder والأشكال العضوية المتخيلة لدى Marin، إلى المساحات المُنشأة لدى Göttin وAnnear، يتيح التجريد طرائق عديدة لإشراك العين. وتدفع أسطح Frost المادية، وألوان Helsen الشفافة، وتسلسلات Lee العاطفية، وبُنى Caldicott المقتصدة، وعلامات Fattovich القوية الحوارَ في اتجاهات مختلفة. وهي لا تستبدل الأعمال التاريخية ولا تكرر إنجازاتها. بل تدعونا إلى نقل ما تعلمناه إلى مواجهات جديدة، واكتشاف كيف يواصل التجريد تغيير الطريقة التي ننظر بها.
الصورة المميزة: Wassily Kandinsky - التكوين السابع، 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
جميع الصور مستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بقلم Phillip Barcio (2016) تحرير Francis Berthomier (2026)
