Kubisme af Sonia Delaunay og udforskning af farve

Der kunne skrives meget om, og der er blevet skrevet meget om de professionelle præstationer af Sonia Delaunay. Hun var en af de mest indflydelsesrige kunstnere i det 20. århundrede. I sine 20'ere førte hendes visionære tilgang til abstraktion hende til at blive en af de første modernistiske kunstnere. I sine 30'ere transformerede hun sin studiepraksis til manifestation af et Gesamtkunstwerk, eller totalværk, og demonstrerede Bauhaus-idealet to år før Bauhaus eksisterede. Hun skabte en unik og indflydelsesrig samling af malerier i løbet af sit liv, og arbejdede kontinuerligt indtil kort før sin død i en alder af 94. Og udover maleri arbejdede hun også med mode, teater, film, forlag og engagerede sig i alle former for designaktiviteter. I en alder af 79 blev hun kun den anden nulevende kunstner nogensinde til at have en retrospektiv udstilling på Louvre, og den første kvindelige kunstner til at opnå denne milepæl. Det kunne endda let argumenteres for, at Sonia Delaunay var den første kunstner, der effektivt gjorde sin persona til et brand, i den nutidige betydning af ordet. Men at fokusere udelukkende på disse eksterne præstationer ville antyde, at det altid har været hendes mål at opnå sådanne ting. Men faktisk havde Delaunay ikke sådanne intentioner. Hendes eneste mål var oprigtigt at udforske farve, form og komposition, og at afsløre for resten af verden gennem sin kunst den ukendte essens af hvad end det var, hun søgte inden i sig selv.

At blive Sonia Delaunay

Historien om Sonia Delaunays tidlige liv kan resonere med enhver forælder. Hvor let det er at skabe, eller fejle i at gribe en mulighed, og hvordan den mindste ændring i omstændighederne kan påvirke chancerne for et barn for at få succes. Sonia Delaunay blev født Sarah Ilinitchna Stern i en arbejderfamilie i det, der nu er Ukraine. Hendes muligheder i hendes hjemby var stærkt begrænsede, men hun havde en velhavende onkel og tante i Sankt Petersborg ved navn Henri og Anna Terk. Terks kunne ikke få børn selv, og de bad om at adoptere Sarah fra hendes kæmpende forældre. Hendes mor modstod i starten. Men da Sarah var fem år gammel, gav hendes mor endelig efter og tillod hende at flytte til Sankt Petersborg for godt for at bo hos sin onkel og tante.

Da hun ankom til Sankt Petersborg, ændrede Sarah sit navn til Sonia Terk. Sammen med sit nye navn kom et nyt sæt oplevelser og langt mere forskellige muligheder. Livet med hendes tante og onkel omfattede verdensrejser, den fineste uddannelse og regelmæssige besøg på museer og biblioteker. Hun kunne gennemse kunstbøger derhjemme og deltage i intellektuelle diskussioner om en række emner. Ved 16-årsalderen havde hun udviklet en interesse for at blive kunstner. Terks opmuntrede hendes interesse, og da hun var 18, sendte de hende til Tyskland for at studere kunst. To år senere, i 1905, flyttede hun igen, denne gang til Paris, epicentret for avantgarde kunst i Europa.

En bog af den modernistiske digter Blaise Cendrars, indbundet og illustreret af Sonia Delaunay i 1913

Opdag farve

I Paris fortsatte Sonia Delaunay med at studere kunst i skolen, men den erfaring, hun havde med sine lærere, var for akademisk og formel for hendes disposition. Hun fandt, at hun fik meget mere inspiration i gallerierne, som viste værker af eksperimenterende europæiske kunstnere som postimpressionisterne. Hun var kommet til Paris på det perfekte tidspunkt. Hun befandt sig i hjertet af avantgarde-samfundet ved daggryet af kubismen, da geometriske planer først blev vedtaget i et forsøg på at formidle en fjerde-dimensionel virkelighed. Og hun var der, da futurist-manifestet først blev trykt i de franske aviser, hvilket bragte ideen om bevægelse i forgrunden af den kunstneriske samtale. Og fauvisterne, som var på højden af deres indflydelse, da hun ankom til byen, inspirerede hende dybt. Hun blev visceralt rørt over den måde, hendes øjne opfattede, og hendes følelser oplevede, forholdene mellem deres strålende og lysende farver.

De tidlige malerier, som Sonia Delaunay lavede efter sin ankomst til Paris, udforskede mange af ideerne fra disse andre bevægelser på en figurativ måde. Men hun søgte efter noget andet. Specifikt ønskede hun en måde at udforske farveelementet for sin egen skyld. Men hun ønskede også at være intuitiv og fri. Hun havde lidt interesse i de akademiske teorier, der blev udvekslet af hendes samtidige, som hun mente var, “For sofistikerede. Jeg er tættere på naturen og livet,” forklarede hun engang, nær slutningen af sit liv. “Jeg søgte efter noget inden i mig selv, og lidt efter lidt blev det abstrakt maleri.”

Sonia Delaunay - Gul Nøgen, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

At finde abstraktion

Den gennembrud, der endelig fik Sonia Delaunay til fuldt ud at omfavne non-objektiv maleri, kom på en mest uventet måde. Ligesom hendes afgang fra hendes hjemby til Sankt Petersborg, opstod det fra et dristigt valg, hun traf for at skabe sin egen skæbne. Da hun først ankom til Paris, havde hun fået en ven i en galleriejer og forfatter ved navn Wilhelm Uhde, som viste de førende avantgarde kunstnere. Hun og han var beslægtede sjæle, som hun sagde, “begge på udkig efter noget abstrakt.” De blev gift, ikke ud af romantisk tiltrækning, men fordi arrangementet gav praktiske fordele for dem begge. For Sonia befriede det hende fra det pres, hun modtog fra sin biologiske mor om at opgive sin karriere som kunstner.

Så en nat i galleriet mindre end et år senere mødte Sonia en meningsfuld, passioneret ung kunstner ved navn Robert Delaunay. De to havde en øjeblikkelig forbindelse, og de forelskede sig. Sonia bad Uhde om en skilsmisse, som han venligt gav, og året efter giftede hun sig med Robert. Da de to fik deres første barn, lavede Sonia en quilt til babyen ved hjælp af teknikker baseret på russiske folkekunsttraditioner fra hendes hjem. Da quilten var færdig, så hun i den den inspiration, hun havde søgt. Former mindede hende om kubistiske planer, men farverelationerne mellem formerne bragte hele kompositionen til live. Den quilt, som Sonia Delaunay lavede ud fra instinkt til sit barn, blev grundlaget for alt hendes fremtidige abstrakte arbejde.

Den quilt, som Sonia Delaunay lavede til sin baby i 1911, nu en del af samlingen på Nationalmuseet for Moderne Kunst i Paris, Frankrig.

Orfisk kubisme

Om aftenen i Paris ville Sonia Delaunay og hendes mand Robert Delaunay gå sammen gennem byen og tale om kunst. På deres gåture ville de beundre de elektriske lys, der lige var begyndt at blive installeret. De ville diskutere, hvordan farverne i byen blev påvirket af det syntetiske lys, og glæde sig over de former og mønstre, som lyset skabte. Når de kom hjem fra deres gåture, ville hver af dem stræbe efter at fange deres oplevelse på lærred, ved at bruge sproget af abstrakt farve og form inspireret af det tæppe, som Sonia havde lavet.

De kaldte deres unikke visuelle tilgang simultanéisme. Ordet var en reference til forholdet mellem farver og former, og den samtidige eksistens af flere realiteter i deres kompositioner. Da Sonia og Robert udstillede disse malerier, kaldte deres ven, kunstkritikeren Guillaume Apollinaire, deres nye stil Orphic Cubism, eller Orphism. Selvom referencen aldrig blev gjort helt klar, relaterer termen sig til den mytiske græske musiker og digter Orpheus, hvis legendariske musik angiveligt havde evnen til at fortrylle alle skabninger og ting.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olie på lærred. 182 x 149 cm. Nationalmuseum for Moderne Kunst, Paris, Frankrig

Farvernes Poesi

Selvom henvisningen til Orpheus synes passende til Sonia Delaunays arbejde, er sammenligningen med kubismen forkert. Kubisme var lige så akademisk som den var æstetisk. Mens Robert Delaunay var en ivrig teoretiker og analytiker, foretrak Sonia at arbejde intuitivt og lægge vægt på udforskning og eksperimentering. Om denne dikotomi sagde hun engang: “Han talte, men jeg indså.” Selvom Sonia brugte et sprog af former, der ligner kubisternes, havde hun ingen intellektuelle mål til fælles med dem. Hendes former var kun skibe for farve. “Hvis der er geometriske former,” forklarede hun engang, mens hun talte på Sorbonne, “er det fordi disse simple og håndterbare elementer har vist sig at være egnede til fordelingen af farver, hvis relationer udgør det virkelige objekt for vores søgen.”

Sonia sammenlignede ofte maleri med poesi. Sonia Delaunay så sig selv som en, der søgte kombinationer af farver, der kunne fremkalde en mangfoldighed af mulige fortolkninger og skabe samtidige betydninger. Det var kun naturligt for hende at udvide sine kunstneriske aktiviteter til designverdenen, da hun oplevede, at der ikke var nogen adskillelse mellem kunst og liv. Uanset om hendes kompositioner befandt sig på siden af en bil, på en pelsjakke, på et kostume til et teaterstykke eller på overfladen af et lærred, så hun ingen forskel. Hun mente, at, “farver er ord, deres relationer rytmer,” og at uanset hvilken kapacitet hun valgte at bringe dem sammen, blev de, gennem hendes indsats, “et fuldendt digt.”

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ca. 1970. Litografi. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 tommer)

Fremhævet billede: Sonia Delaunay - Synkoperet rytme, såkaldt Den Sorte Slange (detalje), 1967
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio