Et museum i Tasmanien samler grundlæggerne af Zero Kunstbevægelsen

Den australske kunstsamler og spilmagnat David Walsh åbnede for nylig en skelsættende udstilling af Zero kunstbevægelsen på sit Museum of Old and New Art (MONA) i Hobart, Tasmanien. Udstillingen, der hedder ZERO, viser værker af 16 kunstnere fra syv lande, hvoraf flere er blevet installeret for første gang siden deres debut for mere end et halvt århundrede siden. For at give besøgende endnu mere drama og flere grunde til at tage turen til dette afsidesliggende sted, er det miljø, hvor denne monumentale udstilling finder sted. MONA ligger for det meste under jorden. Bygningen er opført flere etager under et par vartegnsbygninger af den australske modernistiske arkitekt Roy Grounds. I modsætning til de fleste andre museer, som byder naturligt lys velkommen og bestræber sig på at få besøgende til at føle, at de er i et åbent, indbydende rum, er MONA klart unaturligt og til tider endda en smule uvenligt. Når man træder ind, går man ned i et noget fremmedartet miljø, hvor arkitekturens kraft ofte konkurrerer med den kunst, den er beregnet til at støtte. Alligevel får rummet også beskuerne til at søge trøst hos hinanden og hos værkerne. På en måde er omgivelserne ideelle til at fremvise Zero-kunstnernes værker, da de indkapsler to af deres væsentlige idéer: at kunst handler om muligheder og det ukendte, og at den bør involvere ægte oplevelser mellem mennesker, materialer og rum.

Frelse ved nul

Zero-bevægelsen blev grundlagt af Heinz Mack og Otto Piene i 1957 ud fra et ønske om at begynde forfra. Ligesom mange af deres samtidige stræbte Mack og Piene efter at flygte fra fortiden og komme væk fra det egoisme og den følelse, der havde fået overtaget i meget af datidens kunst. I Düsseldorf, hvor de boede og arbejdede, var der få kunstgallerier. Og andre steder gik markedets smag mod kunstværker, der udtrykte en slags ”individualitetskult”, eksemplificeret ved æstetiske positioner, der udtrykte personlig følelse, såsom Tachisme, Art Informel og Abstrakt ekspressionisme. Mack og Piene anså samarbejde for vigtigere end individualisme. De mente, at kunstens værdi lå i den oplevelse, den kunne skabe mellem skabere, beskuere, materialer og omgivelser. De følte, at det traditionelle, enkeltstående kunstnerfremstillede objekt var dødt, og de ønskede at sætte en ny begyndelse, hvorfra fremtiden kunne tage rod.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouetter), 1960’erne; genskabt i 2012. Samling More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Billede venligst udlånt af Museum of Old and New Art (Mona)

Mack og Piene holdt deres første udstilling af det, de anså for at være kunstens fremtid, den 11. april 1957 i deres atelier. Det var en enkelt-aftens begivenhed, der skulle favne det flygtige. Udstillingen vakte enorm interesse og blev hurtigt fulgt op af flere oplevelsesbaserede, enkelt-aftens udstillinger. Men det var først efter deres fjerde udstilling i september 1957, at de fandt på ordet Zero til at beskrive deres samarbejde. Ordet skulle formidle idéen om, at fortiden officielt var slut – det var et udgangspunkt for fremtiden. Som Piene beskrev det: ”Vi så på begrebet... som et ord, der angiver en zone af stilhed og rene muligheder for en ny begyndelse som ved nedtællingen, når raketter letter – nul er den umålelige zone, hvor den gamle tilstand bliver til den nye.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum (Flaskeknuserum), 1961; genskabt i 2018. Samling Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Copyright: Adolf Luther Stiftung. Billede venligst udlånt af Museum of Old and New Art (Mona)

ZERO, ikke Zero

På trods af bevægelsens åbenhed havde Mack og Piene én mærkelig påfund. De bestemte, at når man skrev om dem, skulle grundlæggerne omtales som ”Zero”, mens andre tilknyttede kunstnere skulle omtales som ”ZERO”. Derfor bruger udstillingen på MONA store bogstaver – fordi den hovedsageligt viser værker af det større internationale netværk af kunstnere, der knytter sig til filosofien. Ikke desto mindre gør ZERO på MONA det klart, at der ikke var nogen udenforstående i bevægelsen. Alle var velkomne. Der var intet Zero-manifest, og der var intet officielt medlemskab. Denne holdning resulterede i et stort spænd af værker skabt af ZERO-kunstnere, som denne udstilling viser ved genskabelsen af så skelsættende ZERO-værker som ”Flaskeknuserum” (1961) af Adolf Luther og ”Spejlmiljø” (1963) af Christian Megert. Bevægelsens imødekommende holdning vises også i denne udstilling ved inddragelsen af kunstnere fra mange andre internationale bevægelser, som Zero var med til at inspirere, såsom Gutai-gruppen i Japan, til Nouveau Realisme i Paris, til Lys og Rum i USA, til den internationale bevægelse kendt som Fluxus. Disse forbindelser vises ved sjældne værker af Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein og Yayoi Kusama, for eksempel, som fremhæver aspekter af deres praksis, der er meget anderledes end det, de mest er kendt for.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Samling Kern, Großmaischeid. Copyright: Roy Lichtensteins bo/Copyright Agency, 2018. Billede venligst udlånt af kunstneren og Museum of Old and New Art (Mona)

Et af de vigtigste aspekter ved denne udstilling er, at den genfokuserer nutidig opmærksomhed på behovet for at forny nutidig kunst. Selvom grundlæggerne af Zero officielt opløste bevægelsen i 1966, er den bevægelse, de startede, aldrig rigtig ophørt. Og denne udstilling antyder også noget endnu vigtigere: idéen om, at Zero-kunstbevægelsen måske aldrig rigtig begyndte. Det var måske ikke en bevægelse, der blev opfundet ét sted på ét tidspunkt, men var snarere en del af et meget større kontinuum, der strækker sig uendeligt tilbage til det første øjeblik, hvor mennesker ønskede at bruge visuelle fænomener til at række ud over sig selv mod noget rent og nyt. Værkerne i ZERO på MONA er så friske og så livskraftige, selv nu, at de får mig til at tro, at ZERO måske endda fortsætter i dag, når grupper af kunstnere samles for at samarbejde om æstetiske skabelser, der går ud over det forventede eller det allerede kendte. I dette øjeblik er denne udstilling og det budskab, den sender, afgørende. Den minder os om det centrale princip i Zero-kunsten: at kunst handler om oplevelser og relationer mellem mennesker, deres omgivelser og deres fælles bestræbelser på at forestille sig en bedre fremtid. ZERO på MONA kan ses frem til 22. april 2019.

Forsidebillede: Gianni Colombo - Spazio elastico (Elastisk rum), 1967–68. Samling Gianni Colombo Arkiv, Milano © Gianni Colombo Arkiv. Billede venligst udlånt af Museum of Old and New Art (Mona)

Af Phillip Barcio