Ein Museum in Tasmanien versammelt die Gründer der Zero-Kunstbewegung

Der australische Kunstsammler und Glücksspielmagnat David Walsh eröffnete kürzlich eine bedeutende Ausstellung der Zero-Kunstbewegung in seinem Museum für Alte und Neue Kunst (MONA) in Hobart, Tasmanien. Unter dem Titel ZERO zeigt die Ausstellung Werke von 16 Künstlern aus sieben Ländern, von denen mehrere seit ihrer Premiere vor mehr als einem halben Jahrhundert erstmals wieder gezeigt werden. Für noch mehr Dramatik bei den Besuchern und einen zusätzlichen Anreiz, die Reise zu diesem abgelegenen Ort anzutreten, sorgt das Umfeld, in dem diese monumentale Ausstellung stattfindet. MONA liegt größtenteils unterirdisch. Das Gebäude wurde mehrere Stockwerke unter zwei markanten Bauwerken des australischen Modernisten Roy Grounds errichtet. Anders als die meisten anderen Museen, die natürliches Licht willkommen heißen und darauf abzielen, den Besuchern das Gefühl zu geben, sich in einem offenen, einladenden Raum zu befinden, ist MONA entschieden unnatürlich und mitunter sogar etwas unfreundlich. Beim Betreten steigen die Besucher in eine etwas fremdartige Umgebung hinab, in der die Kraft der Architektur oft mit der Kunst konkurriert, die sie eigentlich unterstützen soll. Doch der Raum treibt die Betrachter auch dazu, Trost bei einander und bei den Werken zu suchen. In gewisser Weise ist die Umgebung ideal, um die Werke der Zero-Künstler zu präsentieren, da sie zwei ihrer wesentlichen Ideen verkörpert: dass Kunst von Möglichkeiten und dem Unbekannten handelt und dass sie echte Erfahrungen zwischen Menschen, Materialien und Raum einbeziehen sollte.

Gerettet durch Null

Die Zero-Bewegung wurde 1957 von Heinz Mack und Otto Piene aus dem Wunsch heraus gegründet, neu anzufangen. Wie viele ihrer Zeitgenossen strebten Mack und Piene danach, der Vergangenheit zu entkommen und sich vom Egoismus und der Emotion zu lösen, die einen Großteil der Kunst ihrer Zeit beherrschten. In Düsseldorf, wo sie lebten und arbeiteten, gab es nur wenige Kunstgalerien. Und anderswo tendierte der Geschmack des Marktes zu Kunstwerken, die eine Art „Kult der Individualität“ ausdrückten, verkörpert durch ästhetische Positionen, die persönliche Emotionen zeigten, wie Tachismus, Art Informel und Abstrakter Expressionismus. Mack und Piene betrachteten Zusammenarbeit als wichtiger als Individualismus. Sie glaubten, dass der Wert der Kunst in der Erfahrung liegt, die sie zwischen Schaffenden, Betrachtern, Materialien und Umgebungen auslösen kann. Sie waren der Ansicht, dass das traditionelle, einzelne, vom Künstler geschaffene Objekt tot sei, und wollten einen neuen Ausgangspunkt schaffen, von dem aus die Zukunft Wurzeln schlagen kann.

Otto Piene - Pirouetten, 1960er Jahre; 2012 neu geschaffen. Sammlung More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agentur, 2018. Bild mit freundlicher Genehmigung des Museum für Alte und Neue Kunst (Mona)

Mack und Piene veranstalteten ihre erste Ausstellung dessen, was sie als die Zukunft der Kunst betrachteten, am 11. April 1957 in ihrem Atelier. Es war eine einmalige Veranstaltung, die Vergänglichkeit umarmen sollte. Die Ausstellung erzeugte großes Interesse und wurde schnell von mehreren weiteren experimentellen Einzelausstellungen gefolgt. Doch erst nach ihrer vierten Ausstellung im September 1957 prägten sie den Begriff Zero, um ihre Zusammenarbeit zu beschreiben. Das Wort sollte die Idee vermitteln, dass die Vergangenheit offiziell beendet war – es war ein Ausgangspunkt für die Zukunft. Wie Piene es beschrieb: „Wir betrachteten den Begriff... als ein Wort, das eine Zone der Stille und reiner Möglichkeiten für einen Neuanfang anzeigt, wie beim Countdown, wenn Raketen starten – Null ist die unermessliche Zone, in der der alte Zustand in den neuen übergeht.“

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, 1961; 2018 neu geschaffen. Sammlung Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Urheberrecht: Adolf Luther Stiftung. Bild mit freundlicher Genehmigung des Museum für Alte und Neue Kunst (Mona)

ZERO, nicht Zero

Trotz der Offenheit der Bewegung hatten Mack und Piene eine eigenartige Eigenheit. Sie legten fest, dass bei der Erwähnung der Gründer der Begriff „Zero“ verwendet werden sollte, während andere assoziierte Künstler mit „ZERO“ bezeichnet werden sollten. Deshalb verwendet die Ausstellung im MONA Großbuchstaben – weil sie hauptsächlich Werke des größeren internationalen Netzwerks von Künstlern zeigt, die sich mit der Philosophie identifizieren. Dennoch macht ZERO im MONA deutlich, dass es keine Außenseiter in der Bewegung gab. Alle waren willkommen. Es gab kein Zero-Manifest und keine offizielle Mitgliedschaft. Diese Haltung führte dazu, dass eine große Bandbreite an Werken von ZERO-Künstlern geschaffen wurde, die in dieser Ausstellung durch die Nachbildung so bedeutender ZERO-Werke wie „Flaschenzerschlagungsraum“ (1961) von Adolf Luther und „Spiegelumgebung“ (1963) von Christian Megert verkörpert wird. Die einladende Haltung der Bewegung zeigt sich in dieser Ausstellung auch durch die Einbeziehung von Künstlern aus vielen anderen internationalen Bewegungen, die Zero inspiriert hat, wie der Gutai-Gruppe in Japan, dem Neuen Realismus in Paris, Light and Space in den Vereinigten Staaten und der internationalen Bewegung Fluxus. Diese Verbindungen werden durch seltene Werke von Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein und Yayoi Kusama verdeutlicht, die Aspekte ihrer Arbeit hervorheben, die sich deutlich von den Werken unterscheiden, für die sie hauptsächlich bekannt sind.

Roy Lichtenstein - Meereslandschaft II, 1965. Sammlung Kern, Großmaischeid. Urheberrecht: Nachlass Roy Lichtenstein/Copyright Agentur, 2018. Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und des Museum für Alte und Neue Kunst (Mona)

Einer der wichtigsten Aspekte dieser Ausstellung ist, dass sie die zeitgenössische Aufmerksamkeit auf die Notwendigkeit lenkt, die zeitgenössische Kunst zu erneuern. Obwohl die Gründer von Zero sich 1966 offiziell auflösten, hat die von ihnen gestartete Bewegung nie wirklich aufgehört. Und diese Ausstellung deutet auch etwas noch Wichtigeres an: die Idee, dass die Zero-Kunstbewegung vielleicht nie wirklich begonnen hat. Sie war vielleicht keine Bewegung, die an einem Ort zu einer Zeit erfunden wurde, sondern vielmehr Teil eines viel größeren Kontinuums, das unendlich weit zurückreicht bis zu dem ersten Moment, in dem Menschen den Wunsch hatten, visuelle Phänomene zu nutzen, um über sich hinaus nach etwas Reinem und Neuem zu streben. Die Werke in ZERO im MONA sind so frisch und so lebendig, selbst heute noch, dass sie mich glauben lassen, dass ZERO vielleicht sogar heute weiterlebt, wann immer sich Künstlergruppen zusammenfinden, um ästhetische Schöpfungen zu schaffen, die über das Erwartete oder bereits Bekannte hinausgehen. In diesem Moment ist diese Ausstellung und die Botschaft, die sie vermittelt, von wesentlicher Bedeutung. Sie erinnert uns an das zentrale Grundprinzip der Zero-Kunst: dass Kunst von Erfahrungen und Beziehungen zwischen Menschen, ihrer Umgebung und ihren gemeinsamen Bemühungen handelt, sich eine bessere Zukunft vorzustellen. ZERO im MONA ist bis zum 22. April 2019 zu sehen.

Titelbild: Gianni Colombo - Spazio elastico (Elastischer Raum), 1967–68. Sammlung Gianni Colombo Archiv, Mailand © Gianni Colombo Archiv. Bild mit freundlicher Genehmigung des Museum für Alte und Neue Kunst (Mona)

Von Phillip Barcio