Hvordan 9th Street Art Exhibition trådte ud af New Yorks kunstkanoner i 1951

Nogle siger, at 9th Street Art Exhibition var en radikal handling af kulturforstyrrelse. Andre siger, det var en handling af desperation iværksat af en flok sultende kunstnere, der ikke havde andre steder at vise deres værker. I sandhed kan det have været lidt af begge dele. Uanset hvad er udstillingen legendarisk. Afholdt i 1951 i en forladt butikslokale i Lower Manhattan, i en bygning, der skulle rives ned, viste udstillingen værker af omkring 70 kunstnere. Næsten alle deltagerne var på det tidspunkt stort set anonyme, da de var blevet udelukket af gallerier, museer og samlere, som styrede New Yorks kunstscene. Deres afvisning skyldtes i høj grad, at deres værker var eksperimenterende og ofte abstrakte, hvilket stod i modsætning til den amerikanske markeds smag. Næsten alle kunstnerne i udstillingen var også en del af en social kreds omkring ”The Club,” en løs sammenslutning af avantgarde-kunstnere og intellektuelle, der mødtes regelmæssigt i en bygning på 39 East 8th Street. En række samtaler i The Club om, hvordan man kunne få institutionerne til at vise respekt for deres arbejde, førte til ideen om, at hvis de kunne holde en stor gruppeudstilling og skabe nok opmærksomhed i byen, kunne de måske bryde igennem den kritiske tåge og endelig få deres værker og ideer bedømt ærligt og retfærdigt af det amerikanske publikum. Med næsten ingen penge imellem sig slog de sig sammen og samlede deres ressourcer og formåede at arrangere en monumental udstilling, som ikke blot gav mange af dem kritisk anerkendelse, men som også grundlæggende ændrede den amerikanske kunstverden.

Castelli-forbindelsen

I begyndelsen var den største bekymring for kunstnerne involveret i 9th Street Art Exhibition spørgsmålet om, hvem der skulle hænge udstillingen op. På trods af deres kammeratskab havde denne gruppe kunstnere nogle af de største egoer, verden nogensinde har set. De var talentfulde, brillante og stærkt konkurrenceprægede, og de frygtede med rette, at favorisering, politik eller direkte korruption ville føre til, at nogle kunstnere fik en fordelagtig placering i udstillingen. Udstillingslokalet bestod af et lokale i gadeplan og en kælder. Hvem skulle være ovenpå, og hvem skulle ned i kælderen? Hvem skulle have deres værker i vinduet? Det var afgørende spørgsmål. Den ene person, som alle kunstnerne syntes at stole på, var en italiensk immigrant ved navn Leo Castelli, som havde lidt erfaring som kunsthandler i Europa, og som også var en af de få ikke-kunstneriske medlemmer af The Club.

Castelli påtog sig den store opgave at kuratere udstillingen, og han dækkede også størstedelen af udgifterne. Lejen for det forfaldne lokale for hele udstillingens varighed var kun 70 dollars. Men næsten alle involverede i udstillingen var blottede for penge, og nogle var bogstaveligt talt sultende. Castelli betalte regningen, og kunstnerne udførte alt arbejdet med at istandsætte lokalet. Franz Kline lavede alt reklame- og kampagnemateriale og designede kataloget. Den opmærksomhed, deres forberedelser skabte, spredte sig over hele New York, og jo tættere de kom på udstillingens åbning, desto mere anspændt blev stemningen blandt kunstnerne. Castelli bemærkede år senere, at selvom alle var begejstrede for den opmærksomhed, udstillingen fik, var næsten hver eneste kunstner utilfreds med, hvordan deres værker blev præsenteret. Det betyder, at Castelli tilsyneladende gjorde sit arbejde perfekt, da det bedste mål for en vellykket forhandling er th/blogs/magazine/abstract-expressionist-artists-you-need-to-know

Franz Kline - Plakat for 9th Street Art Exhibition, 1951

Et vigtigt led i en vigtig kæde

Da 9th Street Art Exhibition åbnede, var der en kø ned ad gaden af folk, der ventede på at komme ind. Blandt tilskuerne var nogle af de mest indflydelsesrige personer i New Yorks kunstverden – handlere, samlere og museumsdirektører. De værker, de så på udstillingen, var skabt af kunstnere, der snart skulle blive lysende skikkelser i vigtige nye kunstretninger som Abstrakt ekspressionisme, Post-malerisk abstraktion, Popkunst, Farvefeltmaling, Hård kant-abstraktion og Neo-ekspressionisme, stilarter, der var med til at definere amerikansk kunst i 1950’erne, 60’erne og 70’erne. Nogle af disse kunstnere modtog så gunstig opmærksomhed, at de som følge af udstillingen fik repræsentation i store gallerier, og blot få år senere kæmpede flere med helt nye udfordringer forbundet med pludselig rigdom og berømmelse. Men kommerciel succes var langt fra det eneste eftermæle af denne udstilling. Den virkelige grund til, at 9th Street Art Exhibition var så vigtig, er, hvad den gjorde for at opretholde en lang tradition for kunstnerorganiserede kulturelle oprør.

Historien om kunstnerorganiserede modudstillinger går mindst tilbage til 1874, da ”Det Anonyme Malerselskab” holdt sin første udstilling af impressionistisk kunst i fotograf Nadar’s atelier. Den fortsatte i 1884, da Salon des Artistes Indépendants holdt sin første udstilling med erklæringen ”sans jury ni récompense,” ”uden jury eller præmie.” 9th Street Art Exhibition fortsatte den tradition. Og alle disse udstillinger lagde grunden til de eksperimenterende kunstkollektiver og kunstnerrunne rum, der definerede avantgarden i det sene 20. århundrede, og som fortsat er en drivkraft for nyskabelse i dag. Måske lever vi nu i en tid, hvor det kommercielle marked har erstattet fortidens statslige censur og intellektuelle fordomme. Det synes som om, at langt de fleste kunstnere i dag bliver ignoreret, medmindre de kan skabe store overskud for handlere eller sælge titusindvis af billetter til institutioner. Men det er ikke en grund til at fortvivle. Det er snarere den perfekte grund til at se tilbage og huske læren fra 9th Street Art Exhibition: at noget af den mest levende, engagerende og energiske kunst i fremtiden sandsynligvis gemmer sig lige for øjnene af os lige nu, hvor vi mindst venter det.

Fremhævet billede: Franz Kline - Studie til Ninth Street, 1951. Olie og blyant på karton. 20 x 25,4 cm. (7,9 x 10 tommer)

Af Phillip Barcio