Ein Interview mit Jeremy Annear

Jeremy Annear (geb. 1949) ist ein hoch angesehener und erfolgreicher abstrakter Künstler mit Sitz in Cornwall, England. Seine Werke befinden sich unter anderem im Besitz des Ionian Trust und der Royal Holloway Collection, und er hat international in Kanada, Amerika, Deutschland, Frankreich und Holland ausgestellt; all diese Orte haben einen einzigartigen Einfluss auf sein Werk ausgeübt. Seine letzte Ausstellung in der Lemon Street Gallery in Truro, eine Gemeinschaftsausstellung mit seiner Frau Judy Buxton, war für den Künstler eine Art Heimkehr, da die Landschaft Cornwalls eine große Inspirations- und Kontemplationsquelle für ihn ist. Wir sprachen mit Jeremy über die Ausstellung, seine Karriere und seine Sicht auf die Abstraktion.

Können Sie uns über die kürzliche Ausstellung "Twofold: in Art and Life" in der Lemon Street Gallery erzählen?

Die Lemon Street Gallery ist eine führende Galerie in Cornwall und hat einen sehr guten Ruf auf nationaler Ebene. Sie erstreckt sich über drei Etagen und Judy, meine Frau, sollte eine Ausstellung in der gesamten Galerie haben, aber als sie das Gefühl hatte, dass sie nicht alle drei Etagen besetzen wollte, wurden wir von Louise Jones, der Galeristin, überzeugt, gemeinsam auszustellen. Ich hatte eine Einzelausstellung im Untergeschoss der Galerie, das ein wunderschöner weißer Kubus ist, sehr minimalistisch, sehr zeitgenössisch, es passt sehr gut zu meiner Arbeit. Ich hatte etwa 30 Werke in der Ausstellung.

"Das war das erste Mal, dass du eine Ausstellung mit deiner Frau geteilt hast. Gab es irgendeine Interaktion zwischen euren Arbeiten?"

Nein, unsere Arbeit ist wirklich sehr unterschiedlich und wahrscheinlich das Geheimnis unserer erfolgreichen Malpartnerschaft seit dreißig Jahren. Ich habe enormen Respekt vor Judy als ausdrucksstarker figurativer Malerin und ich denke, sie hat ein unglaubliches Auge. Ich komme aus einem ganz anderen Bereich, aus einer modernistischen Tradition mit meinen Wurzeln in der Ikonenmalerei und dann der italienischen Malerei des Quattrocento, also komme ich durch diese Art von Bild in den modernen 20. Jahrhundert und Menschen wie Picasso und Paul Klee. Es gibt eine ganz andere Sensibilität in der Arbeit.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Öl auf Leinwand. 80 x 100 cm.

"Du beschreibst einen spielerischen Ansatz beim Malen: Kannst du diesen Aspekt deiner Praxis näher erläutern?"

Ich denke, dass es eine tiefere Bedeutung des Spiels gibt als die allgemein verstandene Auffassung von Spiel – also, wenn du spielst, dann machst du nichts Ernstes –, aber ich denke, dass es einen Ansatz gibt, insbesondere in der Kreativität und im Denken, bei dem Spiel eine lockere Herangehensweise ist und man Dinge wie Ironie und Metapher sowie sogar Aspekte von Unfug und Schabernack erkennt, wie in ‚der Narr‘ in der Literatur. Wenn ich über Spiel spreche, spreche ich in diesem Sinne darüber; es ist ein Ort, an dem man von einer pedantischen Ernsthaftigkeit befreit ist, aber es hat eine andere Art von Ernsthaftigkeit, die schrecklich produktiv ist.

Können Sie Ihre Erfahrungen bei der Arbeit und Ausstellung in anderen Ländern beschreiben?

Ich hatte immer ein gutes Verhältnis zur Präsentation von Arbeiten in Deutschland und der Schweiz. Ich lebte ein Jahr in Worpswede, Deutschland. Es ist ein absolut erstaunlicher Ort, der vielen Künstlern, Musikern und Schriftstellern Residenzen bietet – meine war ein sehr großzügiges DAAD-Stipendium – und es war sehr interessant, in Deutschland zu sein, dort zu arbeiten und andere Künstler zu treffen, viele von ihnen aus Osteuropa, aber auch eine Reihe deutscher Künstler, und das leicht überwältigende Gefühl in Deutschland zu spüren, dass alles sehr gut ausgeführt und sehr klar sein muss. Die Landschaft spiegelte das wider, denn es sind die rekultivierten Moorgebiete Norddeutschlands. Es ist viel Moorland, das wiedergewonnenes Wasser ist, also, obwohl ich nicht in der Nähe des Meeres war, hatte ich das Gefühl, als würde ich auf dem Meer sitzen. Es ist Torfmoor und schwarze Deiche sind in die Landschaft geschnitten, um sie zu zähmen, was gut geordnete gerade Linien über Meilen hinweg schafft, aber gleichzeitig beginnt die Vegetation, die Oberhand zu gewinnen, und ein Teil der Ordnung wird durch ein ungezähmtes Naturleben gestört. Es ist eine wunderschöne Landschaft, aber es hat lange gedauert, bis ich mich daran gewöhnt habe, weil ich sie fast einschüchternd fand, da sie so streng und starr war. Sobald ich mich daran gewöhnt hatte, habe ich es wirklich genossen. Ich habe auch umfangreich in Australien sowie in Spanien und Frankreich gearbeitet, also arbeite ich wirklich gerne in der Hitze. Ich mag die Kultur, die oft um warme Orte herum existiert: die Möglichkeit, in einem heißen Land körperlich freier zu sein, als in dem feuchten alten Cornwall!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Öl auf Leinwand. 100 x 80 cm. 

Haben all diese verschiedenen Orte Ihre Arbeit in unterschiedliche Richtungen geführt?

"Sie haben mir die Fähigkeit gegeben, die Arbeit umfassender zu sehen. In Deutschland war ich sehr an der Idee der Collage interessiert, sowohl philosophisch als auch in der Herstellung von Collagen, und an der Idee, ein Konzept oder eine Idee gegen eine andere Idee zu überlagern; ein geschichteter Ansatz zur Arbeit. In Australien war ich überwältigt von dem giftigen Gefühl einer Landschaft, die verfällt, sich aber selbst erneuert, als ob sie ständig durch Feuer geprüft wird. In Frankreich und insbesondere in Spanien liebte ich das mutige Gefühl, das die Spanier haben – es ist ein heißes verdammtes Land, Spanien, es hat dieses Gefühl, leicht an einem gefährlichen Ort in Bezug auf die Politik zu leben, und ich mag diese Schärfe; ich mag die Dunkelheit, die durch die extreme Helligkeit entsteht: das Gefühl von Chiaroscuro. Ich mag die Rottöne, die durch die Hitze entstehen. Bestimmte Dinge in verschiedenen Ländern haben wirklich einen Einfluss auf meine Arbeitsweise gehabt."

Warum hast du Abstraktion gewählt?

Die einfache Antwort ist, dass die Abstraktion mich gewählt hat. Die spirituellen und philosophischen Fragen und die großen Fragen haben mich schon in meinen prägenden Jahren immer angezogen. Sie existiert schon immer in der Kunst und hat mit dem Warum und Wie zu tun: der Form und dem Konzept hinter Erzählung und Figuration.

Jeremy Annear - Meeresmusik., 2018. Öl auf Leinwand. 60 x 40 cm.

Glauben Sie, dass die abstrakte Malerei in den letzten Jahren eine Renaissance erlebt hat?

Ich eigentlich nicht. Ich habe ziemlich starke Gefühle, insbesondere bezüglich des britischen Ansatzes zur Abstraktion, weil ich denke, dass die Briten im Großen und Ganzen Abstraktion sehr schwierig finden. Ich denke, die britische Sensibilität besteht darin, in Dingen eine Erzählung zu finden, daher haben wir eine sehr starke literarische und musikalische Tradition in Großbritannien, aber ich habe das Gefühl, dass die Kunsttradition in Bezug auf Abstraktion nicht so stark war. Ein Ort wie Deutschland kann viel besser mit abstrakten Konzepten und Denken umgehen. Es gibt eine Tendenz, anekdotisch gesprochen, in der Kunstwelt zu einem fotorealistischen, makellos fertigen, perfekten Kunstwerk, das nicht unbedingt abstrakt ist, aber Schichten von Bedeutung hat, einen postmodernen Ansatz: eine Collage aus sowohl Abstraktion als auch Figuration. Ich liebe reine Abstraktion, obwohl ich nicht immer ein reiner Abstraktionist war; ich habe wahrscheinlich eine Phase durchgemacht, in der ich Objekte abstrahierte, bis ich jetzt an einem Punkt reiner Abstraktion angekommen bin.

Überarbeitest du jemals einige Stücke oder besuchst frühere Produktionen erneut?

Ich bin zurück zur Arbeit gekommen und habe wieder daran gearbeitet. Ich arbeite nie an einem Stück zur gleichen Zeit; ich arbeite an einem Gesamtwerk. Ich habe eine Reihe von Gemälden, die im Atelier bearbeitet werden können. Ich denke auch, dass mein Leben als Maler nicht um einzelne Gemälde geht, sondern um die Suche nach der wesentlichsten Aussage, die ich machen kann, so einfach und minimalistisch wie möglich. Mein ideales Gemälde wäre ein völlig leerer Raum, aber eine Oberfläche, die gleichzeitig auch ansprechend ist, aber das ist wie Perfektion, die ich weiß, dass ich niemals erreichen werde! Ich nehme an, ich suche wirklich nach dem Wesentlichen der Sprache, die ich spreche; Malerei ist meine Sprache und ich versuche, den besten Weg zu finden, um das, was ich sagen möchte, so prägnant wie möglich auszudrücken.

Gab es eine kürzliche Ausstellung, die Ihnen besonders aufgefallen ist?

Ich habe kürzlich eine Louise Bourgeois Ausstellung in Malaga im Picasso-Museum gesehen, die absolut erstaunlich war, und ich liebe ihre Arbeit wirklich. Ich habe auch einen kürzlichen Besuch im Miró-Museum in Barcelona genossen. Braque habe ich immer als meinen Maler-Vater betrachtet, es gibt etwas, das ich in seiner Arbeit furchtbar fesselnd finde. Wenn ich das Leben von Braque betrachte, die Höhen und Tiefen seiner Malerei und den Mann, der er war: Ich finde sein Leben faszinierend. Ich bin ein Liebhaber des Modernismus in all seinen Facetten, Musik, Architektur und Kunst. Und ich bin ein großer Liebhaber des Brutalismus in der Architektur und des Minimalismus in der Musik.

Vorgestelltes Bild: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Öl auf Leinwand. 70 x 90 cm.