Kubisme af Sonia Delaunay og udforskning af farve

Meget kunne skrives, og er blevet skrevet, om de professionelle bedrifter af Sonia Delaunay. Hun var en af de mest indflydelsesrige kunstnere i det 20. århundrede. I hendes 20’ere førte hendes visionære tilgang til abstraktion til, at hun blev en af de første modernistiske kunstnere. I hendes 30’ere omdannede hun sin atelierpraksis til manifestationen af et Gesamtkunstwerk, eller et samlet kunstværk, der demonstrerede Bauhaus-idealet to år før Bauhaus eksisterede. Hun skabte en unik og indflydelsesrig samling af malerier gennem hele sit liv og arbejdede uafbrudt indtil kort før sin død som 94-årig. Ud over maleriet arbejdede hun også inden for mode, teater, film, forlagsvirksomhed og engagerede sig i alle former for designaktiviteter. Som 79-årig blev hun kun den anden levende kunstner nogensinde til at få en retrospektiv udstilling på Louvre og den første kvindelige kunstner til at nå denne milepæl. Det kan endda let argumenteres for, at Sonia Delaunay var den første kunstner, der effektivt gjorde sin person til et mærke i den moderne betydning af ordet. Men at fokusere udelukkende på disse ydre bedrifter ville antyde, at det hele tiden var hendes mål at opnå sådanne ting. Men faktisk havde Delaunay ikke sådanne intentioner. Hendes eneste mål var oprigtige: at udforske farve, form og komposition og gennem sin kunst afsløre for resten af verden den ukendte essens af det, hun søgte i sig selv.

At blive Sonia Delaunay

Historien om Sonia Delaunays tidlige liv kan vække genklang hos enhver forælder. Hvor let det er at skabe, eller misse en mulighed, og hvordan den mindste ændring i omstændighederne kan påvirke et barns chancer for at få succes dybtgående. Sonia Delaunay blev født som Sarah Ilinitchna Stern i en arbejderklassefamilie i det, der nu er Ukraine. Hendes muligheder i hjembyen var stærkt begrænsede, men hun havde en velhavende onkel og tante i Sankt Petersborg ved navn Henri og Anna Terk. Terkerne kunne ikke få børn, og de bad om at adoptere Sarah fra hendes kæmpende forældre. Hendes mor modstod først. Men da Sarah var fem år gammel, gav hendes mor endelig efter og tillod hende at flytte permanent til Sankt Petersborg for at bo hos sin onkel og tante.

Da hun ankom til Sankt Petersborg, ændrede Sarah sit navn til Sonia Terk. Sammen med det nye navn fulgte en ny række oplevelser og langt mere alsidige muligheder. Livet hos hendes tante og onkel omfattede rejser i verden, den fineste uddannelse og regelmæssige besøg på museer og biblioteker. Hun kunne studere kunstbøger hjemme og deltage i intellektuelle diskussioner om forskellige emner. Som 16-årig havde hun udviklet en interesse for at blive kunstner. Terkerne opmuntrede hendes interesse og sendte hende som 18-årig til Tyskland for at studere kunst. To år senere, i 1905, flyttede hun igen, denne gang til Paris, epicentret for avantgardekunsten i Europa.

En bog af den modernistiske digter Blaise Cendrars, indbundet og illustreret af Sonia Delaunay i 1913

Opdagelsen af farve

I Paris fortsatte Sonia Delaunay med at studere kunst i skolen, men hendes oplevelse med lærerne var for akademisk og formel til hendes sindelag. Hun fandt, at hun fik langt mere inspiration i gallerierne, som viste værker af eksperimenterende europæiske kunstnere som postimpressionisterne. Hun var kommet til Paris på det perfekte tidspunkt. Hun befandt sig i hjertet af avantgardesamfundet ved begyndelsen af kubismen, hvor geometriske flader først blev taget i brug i et forsøg på at formidle en fire-dimensionel virkelighed. Og hun var der, da futuristmanifestet først blev trykt i de franske aviser, hvilket bragte bevægelsesideen i forgrunden af den kunstneriske samtale. Og fauvisterne, som var på højden af deres indflydelse, da hun ankom til byen, inspirerede hende dybt. Hun blev stærkt berørt af, hvordan hendes øjne opfattede, og hendes følelser oplevede, forholdet mellem deres strålende og lysende farver.

De tidlige malerier, som Sonia Delaunay lavede efter ankomsten til Paris, udforskede mange af ideerne fra disse andre bevægelser på en figurativ måde. Men hun søgte noget andet. Specifikt ønskede hun en måde at udforske farveelementet for dets egen skyld. Men hun ønskede også at være intuitiv og fri. Hun havde ringe interesse for de akademiske teorier, som hendes samtidige udvekslede, og som hun mente var, “for sofistikerede. Jeg er tættere på naturen og livet,” forklarede hun engang mod slutningen af sit liv. “Jeg søgte efter noget i mig selv, og lidt efter lidt blev det abstrakt maleri.”

Sonia Delaunay - Gul nøgen, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

At finde abstraktion

Gennembruddet, der endelig førte Sonia Delaunay til fuldt ud at omfavne ikke-figurativt maleri, kom på en mest uventet måde. Ligesom hendes afrejse fra hjembyen til Sankt Petersborg opstod det fra et modigt valg, hun tog for at skabe sin egen skæbne. Da hun først var ankommet til Paris, havde hun fået en ven i en galleriejer og forfatter ved navn Wilhelm Uhde, som viste de førende avantgardekunstnere. Hun og han var sjælefrænder, som hun sagde, “begge søgende efter noget abstrakt.” De blev gift, ikke af romantisk tiltrækning, men fordi ordningen gav praktiske fordele for begge. For Sonia frigjorde det hende fra det pres, hun fik fra sin fødemor om at opgive sin karriere som kunstner.

Så en aften i galleriet mindre end et år senere mødte Sonia en meningsfuld, passioneret ung kunstner ved navn Robert Delaunay. De to havde en øjeblikkelig forbindelse og forelskede sig. Sonia bad Uhde om skilsmisse, som han venligt gav, og året efter giftede hun sig med Robert. Da de fik deres første barn, lavede Sonia et tæppe i hånden til babyen med teknikker baseret på russiske folkeartstraditioner fra hendes hjemland. Da tæppet var færdigt, så hun i det den inspiration, hun havde søgt. Former mindede hende om kubistiske flader, men farveforholdene mellem formerne bragte hele kompositionen til live. Det tæppe, som Sonia Delaunay lavede ud fra instinkt til sit barn, blev grundlaget for alt hendes fremtidige abstrakte arbejde.

Tæppet, som Sonia Delaunay lavede til sin baby i 1911, nu en del af samlingen på Nationalmuseet for Moderne Kunst i Paris, Frankrig

Orfisk kubisme

Om aftenen i Paris gik Sonia Delaunay og hendes mand Robert Delaunay sammen gennem byen og talte om kunst. På deres gåture beundrede de de elektriske lys, som netop begyndte at blive installeret. De diskuterede, hvordan byens farver blev påvirket af det syntetiske lys, og glædede sig over de former og mønstre, lyset skabte. Når de vendte hjem fra deres gåture, forsøgte hver af dem at fange deres oplevelse på lærred ved hjælp af sproget af abstrakt farve og form inspireret af tæppet, Sonia havde lavet.

De kaldte deres unikke visuelle tilgang simultanéisme. Ordet refererede til forholdet mellem farver og former og den samtidige eksistens af flere virkeligheder i deres kompositioner. Da Sonia og Robert udstillede disse malerier, døbte deres ven, kunstkritikeren Guillaume Apollinaire, deres nye stil Orfisk kubisme, eller orfisme. Selvom referencen aldrig blev helt klarlagt, relaterer begrebet til den mytiske græske musiker og digter Orfeus, hvis legendariske musik skulle have haft evnen til at fortrylle alle væsener og ting.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olie på lærred. 182 x 149 cm. Nationalmuseet for Moderne Kunst, Paris, Frankrig

Farvernes poesi

Selvom referencen til Orfeus synes passende for Sonia Delaunays værk, er sammenligningen med kubismen misvisende. Kubismen var lige så akademisk som æstetisk. Mens Robert Delaunay var en ivrig teoretiker og analytiker, foretrak Sonia at arbejde intuitivt og lægge vægt på udforskning og eksperimentering. Om denne modsætning sagde hun engang, “Han talte, men jeg indså.” Selvom Sonia brugte et formsprog, der lignede kubisternes, havde hun ingen intellektuelle mål til fælles med dem. Hendes former var kun beholdere for farve. “Hvis der er geometriske former,” forklarede hun engang ved Sorbonne, “er det fordi disse enkle og håndterbare elementer har vist sig egnede til fordelingen af farver, hvis forhold udgør det egentlige objekt for vores søgen.”

Sonia sammenlignede ofte maleri med poesi. Hun så sig selv som en, der søgte kombinationer af farver, der kunne fremkalde en mangfoldighed af mulige fortolkninger og skabe samtidige betydninger. Det var kun naturligt for hende at udvide sine kunstneriske aktiviteter til designverdenen, da hun oplevede, at der ikke var nogen adskillelse mellem kunst og liv. Uanset om hendes kompositioner befandt sig på siden af en bil, på en pelsfrakke, på et kostume til et skuespil eller på overfladen af et lærred, så hun ingen forskel. Hun mente, at “farver er ord, deres forhold rytmer,” og at de i hvilken som helst form hun valgte at samle dem, blev til, gennem hendes indsats, “et fuldendt digt.”

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ca. 1970. Litografi. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 tommer)

Fremhævet billede: Sonia Delaunay - Syncopated rhythm, såkaldt The Black Snake (detalje), 1967
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio