Abstraktion i fotografi af László Moholy-Nagy

I dag er fotografi allestedsnærværende. Kameraer er indlejret i milliarder af elektroniske apparater, og det er svært at forestille sig et emne, der ikke er blevet grundigt udforsket til døde i fotografier. Men hvad er fotografiets status som abstrakt kunst? I 1925 klagede den ungarske kunstner og Bauhaus-professor László Moholy-Nagy over, at selvom fotografiet på det tidspunkt havde eksisteret i mere end 100 år, brugte kunstnere det til lidt mere end gengivelse af virkeligheden. Han sagde: „det samlede resultat hidtil udgør ikke meget mere end en visuel encyklopædisk bedrift.“ Han kaldte de fleste fotografier for intet andet end et „fastfrosset øjeblik fra den bevægelige forestilling.“ Nu, næsten 100 år senere, bruger vi stadig primært fotografi til gengivelse, ikke til skabelse. I Maling, Fotografi, Film, hans banebrydende bog om emnet, udtalte Moholy-Nagy sig længe om de mange andre muligheder, fotografiet kunne tilbyde kunstnere, der var villige til at forfølge dets abstrakte potentiale. For ham var den vigtigste mulighed fotografiets evne til at skabe „nye forbindelser mellem det kendte og det endnu ukendte.“ Moholy-Nagy mente, at vi er bedst, når alle vores biologiske systemer arbejder i samklang med hinanden, og at en integreret del af denne tilstand af fuld funktionalitet er indførelsen af en regelmæssig strøm af nye sanseindtryk. For kunstnere betyder det, at det største bidrag, man kan yde til menneskehedens ophøjelse, er at tilbyde nye sanseoplevelser; ikke blot ved at efterligne eller fotografere det, der allerede findes, men ved at tilbyde nye perspektiver på, hvordan verden kan ses på ny.

Det Personlige og det Universelle

Kunst er ikke et emne, man let kan generalisere om, fordi næsten hver kunstner stræber efter originalitet. Uden for de øjeblikke, hvor en gruppe kunstnere underskriver et manifest, der beskriver præcis, hvad de gør, er det næsten umuligt at samle kunstnere i en bevægelse eller et bestemt synspunkt. Ikke desto mindre er det lejlighedsvis korrekt at sige, at en fælles tendens blev eller bliver taget til sig af en bestemt gruppe kunstnere, og at tale generelt om, hvad denne tendens synes at være. (Hvis det lyder som en forbehold, er det fordi det er det.) To af de mest almindeligt generaliserede tendenser, der synes at forekomme inden for abstrakt kunst, er tendensen mod æstetiske udtryk, der er personlige, og tendensen mod æstetiske udtryk, der er universelle.

Personlige udtryk er generelt noget subjektive eller tvetydige; universelle udtryk er generelt objektive eller entydige. Disse to tendenser viste sig på en tydelig måde hos mange af de tidlige modernistiske abstrakte kunstnere. På den ene side var kunstnere som Kazimir Malevich og Piet Mondrian, der fremhævede en geometrisk, objektiv sanselighed. På den anden side var kunstnere som Wassily Kandinsky og Paul Klee, der søgte at udtrykke deres personlige søgen efter det åndelige. Dette er en forenkling, men en måde at sige det på er, at den ene side var følelsesbetonet, og den anden side var praktisk. Men alle håbede på at opnå noget universelt værdifuldt, selvom deres perspektiver var ganske forskellige, og deres tilgange ofte diametralt modsatte.

László Moholy-Nagy- Unsere Grossen, 1927. © László Moholy-Nagy Foundation

Sort og Hvid

Indtil han næsten lå for døden, stod László Moholy-Nagy fast på den praktiske kunstners side. En historie om ham hævder, at han nær døden opgav sin foragt for følelsesladet kunst og erklærede subjektivitetens betydning. Men da han var mest indflydelsesrig, mens han var ved Bauhaus og engageret i fotografi, var han så entydig, som man kan være. Hans sindelag var, at kunstnere skulle bruge fotografi i overensstemmelse med dets objektive funktion som medium. Den funktion, som han udtrykte det, er evnen til at formidle chiaroscuro.

Chiaroscuro er skildringen af lys og skygge i et maleri. Malerier med ekstreme forskelle mellem skygge og lys siges at indeholde en høj grad af chiaroscuro. László Moholy-Nagy opfattede fotografiet som et medium, der primært beskæftiger sig med lys, og betragtede det derfor som det ultimative medium til at skildre chiaroscuro. Han så dette som den højeste anvendelse af mediet, og mange af hans tidligste abstrakte fotografier var tænkt som rene, formelle kompositioner af hvid, sort og gråtoner. Disse billeder bliver abstrakte, når vi fokuserer på chiaroscuro, fordi vi erkender, at det fotograferede objekt ikke er motivet, men at motivet er en idé, i dette tilfælde idéen om lys og mørke.

László Moholy-Nagy - Untitled, Photogram, Dessau, 1925-8. © László Moholy-Nagy Foundation

Det Mystiske Hverdagsliv

Ud over chiaroscuro identificerede László Moholy-Nagy også flere andre unikke abstrakte kvaliteter, som han mente var iboende i fotografiet, og som han søgte at udtrykke i sit arbejde. En af dem er evnen til at forvandle noget almindeligt til noget magisk gennem manipulation af formelle elementer som eksponering og komposition. Overalt omkring os findes billeder, som, hvis vi kunne se dem fra et bestemt perspektiv, ville vi værdsætte for deres surrealistiske, drømmende eller endda mystiske æstetiske egenskaber. Men vores sande oplevelse af verden begrænser vores perspektiv og hindrer os i at vælge, hvad vi ser, og hvordan vi ser det.

Et kamera ser i sin natur virkeligheden fra et redigeret synspunkt. Det kan fryse et øjeblik og forlænge det for evigt i tiden. Fotografiet udnytter også det faktum, at menneskesindet instinktivt opfatter alt, øjet ser på et fotografi, som virkelighed. Selvom et fotografi kun viser os et delvist udsyn til verden, som er blevet manipuleret af kunstneren, fortolker vores sind det stadig som sandt. Dette kan få noget velkendt til at virke uvant, eller omvendt, og denne uhyggelige oplevelse kan skabe en følelse af, at det, vi ser, på en eller anden måde overskrider det naturlige.

László Moholy-Nagy - Portræt af et barn, 1928. © László Moholy-Nagy Foundation

Opmærksom Mangfoldighed

En anden potentielt abstrakt kvalitet i fotografiet er kunstnerens evne til at bruge mediet til at skabe mangfoldighed. László Moholy-Nagy opnåede mangfoldighed på forskellige måder i sine fotografier. Nogle gange eksponerede han en negativ flere gange og skabte kompositioner, der indeholdt samtidige forskellige perspektiver på et enkelt motiv; meget ligesom et kubistisk maleri. Andre gange lavede han et tryk, der viste flere af det samme billede, hvilket resulterede i mærkelige kompositioner af gentagne identiske objekter.

Når vi ser på disse billeder, kæmper vores sind for at identificere, hvad det skal betragte som motivet. Er motivet det genkendelige billede af en person eller et objekt? Skal vi ignorere faktumet, at der er flere billeder eller flere perspektiver? Eller er motivet idéen om gentagelse? I sandhed er motivet det faktum, at vi ikke kender motivet. Det er den abstrakte repræsentation af det endnu ukendte.

László Moholy-Nagy - Serienes lov, 1925. © László Moholy-Nagy Foundation

Sandhed gennem Forvrængning

Perspektiv er måske det mest magtfulde abstrakte redskab, en fotograf besidder. Et fotografi giver hele verden mulighed for at se, hvad et enkelt kamera kan se. På den ene side forstærker perspektivet fotografiets evne til at vise os virkeligheden. For eksempel i hans berømte fotografi Altaner giver Moholy-Nagy os et nyt perspektiv på den harmoniske sammensætning af objekter i den virkelige verden ved at fange den geometriske komposition af arkitektur i sollyset. Dette er den visuelle sandhed om vores ordnede, geometriske omgivelser, som vores begrænsede syn ikke tillader os at se.

På den anden side forstærker perspektivet fotografiets evne til at forvride virkeligheden. I hans fotografi kaldet Berlin Radiotårn viser Moholy-Nagy os et synspunkt så subjektivt, at det næsten er kitschet. Dette er vores verden, som vi sandsynligvis aldrig vil se den i virkeligheden, eller behøver at se den. Dette er virkelighed, men ikke vores daglige virkelighed. Vi kan værdsætte fotografiet udelukkende ud fra dets objektive motiv, eller vi kan værdsætte dets kompositoriske elementer, adskilt fra ethvert personligt ansvar for indholdet. Eller vi kan tolke motivet som den abstrakte forestilling om vores sædvanlige manglende evne til at se et bredere perspektiv på vores verden.

László Moholy-Nagy - Altaner (venstre), og László Moholy-Nagy - Berlin Radiotårn (højre). © László Moholy-Nagy Foundation

Nye Måder at Se På

Mange af de fotografier, László Moholy-Nagy skabte, virker forvrængede, slørede eller bevidst abstraherede. Men han definerede dem ikke ud fra disse egenskaber. Han så kameraet som et redskab, hvorigennem en forhøjet, universel virkelighed kunne udtrykkes. Men for at udtrykke denne forhøjede virkelighed mente han, at kameraet måtte bruges „i overensstemmelse med dets egne love og dets egen karakteristiske natur.“

Han definerede fotografiets karakteristiske natur som noget både objektivt og abstrakt. Fotografiet fanger virkeligheden, men begrænser ikke altid sit motiv til den virkelighed, det fanger. I stedet drejer motivet sig om begreberne lys og mørke, perspektivets mysterium, evnen til at fryse bevægelse og magten til at forlænge tid. Gennem sit arbejde viste Moholy-Nagy, hvordan abstrakte fotografier ikke nødvendigvis er forvrængninger, men snarere i hænderne på en visionær kunstner kan være „en invitation til at genoverveje vores måde at se på.“

Fremhævet billede: László Moholy-Nagy - Komposition Z VIII, 1924. © László Moholy-Nagy Foundation
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio