Ein Interview mit Jeremy Annear

Jeremy Annear (geb. 1949) ist ein hochgeschätzter und erfolgreicher abstrakter Künstler mit Sitz in Cornwall, England. Seine Werke befinden sich unter anderem im Besitz des Ionian Trust und der Royal Holloway Sammlung, und er hat international in Kanada, Amerika, Deutschland, Frankreich und Holland ausgestellt; alles Orte, die jeweils ihren eigenen besonderen Einfluss auf seine Arbeit hatten. Seine jüngste Ausstellung in der Lemon Street Galerie in Truro, eine Gemeinschaftsausstellung mit seiner Frau Judy Buxton, war für den Künstler eine Art Heimkehr, denn die Landschaft Cornwalls ist für ihn eine große Quelle der Inspiration und des Nachdenkens. Wir sprachen mit Jeremy über die Ausstellung, seine Laufbahn und seine Sicht auf die Abstraktion.

Können Sie uns etwas über die jüngste Ausstellung „Twofold: in Art and Life“ in der Lemon Street Galerie erzählen?

Die Lemon Street Galerie ist eine führende Galerie in Cornwall und genießt einen sehr guten Ruf im ganzen Land. Sie erstreckt sich über drei Etagen, und Judy, meine Frau, sollte eigentlich eine Ausstellung in der gesamten Galerie haben, aber als sie nicht alle drei Etagen besetzen wollte, wurden wir von Louise Jones, der Galeristin, überredet, gemeinsam auszustellen. Ich hatte eine Einzelausstellung im Keller der Galerie, einem wunderschönen weißen Kubus, sehr minimalistisch, sehr zeitgenössisch, was sehr gut zu meiner Arbeit passt. Ich zeigte etwa 30 Werke in der Ausstellung.

Dies war das erste Mal, dass Sie eine Ausstellung mit Ihrer Frau teilten. Gab es eine Wechselwirkung zwischen Ihren Werken?

Nein, unsere Arbeiten sind wirklich sehr unterschiedlich und wahrscheinlich das Geheimnis unserer erfolgreichen Malpartnerschaft seit dreißig Jahren. Ich habe großen Respekt vor Judy als ausdrucksstarke figurative Malerin und ich denke, sie hat ein unglaubliches Auge. Ich komme aus einer ganz anderen Richtung, aus einer modernistischen Tradition mit Wurzeln in der Ikonenmalerei und dann der italienischen Malerei des Quattrocento, so dass ich durch diese Art von Bild in den Modernismus des 20. Jahrhunderts und Künstler wie Picasso und Paul Klee komme. Die Empfindung in der Arbeit ist sehr verschieden.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Öl auf Leinwand. 80 x 100 cm.

Sie beschreiben einen spielerischen Zugang zur Malerei: Können Sie diesen Aspekt Ihrer Arbeit näher erläutern?

Ich denke, Spielen hat eine tiefere Bedeutung als die allgemein verstandene – nämlich, wenn man spielt, macht man nichts Ernstes –, aber ich denke, es gibt eine Herangehensweise, besonders in der Kreativität und im Denken, bei der Spielen ein leichtfüßiger Zugang ist, bei dem man Dinge wie Ironie und Metapher und sogar Aspekte von Unfug und Schelmerei erkennt, wie der „Narr“ in der Literatur. Wenn ich von Spielen spreche, meine ich es in diesem Sinne; es ist ein Ort, an dem man von pedantischer Ernsthaftigkeit befreit ist, aber es hat eine andere Art von Ernsthaftigkeit, die sehr produktiv ist.

Können Sie Ihre Erfahrungen bei der Arbeit und Ausstellung in anderen Ländern beschreiben?

Ich hatte immer ein gutes Verhältnis zur Ausstellung meiner Werke in Deutschland und der Schweiz. Ich habe ein Jahr in Worpswede, Deutschland, gelebt. Es ist ein absolut erstaunlicher Ort, der vielen Künstlern, Musikern und Schriftstellern Aufenthalte bietet – meiner war ein sehr großzügiges DAAD-Stipendium –, und es war sehr interessant, in Deutschland zu sein, dort zu arbeiten und andere Künstler zu treffen, viele aus Osteuropa, aber auch einige deutsche Künstler, und dieses etwas überwältigende Gefühl in Deutschland zu spüren, dass Dinge sehr gut ausgeführt und sehr klar sein müssen. Die Landschaft spiegelte das wider, denn es sind die zurückgewonnenen Moorlandschaften Norddeutschlands. Es ist viel Moorland, das durch Wasser zurückgewonnen wurde, so dass ich, obwohl ich nicht am Meer war, das Gefühl hatte, am Meer zu sitzen. Es ist Torfmoor, und schwarze Deiche sind in die Landschaft geschnitten, um sie zu zähmen, wodurch gut geordnete gerade Linien über Meilen entstehen, aber gleichzeitig beginnt die Vegetation, die Ordnung zu übernehmen, und ein Teil der Ordnung wird durch ein unbändiges natürliches Leben gestört. Es ist eine schöne Landschaft, aber es hat lange gedauert, bis ich mich hineingefunden habe, weil ich sie fast einschüchternd fand, so streng und starr war sie. Als ich mich eingelebt hatte, habe ich es wirklich genossen. Ich habe auch viel in Australien sowie in Spanien und Frankreich gearbeitet, ich mag es wirklich, in der Hitze zu arbeiten. Ich mag die Kultur, die oft in warmen Gegenden herrscht: die Möglichkeit, sich in einem heißen Land körperlich freier zu bewegen, im Gegensatz zum feuchten alten Cornwall!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Öl auf Leinwand. 100 x 80 cm. 

Haben all diese verschiedenen Orte Ihre Arbeit in unterschiedliche Richtungen gelenkt?

Sie haben mir die Fähigkeit gegeben, Arbeit umfassender zu sehen. In Deutschland interessierte mich besonders die Idee der Collage, sowohl philosophisch als auch in der Herstellung von Collagen, und die Idee, ein Konzept oder eine Idee über eine andere zu legen; ein geschichteter Arbeitsansatz. In Australien war ich beeindruckt von dem giftigen Gefühl einer Landschaft, die verfällt, sich aber ständig erneuert, als würde sie ständig vom Feuer geprüft. In Frankreich und besonders in Spanien mochte ich den mutigen Geist der Spanier – Spanien ist ein heißes verdammtes Land, es hat dieses Gefühl, an einem gefährlichen Ort zu leben, was die Politik betrifft, und ich mag diese Schärfe; ich mag die Dunkelheit, die durch die extreme Helligkeit entsteht: das Gefühl von Hell-Dunkel-Kontrast. Ich mag die Rottöne, die durch die Hitze entstehen. Bestimmte Dinge in verschiedenen Ländern haben wirklich Einfluss auf meine Arbeitsweise gehabt.

Warum haben Sie die Abstraktion gewählt?

Die einfache Antwort ist, dass die Abstraktion mich gewählt hat. Das Geistige und Philosophische und die großen Fragen haben mich schon in meinen prägenden Jahren angezogen. Es hat in der Kunst immer existiert und betrifft das Warum und Wie: die Form und das Konzept hinter Erzählung und Figuration.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018. Öl auf Leinwand. 60 x 40 cm.

Glauben Sie, dass die abstrakte Malerei in den letzten Jahren eine Wiedergeburt erlebt hat?

Ich glaube das eigentlich nicht. Ich habe besonders starke Gefühle gegenüber dem britischen Zugang zur Abstraktion, weil ich denke, dass die Briten im Allgemeinen Abstraktion sehr schwierig finden. Ich denke, die britische Empfindung ist es, Erzählungen in Dingen zu finden, wir haben eine sehr starke literarische und musikalische Tradition in Großbritannien, aber ich habe das Gefühl, dass die Kunsttradition in Bezug auf Abstraktion nicht so stark war. Ein Ort wie Deutschland kann viel besser mit abstrakten Konzepten und Denken umgehen. Es gibt eine Tendenz, anekdotisch gesprochen, in der Kunstwelt zu fotorealistischer, makellos vollendeter Perfektion in der Kunst, die nicht unbedingt abstrakt ist, aber Schichten von Bedeutung hat, einen postmodernen Ansatz: eine Collage aus Abstraktion und Figuration. Ich liebe reine Abstraktion, obwohl ich nicht immer ein reiner Abstraktionist war; ich habe wahrscheinlich eine Phase durchlaufen, in der ich Objekte abstrahierte, bis ich jetzt an einem Punkt der reinen Abstraktion angekommen bin.

Überarbeiten Sie jemals Werke oder kehren Sie zu früheren Arbeiten zurück?

Ich bin zu Arbeiten zurückgekehrt und habe sie erneut bearbeitet. Ich arbeite nie an einem Werk zur Zeit; ich arbeite an einem Werkkomplex. Ich habe eine Reihe von Gemälden, an denen ich im Atelier arbeiten kann. Ich denke auch, dass mein Leben als Maler nicht um einzelne Gemälde geht, sondern um die Suche nach der wesentlichsten Aussage, die ich so einfach und minimal wie möglich machen kann. Mein ideales Gemälde wäre ein völlig leerer Raum, aber eine Fläche, die zugleich fesselnd ist, aber das ist wie die Vollkommenheit, von der ich weiß, dass ich sie nie erreichen werde! Ich suche wirklich nach dem Wesentlichen der Sprache, die ich spreche; Malerei ist meine Sprache, und ich versuche, den besten Weg zu finden, das, was ich sagen will, so knapp wie möglich auszudrücken.

Gab es eine jüngste Ausstellung, die Ihnen besonders in Erinnerung geblieben ist?

Ich habe kürzlich eine Louise Bourgeois-Ausstellung in Malaga im Picasso-Museum gesehen, die absolut erstaunlich war, und ich liebe ihre Arbeit sehr. Ich habe auch einen kürzlichen Besuch im Miró-Museum in Barcelona genossen. Braque habe ich immer als meinen Malervater angesehen, es gibt etwas, das ich an seiner Arbeit sehr fesselnd finde. Wenn ich das Leben von Braque betrachte, seine Höhen und Tiefen beim Malen und den Menschen, der er war: Ich finde sein Leben faszinierend. Ich bin ein Liebhaber des Modernismus in all seinen Erscheinungsformen, Musik, Architektur und Kunst. Und ich bin ein großer Liebhaber des Brutalismus in der Architektur und des Minimalismus in der Musik.

Titelbild: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Öl auf Leinwand. 70 x 90 cm.