Et museum i Tasmanien samler grundlæggerne af Zero Kunstbevægelsen

Den australske kunstsamler og spillemagnat David Walsh åbnede for nylig en markant udstilling af Zero kunstbevægelsen på sit Museum of Old and New Art (MONA) i Hobart, Tasmanien. Udstillingen, med titlen ZERO, præsenterer værker af 16 kunstnere fra syv lande, hvoraf flere er blevet installeret for første gang siden deres debut for mere end et halvt århundrede siden. For at give endnu mere drama til besøgende og mere incitament til at tage turen til dette fjerntliggende sted, er det miljø, hvori denne monumentale udstilling finder sted, også med til at skabe en særlig atmosfære. MONA ligger for det meste under jorden. Bygningen er konstrueret flere etager under et par markante bygninger designet af den australske modernistiske arkitekt Roy Grounds. I modsætning til de fleste andre museer, der byder på naturligt lys og stræber efter at få besøgende til at føle, at de er i et åbent, imødekommende rum, er MONA bestemt unaturlig og til tider endda en smule uvelkommen. Ved indgangen træder besøgende ned i et noget fremmedartet miljø, hvor arkitekturens kraft ofte konkurrerer med kunsten, den er beregnet til at støtte. Alligevel driver rummet også seerne til at søge trøst hos hinanden og fra værket. På en måde er indstillingen ideel til at fremvise arbejdet fra Zero-kunstnerne, da den indkapsler to af deres essentielle ideer: at kunst handler om muligheder og det ukendte, og at den bør involvere ægte oplevelser mellem mennesker, materialer og rum.

Gemt af Zero

Zero-bevægelsen blev grundlagt af Heinz Mack og Otto Piene i 1957 ud fra et ønske om at begynde forfra. Ligesom mange af deres samtidige stræbte Mack og Piene efter at undslippe fortiden og komme væk fra den egoisme og de følelser, der havde taget kontrol over så meget af kunsten i deres tid. I Düsseldorf, hvor de boede og arbejdede, var der få kunstgallerier. Og andre steder tenderede markedets smag mod kunstværker, der udtrykte en slags "kult af individualitet", epitomiseret af æstetiske positioner, der udtrykte personlig følelse, såsom Tachisme, Art Informel og Abstract Expressionism. Mack og Piene betragtede samarbejde som vigtigere end individualisme. De mente, at værdien af kunst lå i den oplevelse, den kunne fremkalde mellem skabere, seere, materialer og miljøer. De følte, at det traditionelle, enestående, kunstnerlavede objekt var dødt, og de ønskede at skabe et nyt udgangspunkt, hvorfra de kunne lade fremtiden tage rod.

Otto Piene - Pirouetter (Pirouettes), 1960'erne; genskabt i 2012. Samling More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Billede venligst udlånt af Museum of Old and New Art (Mona)

Mack og Piene holdt deres første udstilling af det, de betragtede som fremtiden for kunst, den 11. april 1957 i deres studie. Det var en en-aftens begivenhed, der havde til formål at omfavne ephemerality. Udstillingen genererede enorm interesse og blev hurtigt efterfulgt af flere andre oplevelsesrige, en-aftens udstillinger. Men det var først efter deres fjerde udstilling i september 1957, at de kom op med ordet Zero for at beskrive deres samarbejde. Ordet var ment til at formidle ideen om, at fortiden officielt var slut - det var et udgangspunkt for fremtiden. Som Piene beskrev det: “Vi så på termen... som et ord, der angiver en zone af stilhed og af rene muligheder for en ny begyndelse, som ved nedtællingen, når raketterne letter - nul er den ubegribelige zone, hvor den gamle tilstand bliver til den nye.”

Adolf Luther - Flaske-smadringsrum, (Bottle Smashing Room), 1961; genskabt i 2018. Samling Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Ophavsret: Adolf Luther Stiftung. Billede venligst udlånt af Museum of Old and New Art (Mona)

NUL, ikke nul

På trods af bevægelsens åbenhed havde Mack og Piene en mærkelig indbildning. De fastsatte, at når der skulle skrives om dem, skulle grundlæggerne omtales som "Zero", mens andre tilknyttede kunstnere skulle omtales som "ZERO". Det er derfor, udstillingen på MONA bruger store bogstaver - fordi den hovedsageligt præsenterer værker af det større internationale netværk af kunstnere, der associerer sig med filosofien. Ikke desto mindre, som ZERO på MONA gør klart, var der ingen udenforstående i bevægelsen. Alle var velkomne. Der var ingen Zero-manifest, og der var intet officielt medlemskab. Denne holdning resulterede i et væld af værker skabt af ZERO-kunstnere, som er legemliggjort i denne udstilling ved rekreationen af sådanne skelsættende ZERO-værker som "Bottle Smashing Room" (1961) af Adolf Luthor og "Mirror Environment" (1963) af Christian Megert. Den imødekommende holdning i bevægelsen demonstreres også i denne udstilling ved inkluderingen af kunstnere fra de mange andre internationale bevægelser, som Zero hjalp med at inspirere, såsom Gutai Group i Japan, til Nouveau Realism i Paris, til Light and Space i USA, til den internationale bevægelse kendt som Fluxus. At demonstrere disse forbindelser er sjældne værker af Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein og Yayoi Kusama, for eksempel, som fremhæver aspekter af deres praksis, der er meget forskellige fra det arbejde, de mest er kendt for.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Samling Kern, Großmaischeid. Ophavsret: Estate of Roy Lichtenstein/Ophavsretsagentur, 2018. Billede venligst udlånt af kunstneren og Museum of Old and New Art (Mona)

Et af de vigtigste aspekter ved denne udstilling er, at den genfokuserer den nutidige opmærksomhed på behovet for at forny nutidig kunst. Selvom grundlæggerne af Zero officielt opløste sig i 1966, er bevægelsen, de startede, aldrig rigtig endt. Og denne udstilling antyder også noget endnu vigtigere: idéen om, at måske begyndte Zero kunstbevægelsen aldrig rigtig. Det var måske ikke en bevægelse, der blev opfundet ét sted på ét tidspunkt, men var faktisk en del af et meget større kontinuum, der strækker sig tilbage uendeligt, til det første øjeblik, hvor mennesker ønskede at bruge visuelle fænomener til at række ud over sig selv mod noget rent og nyt. Værkerne i ZERo på MONA er så friske og så vitale, selv nu, at de inspirerer mig til at tro, at ZERO måske endda fortsætter i dag, når grupper af kunstnere samles for at samarbejde om æstetiske kreationer, der går ud over det forventede eller det, der allerede er kendt. På dette tidspunkt er denne udstilling og den besked, den sender, faktisk essentiel. Den minder os om den centrale grundsætning i Zero kunst: at kunst handler om oplevelser og relationer mellem mennesker, deres miljø og deres samarbejdsindsats for at forestille sig en bedre fremtid. ZERO på MONA kan ses indtil 22. april 2019.

Fremhævet billede: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastic Space), 1967–68. Samling Gianni Colombo Arkiv, Milano © Gianni Colombo Arkiv. Billede venligst udlånt af Museum of Old and New Art (Mona)

Af Phillip Barcio