Abstraktion i fotografi af László Moholy-Nagy

I dag er fotografi allestedsnærværende. Kameraer er indlejret i milliarder af elektroniske enheder, og det er svært at forestille sig et emne, der ikke er blevet grundigt udforsket ad nauseam i fotografier. Men hvad er status for fotografi som abstrakt kunst? I 1925 klagede den ungarske kunstner og Bauhaus-professor László Moholy-Nagy over, at selvom fotografi havde eksisteret i mere end 100 år på det tidspunkt, brugte kunstnere det til lidt mere end reproduktion af virkeligheden. Han sagde: “det samlede resultat indtil nu beløber sig til lidt mere end en visuel encyklopædisk præstation.” Han kaldte de fleste fotografier intet andet end et “standsende øjeblik fra den bevægende fremvisning.” Nu, næsten 100 år senere, bruger vi stadig primært fotografi til reproduktion, ikke produktion. I Maling, Fotografi, Film, hans banebrydende bog om emnet, prædikede Moholy-Nagy i lang tid om de mange andre muligheder, fotografi kunne love kunstnere, der var villige til at forfølge dets abstrakte potentiale. For ham var det vigtigste blandt disse muligheder potentialet for fotografi til at skabe “nye relationer mellem det kendte og det endnu ukendte.” Moholy-Nagy mente, at vi er bedst, når alle vores biologiske systemer arbejder i syntese med hinanden, og at det, der er integreret i denne tilstand af total funktionalitet, er inkorporeringen af en regelmæssig strøm af nye sanseoplevelser. For kunstnere betyder det, at det største bidrag, man kan give til hævningen af menneskeheden, er at tilbyde nye sanseoplevelser; ikke blot ved at efterligne eller fotografere, hvad der allerede eksisterer, men snarere ved at tilbyde perspektiver på, hvordan man kan se verden på ny.

Det Personlige og det Universelle

Kunst er ikke et emne, man let kan generalisere om, fordi næsten hver kunstner stræber efter originalitet. Uden for de øjeblikke, hvor en gruppe kunstnere underskriver et manifest, der præcist beskriver, hvad de laver, er det næsten umuligt at samle kunstnere i en bevægelse eller et bestemt synspunkt. Ikke desto mindre er det lejlighedsvis korrekt at sige, at en fælles tendens blev eller bliver vedtaget af en bestemt gruppe kunstnere, og at tale generelt om, hvad den tendens synes at være. (Hvis det lyder som en forbehold, er det fordi, det er.) To af de mest almindeligt generaliserede tendenser, der synes at forekomme inden for abstrakt kunst, er tendensen mod æstetiske udtryk, der er personlige, og tendensen mod æstetiske udtryk, der er universelle.

Personlige udtryk er generelt noget subjektive eller tvetydige; universelle udtryk er generelt objektive eller entydige. Disse to tendenser manifesterede sig på en distinkt måde blandt mange af de tidlige modernistiske abstrakte kunstnere. På den ene side var der kunstnere som Kazimir Malevich og Piet Mondrian, som tilsluttede sig en geometrisk, objektiv sans. På den anden side var der kunstnere som Wassily Kandinsky og Paul Klee, der søgte at udtrykke deres personlige søgen efter det åndelige. Dette er en oversimplificering, men en måde at sige det på er, at den ene side var følelsesmæssig, og den anden side var praktisk. Men alle håbede at opnå noget universelt værdifuldt, selvom deres perspektiver var ret forskellige, og deres tilgange ofte var diametralt modsatte.

László Moholy-Nagy- Unsere Grossen, 1927. © László Moholy-Nagy Foundation

Sort og hvid

Indtil han næsten lå på sin dødsleje, var László Moholy-Nagy fast på de praktiske kunstneres side. En historie om ham hævder, at han nær døden afsvor sin foragt for følelsesladet kunst og annoncerede vigtigheden af subjektivitet. Men da han var mest indflydelsesrig, mens han var på Bauhaus og mens han var engageret i fotografi, var han så entydig som de kommer. Hans sindstilstand var, at kunstnere skulle bruge fotografi i overensstemmelse med dets objektive funktion som et medium. Den funktion, som han formulerede, er evnen til at formidle chiaroscuro.

Chiaroscuro er skildringen af lys- og mørkekvaliteter i et maleri. Malerier med ekstreme forskelle mellem skygge og lys siges at indeholde en høj grad af chiaroscuro. László Moholy-Nagy opfattede fotografi som et medium, der primært beskæftiger sig med lys, og betragtede det derfor som det ultimative medium til at skildre chiaroscuro. Han så dette som den højeste anvendelse af mediet, og mange af hans tidligste abstrakte fotografier var beregnet som rene, formelle kompositioner af hvid, sort og nuancer af grå. Disse billeder bliver abstrakte, når vi fokuserer på chiaroscuro, fordi vi anerkender, at det objekt, der fotograferes, ikke er emnet, men at emnet er en idé, i dette tilfælde idéen om lyshed og mørke.

László Moholy-Nagy - Untitled, Photogram, Dessau, 1925-8. © László Moholy-Nagy Foundation

The Mystic Mundane

Udover chiaroscuro identificerede László Moholy-Nagy også flere andre unikke abstrakte kvaliteter, som han mente var iboende i fotografi, og som han søgte at udtrykke i sit arbejde. En af dem er evnen til at forvandle noget almindeligt til noget magisk gennem manipulation af formelle elementer som eksponering og komposition. Rundt omkring os eksisterer billeder, som, hvis vi kunne se dem fra en bestemt vinkel, ville vi værdsætte deres surrealistiske, drømmeagtige eller endda mystiske æstetiske egenskaber. Men vores sande oplevelse af verden begrænser vores perspektiv og hæmmer os i at vælge, hvad vi ser, og hvordan vi ser det.

Et kamera ser i sagens natur virkeligheden fra et redigeret synspunkt. Det kan fryse et øjeblik og strække det ud i tid for evigt. Fotografi udnytter også det faktum, at det menneskelige sind instinktivt opfatter alt, hvad øjet ser i et fotografi, som virkelighed. Selvom et fotografi kun viser os et delvist billede af verden, et der er blevet manipuleret af kunstneren, fortolker vores sind det stadig som sandt. Dette kan få noget velkendt til at virke ukendt, eller omvendt, og den mærkelige oplevelse kan skabe en følelse af, at det, vi ser, på en eller anden måde transcenderer det naturlige.

László Moholy-Nagy - Portrait of a Child, 1928. © László Moholy-Nagy Foundation

Bevidst Mangfoldighed

En anden potentielt abstrakt kvalitet i fotografi er den evne, kunstneren har til at bruge mediet til at skabe multiplicitet. László Moholy-Nagy opnåede multipler på forskellige måder i sine fotografier. Nogle gange eksponerede han et negativ flere gange, hvilket skabte kompositioner, der indeholdt samtidige forskellige perspektiver på et enkelt emne; meget lig en kubistisk maleri. Andre gange lavede han et print, der indeholdt multipler af det samme billede, hvilket resulterede i mærkelige kompositioner af gentagne identiske objekter.

Når vi ser på disse billeder, kæmper vores sind for at identificere, hvad det skal betragte som emnet. Er emnet det genkendelige billede af en person eller et objekt? Skal vi ignorere det faktum, at der er flere billeder eller flere perspektiver? Eller er emnet ideen om gentagelse? I virkeligheden er emnet det faktum, at vi ikke kender emnet. Det er den abstrakte repræsentation af det stadig ukendte.

László Moholy-Nagy - The Law of Series, 1925. © László Moholy-Nagy Foundation

Sandhed Gennem Forvrængning

Perspektiv kan være det mest magtfulde abstrakte værktøj, en fotograf besidder. Et fotografi giver hele verden mulighed for at se, hvad et enkelt kamera kan se. På en måde forstærker perspektiv fotografiets evne til at vise os virkeligheden. For eksempel, i sit berømte fotografi Balconies, giver Moholy-Nagy os et nyt perspektiv på den harmoniske komposition af objekter i den virkelige verden ved at fange den geometriske komposition af arkitektur i sollyset. Dette er den visuelle sandhed om vores ordnede, geometriske miljø, da vores begrænsede syn ikke tillader os at se det.

I en anden forstand forstærker perspektivet evnen til et fotografi til at forvrænge virkeligheden. I sit fotografi kaldet Berlin Radio Tower viser Moholy-Nagy os et synspunkt, der er så subjektivt, at det næsten er kitsch. Dette er vores verden, som vi sandsynligvis aldrig vil se i virkeligheden, eller har brug for at se. Dette er virkeligheden, men ikke vores hverdagens virkelighed. Vi kan værdsætte fotografiet udelukkende i forhold til dets objektive emne, eller vi kan værdsætte dets kompositionselementer, adskilt fra ethvert personligt ansvar for indholdet. Eller vi kan fortolke emnet som den abstrakte idé om vores sædvanlige manglende evne til at se et bredere perspektiv på vores verden.

László Moholy-Nagy - Balconies (Left), and László Moholy-Nagy - Berlin Radio Tower (Right). © László Moholy-Nagy Foundation

Nye måder at se på

Mange af de fotografier, László Moholy-Nagy skabte, synes forvrængede, skjulte eller bevidst abstrakte. Men han definerede dem ikke ud fra disse egenskaber. Han så kameraet som et værktøj, gennem hvilket en forhøjet, universel virkelighed kunne udtrykkes. Men for at udtrykke den forhøjede virkelighed mente han, at kameraet skulle bruges “i overensstemmelse med dets egne love og dets eget karakteristiske væsen.”

Han definerede fotografiets karakteristiske træk som noget, der er både objektivt og abstrakt. Fotografi fanger virkeligheden, men begrænser ikke altid sit emne til den virkelighed, det fanger. I stedet drejer emnet sig om begreberne lys og mørke, perspektivets mysterium, evnen til at fryse bevægelse og magten til at udvide tid. Gennem sit arbejde viste Moholy-Nagy, hvordan abstrakte fotografier ikke nødvendigvis er forvrængninger, men snarere i hænderne på en visionær kunstner kan være, "En invitation til at genoverveje vores måde at se på."

Fremhævet billede: László Moholy-Nagy - Komposition Z VIII, 1924. © László Moholy-Nagy Fond
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio