Bag Joan Snyders transcenderende praksis

Joan Snyder har opnået noget, som få kunstnere gør: hun er blevet en ikon. Normalt skal en kunstner fokusere på en enkelt stil, en enkelt teknik eller en enkelt signaturmetode for at blive betragtet som ikonisk. Jackson Pollock er en ikon på grund af sine splattermalerier; Georgia O’Keeffe er en ikon på grund af sine blomsterbilleder; Mark Rothko er en ikon på grund af sine Color Field-malerier; Yves Klein er en ikon på grund af sin signaturbrug af "IKB Blue." Listen kunne fortsætte i det uendelige. Hvad der gør Snyder til et perfekt ikon for vores tid, er imidlertid, at hun ikke er kendt for én specifik ting. Hun har gjort en dyd ud af ikke at lave nogen bestemt type arbejde eller anvende nogen bestemt metode eller teknik. Siden hun først fik anerkendelse for sit arbejde i slutningen af 1960'erne, har hun kontinuerligt udviklet sin praksis. Hver maleri, hun laver, får sin egen logik, defineret af fortiden kun i det omfang, den er informeret af den. Snyder besidder en iboende sympatisk form for intuition, en der i nogle kredse kunne opfattes som visdom eller oplysning, men som i virkeligheden mere ligner ydmyghed. Hun omfavner det, der var, accepterer dens indflydelse over det, der er, og lader ikke som om hun ved, hvad der vil komme. Den holdning holder hende forsigtigt optimistisk på trods af den lidelse, hun har gennemgået, og den holder hendes malerier uendeligt friske. Seerne vil aldrig kunne forudse, hvad Snyder vil gøre næste gang i sit studie, fordi hun selv ikke rigtig ved det. Selvom hun planlægger og skitserer og ivrigt nedskriver idéer, siger hun, at hendes malerier faktisk er mere som jazz—"de sker bare." Snyder transcenderer enhver forsøg på at mærke hendes arbejde ved at nægte at begrænse det. Hun forbliver åben, ærlig og fri. I modsætning til de fleste andre ikoniske kunstnere, der bliver fanget af en eller anden vedtaget sandhed pålagt dem af historien eller markedet, er Snyder et ikonisk eksempel på en kunstner, der ved, at hun kun skal være tro mod sig selv.

Den Første Maximalist

Hvis der er ét ord, som Snyder måske risikerer at blive mærket med, ville det være termen "Maximalist." Født i 1940, fik hun sin kandidatgrad i kunst i 1966 fra Rutgers University, et par miles fra hvor hun voksede op i Highland Park, New Jersey. Kunstverdenen på det tidspunkt flirtede med et lille antal distinkte bevægelser: Pop Art, Op Art, den anden bølge af Abstract Expressionism, konceptkunst, performancekunst. Men uden tvivl var den mest dominerende fremvoksende trend Minimalisme. Kunstnere som Donald Judd, Sol Le Witt og Frank Stella forbløffede øjnene og sindene hos kunstentusiaster med deres nedskårne, usentimentale kompositioner. For mange seere, kuratorer og forhandlere syntes deres arbejde at være det perfekte modgift mod to årtier med følelsesladede værker af kunstnere, der var fast besluttet på at udtrykke hver eneste af deres inderste underbevidste følelser.

Joan Snyder - Kan vi omdanne vores vrede til poesi, 1985. Farvelithografi på Rives BFK papir. 30 1/4 × 44 1/4 tommer; 76,8 × 112,4 cm. Udgave Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder

Snyder så disse minimalister og satte pris på strukturen og selvtilliden i deres arbejde. Men hun indså også, at deres arbejde ikke havde noget at gøre med hende personligt. For den sags skyld mente hun ikke, at nogen af de andre bevægelser havde noget at gøre med hende heller. Hun opfattede alle disse kunstbevægelser som værende udviklet ud af et patriarkalsk kunstmarked og et skævt, ufuldstændigt, mandefokuseret syn på kunsthistorie. Hun vidste ikke præcist, hvilken type malerier hun ønskede at lave, men hun vidste, at uanset hvad hun malede, ville det være tro mod sig selv. De første malerier, hun lavede efter skolen, var maleriske udforskninger af gitterets sprog. Derefter kom en serie af de såkaldte "Stroke"-malerier, som kortlagde det visuelle sprog af penselstræk. Begge var forsøg på at opbygge en personlig syntaks, som hun kunne kommunikere lagdelte, komplekse personlige fortællinger med. I mellemtiden var det én ting, hun fokuserede på over alt andet, at putte mere og mere ind i arbejdet, indtil det sagde, hvad hun ønskede, det skulle sige. Hun siger: "Min hele idé var at have mere, ikke mindre i et maleri." Hendes tilgang blev kaldt "Maximalisme."

Joan Snyder - Efterårssang, 2002. Olie og blandede medier på lærred. 50 × 96 tommer; 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder

En arv af kamp

Snyder har nogle gange sammenlignet sine værker med symfonier. Uden tvivl kan blandingen af impasto-lag, affald, dryp og globulære former i malerier som "Amor Matris" (2015) eller "Symphony VII" (2014) læses som visuel musik, der venter på at blive oversat af det plagede instrument i vores ånder. Alligevel deler disse malerier også noget til fælles med episk litteratur. Fortællinger udfolder sig, drevet fremad af den intense mørke og lys i farverne og tonerne. Rå, primale former erklærer sig selv for at have karakter og stolthed; deres kamp for at blive noget mere præsenterer en formidable udfordring for vores øjne og sind. De ord, Snyder introducerer til malerier som "Powdered Pearls" (2017) - nogle gange ved at skrive dem og nogle gange ved at ridse dem ind i mediet - guider vores tanker og vores humør. I sidste ende har de sange, vi hører, eller de historier, vi læser i disse billeder, mere at gøre med vores egen indre fortælling end hvad der end fik Snyder til at sætte pensel på overfladen.

Joan Snyder - Powdered Pearls, 2017. Mixed Media. Olie, akryl, stof, farveblyant, pastel, perler og glimmer på lærred. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 tommer. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Uanset hvordan vi vælger at se på de malerier, Snyder laver, er den ene ubestridelige ting, de alle har til fælles, deres arv af kamp. Snyder har kæmpet med sig selv for at bringe dem til live - en kendsgerning, der fremgår af deres enorme visuelle kompleksitet og materielle dybde. Og alligevel er de ikke bevis på den type kamp, vi helst vil undgå. I stedet er de bevis på en næsten glædelig kamp. De stråler med den slags ungdommelig stolthed, vi bærer med os i enhver alder, når vi overvinder vores naturlige menneskelige angst. Det er som om, at i deres slentrende fortælling forsøger de at tilbyde os svære at forklare, men ubestridelige løsninger på problemer, vi altid har vidst, vi har, men takket være Snyder og hendes bestræbelser på at være tro mod sig selv, ved vi nu, at vi har til fælles.

Fremhævet billede: Joan Snyder - Lille havlandskab, 2011. Olie og akryl på linned. 18 × 24 tommer; 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio