Hard-Edge Maleri og Æstetikken af Abstrakt Orden

Vil du gerne klatre ind i et hard-edge maleri? Næste gang du er i Las Vegas, så tag til Cosmopolitan Hotel and Casino. På gadeplan er der en Starbuck's kaffebar. Gå ind i den og kig op ad væggene. Du vil bemærke lyse pletter af primærfarve malet på forskellige overflader og armaturer. På en af væggene vil du se signaturen fra manden, der malede disse farvepletter: den franske kunstner og fotograf Georges Rousse.

"Hvis du går til den fjerne ende af rummet, vil du se et sted markeret på gulvet, der inviterer seerne til at stå på det. Fra det ene sted, og kun fra det sted, bliver Rousse's vision opfyldt. De malede overflader er en del af en illusion, en tredimensionel realisering af et geometrisk abstrakt maleri, der optager arkitektonisk rum."

John McLaughlin - Uden titel, 1951, Olie på Masonite, 23 ¾ × 27 ¾ tommer, Med venlig hilsen fra Van Doren Waxter

Hvad er hard-edge maleri?

Udtrykket hard-edge maleri blev opfundet i slutningen af 1950'erne af Jules Langsner, en kunstskribent for avisen Los Angeles Times. Begrebet var en henvisning til en gammel tendens, der begyndte at genopstå i en række forskellige abstrakte kunststile, men som var særligt udbredt i Californien på det tidspunkt. Tendensen involverede brugen af geometriske former malet i klare, fyldige farver, der var tydeligt adskilt fra hinanden med hårde, solide kanter. To af de førende hard-edge malere, som Langsner henviste til, da han opfandt termen, var John McLaughlin og Helen Lundeberg.

Denne type maleri var blevet udført før i århundreder og havde gjort sin tilstedeværelse kendt i mange forskellige kulturer. Selv inden for området for vestlig abstrakt kunst var denne tendens til at arbejde med dristige farver, veldefinerede former og skarpe kanter dukket op før, for eksempel i værkerne af Kazimir Malevich og Piet Mondrian.

Æstetikken ved hard-edge maleri var faldet ud af mode i 1940'erne og 50'erne, delvist takket være den stigende popularitet af det følelsesladede, gestuelle arbejde udført af de abstrakte ekspressionister. Som det er kommet til at blive brugt i nutidig forstand, refererer termen hard-edge maleri ikke så meget til en bestemt stil eller bevægelse inden for maleri, men snarere en tendens, som moderne kunstnere i mange forskellige stilarter har anvendt, og fortsat anvender, til deres æstetik.

Helen Lundeberg - Blue Planet, 1965, Akryl på lærred, 60 x 60 tommer, The Marilynn and Carl Thoma Collection. © Feitelson Arts Foundation, courtesy Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Rød Plads, 1915, Olie på Lærred, 21 × 21 tommer, Russisk Museum, Sankt Petersborg

Skønhedens filosofi

For mange mennesker er et af de mest forvirrende elementer ved abstrakt kunst, at det ikke appellerer til nogen objektiv definition af skønhed. I det mindste i den vestlige verden har æstetisk skønhed i maleri i århundreder været defineret af naturlige og figurative emner, såsom portrætter og landskaber. Først med fremkomsten af abstraktion var det normalt forventet, at et kunstværk, der skulle betragtes som æstetisk smukt, skulle replikere noget, der blev anset for smukt i den objektive verden, såsom en engel, en historisk figur eller en eng.

Da kunstnere begyndte at dissekere elementerne i, hvad maleri var, udfordrede de begrebet om, hvad der kunne være smukt. Kunne lysets kvaliteter i sig selv betragtes som smukke? Impressionisterne mente det. Kunne farve i sig selv betragtes som æstetisk smuk? Orphisterne mente det. Mange kunstnere og kunstbevægelser har siden udfordret selve forestillingen om, hvorvidt æstetisk skønhed overhovedet er relevant. Skal kunst have noget at gøre med skønhed?

Piet Mondrian - Komposition II i Rød, Blå og Gul, 1930, Olie på lærred, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

Ordens skønhed

Uanset hvilke filosofiske spil kunstnere, kritikere og akademikere spiller med hinanden, er faktum, at skønhed betyder noget for seerne. Kunstseere ønsker at være i nærheden af objekter, der hjælper dem med at føle sig godt tilpas. De ønsker, at kunsten skal deltage i deres søgen efter tilfredsstillelse, uanset hvad det måtte betyde for dem. Selv hvis hver kunstkritiker i verden anser et bestemt maleri for at have enorm historisk betydning, hvis ingen seere ønsker at være omkring det, så falder dets værdi med rette. Den grundlæggende sandhed, at mennesker kan lide at være omkring æstetisk tiltalende ting, er noget, mange abstrakte kunstbevægelser har kæmpet med, og det er noget, som hårdkantet maleri har hjulpet mange seere med at konfrontere.

Der er skønhed i orden. Der er skønhed i rationalitet. Der er skønhed i farve. Der er skønhed i linje. Der er skønhed i noget, der er uberørt, uspoleret, rent og fornuftigt. Mens mange seere selv i dag har svært ved i starten at se skønheden i kubistiske værker eller de abstrakte malerier af Wassily Kandinsky, er det uomtvisteligt, at der er noget tiltrækkende, eller i det mindste psykologisk tilfredsstillende, ved malerier, der appellerer til vores ønske om struktur. Den hårde kantede geometriske abstraktion af Malevichs Suprematist malerier og Mondrians De Stijl malerier er smuk, fordi det er et æstetisk modgift mod kaos.

Jackson Pollock - Blue Poles, eller Nummer 11, 1952, emalje og aluminium maling med glas på lærred, 83,5 in × 192,5 in, National Gallery of Australia, Canberra

Et spørgsmål om smag

Selvfølgelig er det ikke for at sige, at andre typer af abstrakt kunst ikke er smukke. Skønhed er et spørgsmål om smag. For eksempel har forskellige seere en forskellig evne til at afkode kompleksiteter. Hvad der ser ud som kaos for et sæt øjne, ser idyllisk ud for et andet. Åbenlyst er grunden til, at actionmalere som Jackson Pollock og Willem de Kooning var så succesfulde, at så mange seere fandt deres arbejde tilgængeligt, relaterbart og smukt. Selvom nogle seere bestemt betragter et maleri som Pollocks Blue Poles som et rod, betragter langt flere seere det som et udtryk for menneskelige universaliteter og primær personlig sandhed.

Årsagen til, at hard-edge maleri kom tilbage i stil i 1950'erne, er måske fordi Abstract Expressionism var så følelsesladet. Det var trods alt opstået efter de mest voldelige, katastrofale og frygtelige tider i menneskehedens historie, efter Anden Verdenskrig og fremkomsten af atomkrig. Det giver mening, at seere, der dagligt konfronterede deres egen udryddelse i nyhederne om aftenen, til sidst ville ønske en tilbagevenden til noget, der var mere gavnligt for en følelse af indre ro og en vis orden.

Den hårde kantmaleri fra 1950'erne og 60'erne tilbød netop det. Det tilbød en tilbagevenden til de formelle, klassiske kvaliteter af geometrisk abstraktion. I stedet for at se på rædslen i vores psyker og kaosset, der er iboende i vores primale følelser, tilbød hård kantabstraktion os tilflugtssted i et kontemplativt, meditativt rum, hvor form, farve, linje og overflade var alt, der betød noget. Der kunne vi meditere over de grundlæggende byggesten i tingene og måske transformere os selv, i det mindste midlertidigt, til noget andet.

Donald Judd - 15 unbetitlede værker i beton, 1980-1984, Marfa, TX, The Chinati Foundation, Marfa

Minimalisme og mere

Tilbagevenden til formelle, skarpe æstetikker hjalp med at inspirere en massiv kreativ evolution inden for abstrakt kunst i midten af det 20. århundrede. Det inspirerede fremkomsten af Color Field-malere, såsom Kenneth Noland, der brugte flade overflader og store farveflader til at skabe meditative malerier, hvorigennem seerne kunne opleve transcendente fornemmelser. Det inspirerede Post-Painterly abstraktion, en bevægelse dedikeret til at skjule kunstnerens hånd og fremhæve formalistiske kvaliteter som farve, linje, form og overflade. Det hjalp også med at inspirere tankerne hos kunstnere som Donald Judd og dem, der er forbundet med Minimalisme, som opnåede højden af følelsesløs udtryk ved at omfavne æstetisk formalism.

James Turrell - Raethro Pink (Hjørneprojektion), 1968, © James Turrel

En større arv

Hard-edge maleri inspirerede også kunstnerne i lys- og rumbevægelsen. Enhver, der nogensinde har været inde i et immersivt værk af James Turrell, eller mødt et af hans værker, der gør brug af "åbninger", hårde kanter, der er skåret i overflader, som tillader lys at trænge igennem, kan tydeligt se forbindelsen mellem dette værk og hard-edge maleri.

Selv installationskunstneren James Irwin er blevet knyttet til arven fra hard-edge malerne gennem sine lysværker. De mest berømte eksempler er Irwins akrylinstallationer, hvor et klart, buet, cirkulært stykke akryl strækkes ud fra en væg og derefter rammes af lys, hvilket skaber linjer, geometriske mønstre og et samspil af lys og skygge på den omgivende overflade. Disse værker udvider principperne for hard-edge maleri ind i det tredimensionale rum, hvilket gør det muligt for beskueren at bebo dem.

Robert Irwin - Uden titel, 1969, Akrylmaling på støbt akryl, 137 cm i diameter, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York  

Et spørgsmål om perspektiv

Om hårdkantmaleri er smukkere end mere følelsesladede malestile eller omvendt, er udelukkende en sag om mening. Og meninger ændrer sig. Når vi vender tilbage til den Starbucks i Las Vegas, kan vi se, at det er den sande essens af budskabet, som Georges Rousse måske forsøger at formidle med sit arbejde. Et hårdkantmaleri af en geometrisk form kan give os orden og klarhed. Men ikke alle finder lykke i orden og klarhed. Nogle af os kan lide, at tingene er tilfældige. Nogle af os nyder kaos. Den sande skønhed ved Rousses hårdkantværker er, at med et enkelt skridt i enhver retning blødgør og skifter kanterne. De beviser, at perspektiv virkelig er alt.

Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio