Ein Museum in Tasmanien versammelt die Gründer der Zero-Kunstbewegung

Der australische Kunstsammler und Glücksspielmagnat David Walsh hat kürzlich eine wegweisende Ausstellung der Zero-Kunstbewegung in seinem Museum of Old and New Art (MONA) in Hobart, Tasmanien, eröffnet. Mit dem Titel ZERO zeigt die Ausstellung Werke von 16 Künstlern aus sieben Ländern, von denen mehrere zum ersten Mal seit ihrem Debüt vor mehr als einem halben Jahrhundert installiert wurden. Um den Besuchern noch mehr Dramatik zu bieten und einen zusätzlichen Anreiz zu schaffen, diese abgelegene Gegend zu besuchen, ist die Umgebung, in der diese monumentale Ausstellung stattfindet, von Bedeutung. MONA liegt größtenteils unterirdisch. Das Gebäude ist mehrere Stockwerke unterhalb eines Paares von markanten Gebäuden des australischen Modernisten-Architekten Roy Grounds errichtet. Im Gegensatz zu den meisten anderen Museen, die natürliches Licht willkommen heißen und versuchen, den Besuchern das Gefühl zu geben, sich in einem offenen, einladenden Raum zu befinden, ist MONA entschieden unnatürlich und manchmal sogar ein wenig unfreundlich. Beim Betreten steigen die Besucher in eine etwas fremdartige Umgebung hinab, in der die Kraft der Architektur oft mit der Kunst konkurriert, die sie unterstützen soll. Dennoch zwingt der Raum die Betrachter auch dazu, Trost bei einander und bei den Werken zu suchen. In gewisser Weise ist die Umgebung ideal, um die Arbeiten der Zero-Künstler zu präsentieren, da sie zwei ihrer wesentlichen Ideen verkörpert: dass Kunst von Möglichkeiten und dem Unbekannten handelt und dass sie echte Erfahrungen zwischen Menschen, Materialien und Raum einbeziehen sollte.

Gespeichert von Zero

Die Zero-Bewegung wurde 1957 von Heinz Mack und Otto Piene aus dem Wunsch heraus gegründet, neu zu beginnen. Wie viele ihrer Zeitgenossen strebten Mack und Piene danach, der Vergangenheit zu entkommen und sich von dem Egoismus und den Emotionen zu befreien, die so viel der Kunst ihrer Zeit kontrolliert hatten. In Düsseldorf, wo sie lebten und arbeiteten, gab es nur wenige Kunstgalerien. Und anderswo tendierten die Geschmäcker des Marktes zu Kunstwerken, die eine Art "Kult der Individualität" ausdrückten, verkörpert durch ästhetische Positionen, die persönliche Emotionen zum Ausdruck brachten, wie Tachisme, Art Informel und Abstract Expressionism. Mack und Piene betrachteten Zusammenarbeit als wichtiger als Individualismus. Sie glaubten, dass der Wert der Kunst in der Erfahrung lag, die sie zwischen Machern, Betrachtern, Materialien und Umgebungen anstoßen konnte. Sie waren der Meinung, dass das traditionelle, einzelne, vom Künstler geschaffene Objekt tot war, und sie wollten einen neuen Ausgangspunkt schaffen, von dem aus sie der Zukunft Wurzeln schlagen lassen konnten.

Otto Piene - Pirouetten, 1960er Jahre; 2012 rekreiert. Sammlung More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Bild mit freundlicher Genehmigung des Museum of Old and New Art (Mona)

Mack und Piene hielten am 11. April 1957 in ihrem Studio ihre erste Ausstellung dessen, was sie als die Zukunft der Kunst betrachteten. Es war eine einmalige Veranstaltung, die die Ephemerität umarmen sollte. Die Ausstellung erzeugte enormes Interesse und wurde schnell von mehreren weiteren experimentellen, einmaligen Ausstellungen gefolgt. Aber erst nach ihrer vierten Ausstellung im September 1957 kamen sie auf das Wort Zero, um ihre Zusammenarbeit zu beschreiben. Das Wort sollte die Idee vermitteln, dass die Vergangenheit offiziell beendet war – es war ein Ausgangspunkt für die Zukunft. Wie Piene es beschrieb: „Wir betrachteten den Begriff... als ein Wort, das eine Zone der Stille und der reinen Möglichkeiten für einen Neuanfang anzeigt, wie beim Countdown, wenn Raketen starten – null ist die unmessbare Zone, in der der alte Zustand in den neuen übergeht.“

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Bottle Smashing Room), 1961; 2018 rekreiert. Sammlung Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Copyright: Adolf Luther Stiftung. Bild mit freundlicher Genehmigung des Museums für Alte und Neue Kunst (Mona)

NULL, nicht Null

Trotz der Offenheit der Bewegung hatten Mack und Piene eine seltsame Vorstellung. Sie stipulierten, dass die Gründer beim Schreiben über sie als „Zero“ bezeichnet werden sollten, während andere assoziierte Künstler als „ZERO“ bezeichnet werden sollten. Deshalb verwendet die Ausstellung im MONA durchgehend Großbuchstaben – weil sie hauptsächlich Werke des größeren internationalen Netzwerks von Künstlern zeigt, die mit der Philosophie assoziiert sind. Dennoch macht ZERO im MONA deutlich, dass es in der Bewegung keine Außenseiter gab. Alle waren willkommen. Es gab kein Zero-Manifest und keine offizielle Mitgliedschaft. Diese Haltung führte dazu, dass eine Vielzahl von Arbeiten von ZERO-Künstlern geschaffen wurde, die in dieser Ausstellung durch die Rekreation solcher wegweisenden ZERO-Werke wie „Bottle Smashing Room“ (1961) von Adolf Luthor und „Mirror Environment“ (1963) von Christian Megert verkörpert sind. Die einladende Haltung der Bewegung wird auch in dieser Ausstellung durch die Einbeziehung von Künstlern aus den vielen anderen internationalen Bewegungen, die Zero inspiriert hat, demonstriert, wie die Gutai-Gruppe in Japan, Nouveau Réalisme in Paris, Light and Space in den Vereinigten Staaten und die internationale Bewegung namens Fluxus. Seltene Werke von Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein und Yayoi Kusama, die diese Verbindungen demonstrieren, heben beispielsweise Aspekte ihrer Praxis hervor, die sich stark von den Arbeiten unterscheiden, für die sie hauptsächlich bekannt sind.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Sammlung Kern, Großmaischeid. Copyright: Nachlass von Roy Lichtenstein/Copyright-Agentur, 2018. Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und des Museums für Alte und Neue Kunst (Mona)

Einer der wichtigsten Aspekte dieser Ausstellung ist, dass sie die zeitgenössische Aufmerksamkeit auf die Notwendigkeit lenkt, die zeitgenössische Kunst zu erneuern. Obwohl die Gründer von Zero sich 1966 offiziell auflösten, hat die Bewegung, die sie ins Leben riefen, nie wirklich geendet. Und diese Ausstellung deutet auch auf etwas noch Wichtigeres hin: die Idee, dass die Zero-Kunstbewegung vielleicht nie wirklich begonnen hat. Es war vielleicht keine Bewegung, die an einem Ort zu einem bestimmten Zeitpunkt erfunden wurde, sondern vielmehr Teil eines viel größeren Kontinuums, das sich unendlich zurück erstreckt, bis zu dem ersten Moment, in dem Menschen den Wunsch hatten, visuelle Phänomene zu nutzen, um über sich selbst hinaus zu etwas Reinem und Neuem zu gelangen. Die Werke in ZERo bei MONA sind so frisch und so vital, selbst jetzt, dass sie mich inspirieren zu glauben, dass ZERO vielleicht sogar heute weitergeht, wann immer Gruppen von Künstlern zusammenkommen, um an ästhetischen Kreationen zu arbeiten, die über das Erwartete oder das bereits Bekannte hinausgehen. In diesem Moment ist diese Ausstellung und die Botschaft, die sie sendet, von wesentlicher Bedeutung. Sie erinnert uns an das zentrale Prinzip der Zero-Kunst: dass Kunst von Erfahrungen und Beziehungen zwischen Menschen, ihrer Umgebung und ihren gemeinsamen Bemühungen handelt, sich eine bessere Zukunft vorzustellen. ZERO bei MONA ist bis zum 22. April 2019 zu sehen.

Vorschaubild: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastischer Raum), 1967–68. Sammlung Gianni Colombo Archiv, Mailand © Gianni Colombo Archiv. Bild mit freundlicher Genehmigung des Museums für alte und neue Kunst (Mona)

Von Phillip Barcio