Den Abstrakte Karakter af Typografi Kunst
Visse illusioner må opretholdes for at civilisationen kan fortsætte. For eksempel har moderne valuta ingen iboende værdi. Vi opretholder illusionen om penges værdi for at strukturere samfundet på en pålidelig måde. Sprog er også abstrakt. Lyde og symboler betyder det, vi bliver enige om, at de betyder. Typografisk kunst er en måde, hvorpå kunstnere udforsker disse abstraktioner, som er iboende i vores kultur. Det udfordrer vores accepterede forestillinger om, hvad der er meningsfuldt, og hvad der ikke er meningsfuldt, ved at præsentere skriftligt sprog uden for dets sædvanlige sammenhæng, på uhyggelige måder eller sat sammen med usædvanlige eller uventede æstetiske modstykker. Fra kubisme til dada til konceptkunst til popkunst og videre har typografisk kunst undersøgt vores brug af skrevne symboler i over 100 år. Den har udvidet grænserne og mulighederne for, hvad vi opfatter sprog som, og hvad vi tror, det kan opnå.
Kubistisk typografisk kunst
Et af de første eksempler på modernistisk typografisk kunst er Pablo Picasso’s Stilleben med stoleryg, skabt i 1912. Dette ikoniske værk betragtes også som Picassos første collage, hvilket markerer begyndelsen på syntetisk kubisme. Værket vækker mindelser om overfladen på et cafébord og indeholder elementer som et drikkeglas, en pibe, en avis og en caféstol blandt andre ting. Ud over at være vigtigt for kubismens udvikling er det også en nøgle til vores forståelse af typografisk abstraktion. Værket indeholder tre malede bogstaver, der synes at stave ordet “JOU,” som på fransk kan oversættes til “spil.” Eller JOU kunne være en del af udtrykket “Le Journal,” navnet på den mest læste avis i Paris på det tidspunkt, hvor dette værk blev lavet.
Da billedsproget i Stilleben med stoleryg henviser til en avis, kunne Picasso let have haft til hensigt at referere til Le Journal. Men teksten kunne også have været en legende hentydning til visuelle eller konceptuelle spil. En anden mulighed er, at forvirringen mellem disse fortolkninger var en bevidst udtalelse, Picasso ville give om nyhedsmedierne og deres tendens til at forvirre mening og hensigt i deres rapportering. Under alle omstændigheder er pointen ikke at identificere Picassos hensigt. Pointen er at anerkende uklarheden. Hele spørgsmålet om betydningen af værkets typografiske elementer identificerer det som repræsentativt for fødslen af modernistisk typografisk abstraktion.
Francis Picabia - Dame! Illustration til forsiden af tidsskriftet Dadaphone nr. 7, Paris, marts 1920
Dada-kunst og typografi
Umiddelbart efter kubismens fremkomst kom dadaisterne, en gruppe kunstnere dedikeret til at konfrontere absurditeten i deres civilisation. Dadaisterne brugte collage som et visuelt medie og inkluderede mange abstrakte typografiske referencer i deres værker. Francis Picabia var en af de mest berømte dadaister, der brugte typografi. Uddannet som en dygtig realistisk maler, digter og typograf, vidste Picabia godt, at formålet med skriftligt sprog var kommunikation. Alligevel gik han langt i sine dadaistiske værker for at skabe uhyggelige, absurdistiske skriftlige kompositioner, der kunne tolkes på vidt forskellige måder eller endda opfattes som vrøvl.
Tag for eksempel en forside, Picabia lavede til dadaist-tidsskriftet Dadaphone i 1920. Billedet hedder “Dame!” Det indeholder et abstrakt billede af en spiral og flere tekstområder. Den fulde oversættelse af teksten er: “Kød, der har drukket for meget, er en napolitansk oksekød,” “hænderne i den kanoniske lort,” “lapper hendes seng,” og “damenes vindebro.” Betydningen af ordene er lige så uklar som betydningen af spiralen. Er billedet ment som en skrue? Er det noget legende, som konfetti? Er det et billede af mekanisk fremskridt? Er det et budskab om fortvivlelse eller fremskridt? Teksten gør intet for at tydeliggøre betydningen, men tilføjer lag af abstraktion, der opnår det modsatte af, hvad Picabia forstod, at sproget som medium er beregnet til at opnå, nemlig klarhed.
Jasper Johns og typografi
I 1950’erne steg maleren Jasper Johns frem for sin abstrakte brug af ikoniske kultursymboler, ofte inklusive typografiske symboler. Johns tilegnede sig symbolske former som det amerikanske flag og et målskive, og udforskede dem på måder, der omplacerede dem som abstrakte former snarere end meningsfulde symboler, adskilt fra deres kulturelle betydning. Johns undgik at forklare betydningen eller formålet med sine værker og indikerede, at han ønskede, at de skulle være “færdige,” dvs. fortolket af beskueren.
Joseph Kosuth - One and Three Chairs, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), New York City
Johns indarbejdede berømt det engelske alfabet samt arabiske tal i et stort antal af sine værker. Han brugte disse typografiske elementer som tilsyneladende meningsløst motiv for malerier, der syntes at handle mere om formelle kvaliteter som overflade, tekstur, tredimensionalitet og maleriskhed end om noget repræsentativt. Han indarbejdede også ord, såsom farvenavne, malede dem ind og satte dem sammen med forskellige farver, hvilket forvirrede ordenes betydning. Disse typografiske værker udfordrede, om typografi var et redskab til kommunikation, eller om det blot var en samling former, der kunne bruges abstrakt, som geometriske abstraktionister havde malet cirkler, firkanter, kors og trekanter.
Andy Warhol - Campbell’s Soup Cans, 1962, syntetisk polymermaling, cm x 41 cm, Museum of Modern Art, New York City, © 2017 Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York City
Konceptkunst, popkunst og typografi
Johns’ arbejde havde indflydelse på Andy Warhol, som berømt kombinerede symbolske og typografiske elementer i sine værker. Warhols Campbell’s Soup Cans, skabt i 1962, bestod af 32 separate tryk, der hver repræsenterede en af de 32 supper, som Campbell Company tilbød på det tidspunkt. Disse værker var flade, mekanisk fremstillede og benyttede motiver, der tilsyneladende var uden relevans. Teksten kommunikerede intet andet end kommerciel branding. Gennem denne abstraherede brug af typografiske billeder rejste Warhol spørgsmål om meningen eller meningsløsheden i både forbrugerkultur og kunst.
Jasper Johns påvirkede også konceptkunstnere som Joseph Kosuth. Kosuth brugte typografi som en tredjedel af sit berømte værk One and Three Chairs, skabt i 1965. I dette værk præsenterede Kosuth sammen et fotografi af en stol, en faktisk træstol og en skriftlig beskrivelse af en stol. Værket antydede, at alle tre elementer ikke repræsenterede en stol, men idéen om en stol. Kun ét af elementerne var funktionelt som stol. Fotografiet og den typografiske beskrivelse var begge abstraktioner.
Guerrilla Girls - Skal kvinder være nøgne for at komme ind på Met Museum? 1989, serigrafi på papir, 280x710mm, © Guerrilla Girls
Form og det malede ord
Kunstnere i dag bruger ofte tekst, mange gange med hensigten at den skal tages for pålydende, læses og forstås. For eksempel Guerilla Girls, en sammenslutning af kvindelige kunstnere, som bruger ikke-abstrakt typografisk budskab som en integreret del af deres sociale retfærdighedskunst.
Den abstrakte brug af typografi i kunsten engagerer sig i en anden social retfærdighedsmission, en uden et klart mål. Gennem typografisk abstraktion stiller kunstnere ikke spørgsmål ved ét bestemt kulturelt ideal. De stiller spørgsmål ved hele begrebet kommunikation. Efterhånden som vores samfund bliver mere komplekse, komplicerer vores brug af typografi ofte kun tingene yderligere for masserne, mens beskuere, der har lært at oversætte de skjulte budskaber, deler hemmeligheder i fuld åbenhed. Abstrakt typografisk kunst stiller spørgsmål ved værdien og objektiviteten af skriftligt sprog og spørger, om noget mere væsentligt, som vi kunne kommunikere på mere intuitive måder, går tabt.
Fremhævet billede: Pablo Picasso - Stilleben med stoleryg, 1912, olie og blandede medier på olielærred, 11 2/5 × 14 3/5 tommer, Musée National Picasso, Paris, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), New York City
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
