Hard-Edge Maleri og Æstetikken af Abstrakt Orden

Vil du gerne træde ind i et hard-edge maleri? Næste gang du er i Las Vegas, så tag til Cosmopolitan Hotel og Casino. I gadeplan er der en Starbuck’s kaffebar. Gå ind i den og kig op på væggene. Du vil bemærke klare felter af primærfarver malet på forskellige overflader og inventar. På en af væggene vil du se signaturen fra manden, der malede disse farvefelter: den franske kunstner og fotograf Georges Rousse.

Hvis du går hen til den fjerneste ende af rummet, vil du se et mærket sted på gulvet, der inviterer beskuere til at stå på det. Fra netop det sted, og kun fra det sted, opfyldes Rousses vision. De malede overflader er en del af en illusion, en tredimensionel realisering af et geometrisk abstrakt maleri, der optager arkitektonisk rum.

John McLaughlin - Uden titel, 1951, Olie på Masonit, 23 ¾ × 27 ¾ tommer, Venligst udlånt af Van Doren Waxter

Hvad er Hard-Edge Maleri?

Udtrykket hard-edge maleri blev opfundet i slutningen af 1950’erne af Jules Langsner, en kunstskribent for avisen Los Angeles Times. Begrebet refererede til en gammel tendens, som begyndte at dukke op igen i forskellige abstrakte kunststilarter, men som især var udbredt i Californien på det tidspunkt. Tendensen involverede brugen af geometriske former malet i stærke, rene farver, klart adskilt fra hinanden med skarpe, faste kanter. To af de førende hard-edge malere, som Langsner henviste til, da han opfandt begrebet, var John McLaughlin og Helen Lundeberg.

Denne type maleri havde eksisteret i århundreder og havde gjort sig gældende i mange forskellige kulturer. Selv inden for den vestlige abstrakte kunst havde denne tendens til at arbejde med stærke farver, veldefinerede former og skarpe kanter tidligere vist sig, for eksempel i værker af Kazimir Malevich og Piet Mondrian.

Æstetikken i hard-edge maleri var faldet ud af mode i 1940’erne og 50’erne, delvist takket være den stigende popularitet af den følelsesladede, gestiske kunst, som blev skabt af de abstrakte ekspressionister. Som det bruges i den moderne betydning, refererer begrebet hard-edge maleri ikke så meget til en bestemt stil eller bevægelse inden for maleri, men snarere til en tendens, som moderne kunstnere i mange forskellige stilarter har anvendt og fortsat anvender i deres æstetik.

Helen Lundeberg - Blå Planet, 1965, Akryl på lærred, 60 x 60 tommer, The Marilynn and Carl Thoma Collection. © Feitelson Arts Foundation, venligst udlånt af Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Rødt Kvadrat, 1915, Olie på lærred, 21 × 21 tommer, Det Russiske Museum, Sankt Petersborg

Skønhedens Filosofi

For mange mennesker er et af de mest forvirrende elementer ved abstrakt kunst, at den ikke appellerer til nogen objektiv definition af skønhed. I hvert fald i den vestlige verden blev æstetisk skønhed i maleri i århundreder defineret ved naturlige og figurative motiver, såsom portrætter og landskaber. Før abstraktionens fremkomst var det normalt forventet, at et kunstværk, for at blive betragtet som æstetisk smukt, skulle gengive noget, der ansås for smukt i den objektive verden, som en engel, en historisk skikkelse eller en eng.

Da kunstnere begyndte at dissekere elementerne i, hvad maleri var, udfordrede de begrebet om, hvad der kunne være smukt. Kunne lys alene betragtes som smukt? Det mente impressionisterne. Kunne farve alene betragtes som æstetisk smukt? Det mente orfisterne. Mange kunstnere og kunstbevægelser har siden udfordret selve forestillingen om, hvorvidt æstetisk skønhed overhovedet er relevant. Skal kunst have noget at gøre med skønhed?

Piet Mondrian - Komposition II i Rød, Blå og Gul, 1930, Olie på lærred, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

Skønheden i Orden

Uanset de filosofiske spil, kunstnere, kritikere og akademikere spiller med hinanden, er det et faktum, at skønhed betyder noget for beskuerne. Kunstbeskuere ønsker at være i nærværelse af genstande, der får dem til at føle sig godt tilpas. De ønsker, at kunsten deltager i deres søgen efter tilfredsstillelse, uanset hvad det måtte betyde for dem. Selv hvis alle kunstkritikere i verden anser et bestemt maleri for at være af enorm historisk betydning, så falder dets værdi naturligt, hvis ingen beskuere ønsker at opholde sig ved det. Den grundlæggende sandhed, at mennesker kan lide at være omgivet af æstetisk behagelige ting, er noget, mange abstrakte kunstbevægelser har kæmpet med, og det er noget, hard-edge maleri har hjulpet mange beskuere med at konfrontere.

Der er skønhed i orden. Der er skønhed i fornuft. Der er skønhed i farve. Der er skønhed i linje. Der er skønhed i noget, der er uberørt, uspoleret, rent og fornuftigt. Selvom mange beskuere stadig har svært ved først at se skønheden i kubistiske værker eller Wassily Kandinskys abstrakte malerier, er det ubestrideligt, at der er noget tiltrækkende, eller i det mindste psykologisk tilfredsstillende, ved malerier, der appellerer til vores ønske om struktur. Den hard-edge geometriske abstraktion i Malevichs suprematistiske malerier og Mondrians De Stijl-malerier er smukke, fordi de er en æstetisk modvægt til kaos.

Jackson Pollock - Blue Poles, eller Nummer 11, 1952, Emalje og aluminiumsmaling med glas på lærred, 83,5 × 192,5 tommer, National Gallery of Australia, Canberra

Et Spørgsmål om Smag

Selvfølgelig betyder det ikke, at andre typer abstrakt kunst ikke er smukke. Skønhed er et spørgsmål om smag. For eksempel har forskellige beskuere forskellig evne til at gennemskue kompleksiteter. Det, der ligner kaos for et sæt øjne, virker idyllisk for et andet. Åbenlyst er grunden til, at actionmalere som Jackson Pollock og Willem de Kooning var så succesfulde, at så mange beskuere fandt deres værker tilgængelige, genkendelige og smukke. Selvom nogle beskuere bestemt anser et maleri som Pollocks Blue Poles for at være rod, anser langt flere det for at være et udtryk for menneskelige universaler og dybt personlige sandheder.

Grunden til, at hard-edge maleri kom tilbage i mode i 1950’erne, er måske, at abstrakt ekspressionisme var så følelsesladet. Den var trods alt opstået efter de mest voldelige, katastrofale og frygtelige tider i menneskehedens historie, efter Anden Verdenskrig og fremkomsten af atomkrig. Det giver mening, at beskuere, der dagligt konfronterede deres egen udslettelsesdag i aftenens nyheder, til sidst ønskede en tilbagevenden til noget, der kunne give en følelse af indre ro og en vis orden.

Hard-edge maleriet fra 1950’erne og 60’erne tilbød netop det. Det tilbød en tilbagevenden til de formelle, klassiske kvaliteter i geometrisk abstraktion. I stedet for at se på rædslerne i vores psyke og det kaos, der ligger i vores grundlæggende følelser, tilbød hard-edge abstraktion os tilflugt i et eftertænksomt, meditativt rum, hvor form, farve, linje og overflade var det eneste, der betød noget. Der kunne vi meditere over tingenes grundlæggende byggesten og måske forvandle os selv, i det mindste midlertidigt, til noget andet.

Donald Judd - 15 utitulerede værker i beton, 1980-1984, Marfa, TX, The Chinati Foundation, Marfa

Minimalisme og Mere

Tilbagevenden til formel, hard-edge æstetik hjalp med at inspirere en massiv kreativ udvikling i abstrakt kunst i midten af det 20. århundrede. Det inspirerede fremkomsten af Color Field-malere som Kenneth Noland, der brugte flade overflader og store farvefelter til at skabe meditative malerier, hvor beskuere kunne opleve ophøjede sanseindtryk. Det inspirerede Post-Painterly abstraktion, en bevægelse dedikeret til at skjule kunstnerens hånd og fremhæve formalistiske kvaliteter som farve, linje, form og overflade. Det hjalp også med at inspirere tænkningen hos kunstnere som Donald Judd og dem, der var tilknyttet minimalismen, som opnåede det højeste niveau af upåvirket udtryk ved at omfavne æstetisk formalitet.

James Turrell - Raethro Pink (Hjørneprojektion), 1968, © James Turrel

En Større Arv

Hard-edge maleri inspirerede også kunstnerne i lys- og rumbevægelsen. Enhver, der nogensinde har været inde i et omsluttende værk af James Turrell, eller mødt et af hans værker, der bruger “åbninger,” hard-edge huller skåret i overflader, som tillader lys at trænge igennem, kan tydeligt se forbindelsen mellem dette arbejde og hard-edge maleri.

Selv installationskunstneren James Irwin er blevet knyttet til arven fra hard-edge malerne gennem sine lysværker. De mest kendte eksempler er Irwins akrylinstallationer, hvor et klart, buet, cirkulært stykke akryl strækker sig ud fra en væg og rammes af lys, hvilket skaber linjer, geometriske mønstre og et samspil mellem lys og skygge på den omgivende overflade. Disse værker udvider principperne for hard-edge maleri til tredimensionelt rum, så de kan beboes af beskueren.

Robert Irwin - Uden titel, 1969, Akrylmaling på støbt akryl, 137 cm i diameter, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York

Et Spørgsmål om Perspektiv

Om hard-edge maleri er smukkere end mere følelsesladede malestilarter eller omvendt, er udelukkende et spørgsmål om mening. Og meninger ændrer sig. Når vi vender tilbage til den Starbucks i Las Vegas, kan vi se, at det er den sande kerne i den besked, Georges Rousse måske prøver at formidle med sit arbejde. Et hard-edge maleri af en geometrisk form kan give os orden og klarhed. Men ikke alle finder lykke i orden og klarhed. Nogle af os kan lide, at ting er tilfældige. Nogle af os nyder kaos. Den sande skønhed i Rousses hard-edge værker er, at med et enkelt skridt i enhver retning blødes kanterne op og forskydes. De beviser, at perspektiv virkelig er alt.

Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio