Wie Paul Klees Gemälde amerikanische Künstler inspirierten

Es wird oft gesagt, dass der Abstrakte Expressionismus die erste rein amerikanische Kunstrichtung war. Angeblich stellte er das erste Mal dar, dass amerikanische Künstler, verkörpert durch Mitglieder der New Yorker Schule, sich von europäischem Einfluss lösten, um ihre eigene einzigartige ästhetische Stimme zu etablieren. Ein genauer Blick auf Paul Klees Gemälde, die über die drei Jahrzehnte bis zum Beginn der New Yorker Schule entstanden, zeigt jedoch, dass die Abstrakten Expressionisten vielleicht nicht so frei vom Einfluss der Alten Welt waren, wie es Kunstgeschichtsbücher vermuten lassen. Zum ersten Mal versucht das Zentrum Paul Klee in Bern, Schweiz, nun eine ernsthafte wissenschaftliche Untersuchung der vielfältigen Wege, auf denen amerikanische Nachkriegs-Künstler von Paul Klees Werk beeinflusst wurden. Zur Eröffnung dieser Untersuchung eröffnete das Zentrum kürzlich die Ausstellung 10 Amerikaner nach Paul Klee. Neben Gemälden von Klee sind hervorragende Beispiele der Werke von Jackson Pollock, Mark Tobey, Kenneth Noland, William Baziotes, Adolph Gottlieb, Norman Lewis, Robert Motherwell, Gene Davis, Theodoros Stamos und Bradley Walker Tomlin zu sehen. Dies ist nicht nur eine unvergleichliche Gelegenheit, Werke einiger der einflussreichsten amerikanischen Maler des 20. Jahrhunderts zu sehen, sondern, in den Worten der Kuratoren des Zentrums Paul Klee, liefert diese bahnbrechende Ausstellung auch

„ein eindrucksvolles und überzeugendes Zeugnis dafür, in welchem Maße diese Künstler von Klees künstlerischen Konzepten und Praktiken inspiriert wurden.“

Pionier der abstrakten Avantgarde

Paul Klee, geboren 1879 in Bern, Schweiz, war alles andere als ein Naturtalent als Künstler. Schriften aus seinem Tagebuch, das er von 1897 bis 1918 sorgfältig führte, zeigen, dass er sich selbst als schrecklichen Versager im Verständnis von Farbe ansah und früh sicher war, als Künstler zum Scheitern verurteilt zu sein. Doch bis 1911, nach Jahren der Ausbildung und mehreren Fehlstarts, hatten sich seine Einstellung und sein Schicksal völlig gewandelt. In jenem Jahr traf er Wassily Kandinsky und wurde Mitglied der avantgardistischen Blauen Reiter Gruppe. Klee wurde von Kandinskys geistiger Beweglichkeit und ästhetischen Ideen inspiriert. Und obwohl er einen etwas eigenen ästhetischen Ansatz behielt, wurde Klee schnell zu einem einflussreichen Mitgestalter der philosophischen Entwicklung der Gruppe.

Dann kam der Erste Weltkrieg. Wie viele seiner Künstlerkollegen wurde Klee zwangsweise in die preußische Armee eingezogen. Obwohl Klee nie an der Front kämpfen musste, kostete der Krieg viele seiner Freunde das Leben und veränderte seine Sicht auf die Kunst grundlegend. Klee wird mit den Worten zitiert: „Je schrecklicher diese Welt wird, desto abstrakter wird die Kunst.“ Nach dem Krieg widmete er sich mehr denn je der Abstraktion als Mittel, das Universelle und Reine zu offenbaren. „Kunst reproduziert nicht das Sichtbare“, sagte er. „Sie macht sichtbar.“ Mit dieser wegweisenden Haltung im Zentrum seiner Experimente erwarb er sich schnell einen breiten Ruf als führender Vertreter der europäischen Avantgarde nach dem Ersten Weltkrieg.

Paul Klee - Feuer bei Vollmond, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Eine Rückkehr nach Bern

Die offensichtliche Leidenschaft und das Genie, die Klee zeigte, machten ihn unter seinen Zeitgenossen verehrt, und in den 1930er Jahren hatte er sich auch als einflussreicher Lehrer der jüngeren Generation etabliert. Von 1931 bis 1933 war er angesehener Professor an der Düsseldorfer Akademie und natürlich auch einer der führenden Lehrkräfte am berühmten Bauhaus. Doch als die Weimarer Republik 1933 endete und Europa erneut am Rande eines Krieges stand, wurde Klee auf die Liste der von der aufkommenden NSDAP ins Visier genommenen Künstler gesetzt. Er floh aus Deutschland und kehrte in die Schweiz zurück. Unterdessen flohen viele seiner Kunsthändler in die Vereinigten Staaten. Obwohl Klee von 1933 bis zu seinem Tod 1940 in Europa kaum Werke verkaufte, setzten seine Händler den Verkauf seiner Gemälde in den USA fort. Und während der 1930er und 40er Jahre gab es zahlreiche Klee-Ausstellungen in den Vereinigten Staaten.

Viele Mitglieder der New Yorker Schule sprachen offen über die Inspiration, die sie aus Paul Klees Gemälden zogen. Wie Klee waren auch diese Künstler gerade aus einem entsetzlichen Weltkrieg hervorgegangen und suchten neue Wege, das Unaussprechliche auszudrücken. Obwohl sie seinen visuellen Stil nicht direkt kopierten, ermutigten sie die Methoden, mit denen Klee seine Bilder schuf, in ihrer Suche nach einer zeitloseren, urtümlicheren und reinen Art der Kunstschaffung. Zu den vielen Innovationen, für die Paul Klee anerkannt wird und die die amerikanische Nachkriegsavantgarde direkt beeinflussten, gehören Automatismus (unbewusstes Zeichnen, eine Technik, die später von den Surrealisten übernommen wurde), Primitivismus (Rückkehr zu den frühesten, ursprünglichsten Methoden der Kunstschaffung, später von Vertretern der Art Brut übernommen) und Reduktivismus (Reduzierung universeller Symbole auf ihre einfachste Form, etwas, das Klee von frühen abstrakten Künstlern wie Kandinsky und Malevich gelernt hatte).

Paul Klee - Bild aus dem Boudoir, 1922, Kopie in Öl und Aquarell auf Papier auf Karton, 33,2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Automatisches Zeichnen

Die Ausstellung 10 Amerikaner nach Paul Klee wählt ausgezeichnet Werke amerikanischer Künstler aus, die die drei Konzepte verkörpern, die am häufigsten mit Klee in Verbindung gebracht werden. Im Bereich des automatischen Zeichnens werden Werke von Jackson Pollock, Bradley Walker Tomlin und Mark Tobey gezeigt. Komposition Nr. 16 (1948) von Pollock besticht durch seine lebendige Farbpalette. Schockartige gestische weiße Linien vermischen sich mit explosiven gelben Flecken und dramatischen schwarzen Wirbeln, alles auf einem allumfassenden Meer von tiefem Blau. Das Gemälde repräsentiert perfekt die Methode des automatischen Zeichnens, mit der Klee arbeitete und die Pollock berühmt für seine ikonischen „Spritz“-Gemälde nutzte. Nummer 12 (1949) von Tomlin zeigt den Einsatz automatischen Zeichnens durch gestische Markierungen, kalligraphische, lineare Formen und breite, intuitive schwarze Pinselstriche. After the Imprint (1961) von Mark Tobey ist eine explosive, allumfassende Komposition, die von Ecke zu Ecke mit intuitiven Markierungen gefüllt ist und unterbewusste Angst, nervöse Energie und lyrischen Ausdruck offenbart.

Mark Tobey - After the Imprint, 1961, Gouache auf Zeichenkarton, 99,7 x 69,5 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Erworben 1962, © 2017, ProLitteris

Primitivismus

Werke von Robert Motherwell, Theodoros Stamos und William Baziotes zeigen in 10 Amerikaner nach Paul Klee den Primitivismus, also die Rückkehr zu uralter, ursprünglicher Kunstschaffung. Abstraktion auf Türkis (1945) von Motherwell wird für Fans dieses Malers, die seine früheren Werke nicht kennen, eine absolute Offenbarung sein. Motherwell erwarb sich einen Ruf für seine kühnen, schwarzen, biomorphen, melancholischen gestischen Abstraktionen. Dieses Gemälde ist lebhaft farbig und fast verspielt, doch seine primitiven Formen und Strukturen sind klare Hinweise auf die Richtung, die er in seinen späteren Werken einschlug. Ohne Titel (1945) von Theodoros Stamos ist vielleicht das figurativste Werk der Ausstellung. Eine primitive Abstraktion, die an eine Insel-Landschaft erinnert, ruft das Bild von Höhlenmalereien hervor. Pierrot (1947) von William Baziotes verweist, wie der Titel andeutet, auf die klassische französische Pantomime-Figur gleichen Namens. Die vereinfachten, primitiven Formen im Gemälde reduzieren die Figur auf ihre wesentlichen Elemente und stellen sie auf eine stark vereinfachte und doch sehr ausdrucksstarke Weise dar.

Robert Motherwell - Abstraktion auf Türkis, 1945, Öl, Emailfarbe, Sand und Kohle auf Leinwandkarton, 61 x 50 cm, Dedalus Foundation, Inc., © Dedalus Foundation, Inc. / 2017, ProLitteris

Reduktivismus

Werke von Adolph Gottlieb, Kenneth Noland, Gene Davis und Norman Lewis zeigen in 10 Amerikaner nach Paul Klee den Reduktivismus, also die Reduzierung wesentlicher, universeller Symbole auf ihre einfachsten Formen. Die beiden Gemälde Labyrinth #1 (1950) und Der Seher (1950) von Adolph Gottlieb ähneln in vielerlei Hinsicht den frühen reduktiven abstrakten Werken von Paul Klee selbst. Vor dem Hintergrund eines Rasters präsentieren sie eine Mischung aus abstrahierten, reduzierten symbolischen Formen, gemischt mit geometrischen Elementen und figürlichen Anspielungen. Ihre verwitterten Oberflächen und gestischen Unterlagen schaffen eine Komplexität und Tiefe, die der Einfachheit vieler der hervorstechenden Elemente der Kompositionen widersprechen. In the Garden (1952) von Kenneth Noland steht in einem faszinierenden Dialog mit den Werken von Gottlieb. Es zeigt ein dramatisches X fast genau in der Mitte der Leinwand, umgeben von diagonalen Linien, die vielleicht auf ein zerbrochenes Raster oder auf primitive Anweisungen hinweisen. Obwohl vereinfacht, verleihen das Spiel von Farben in diesem Gemälde eine überraschende Tiefe und Leuchtkraft.

Rain Dance I (1960) von Gene Davis ist ein hervorragendes Beispiel für eine reduktive Komposition. Es ist schwer zu sagen, dass dieses spezielle Gemälde direkt von Paul Klee inspiriert wurde. Seine reinen Farben und hochgradig reduzierte, lineare, geometrische Bildsprache heben es weit von allen anderen Werken dieser Ausstellung ab. Doch es nimmt definitiv Bezug auf die frühen abstrakten Künstler wie Malevich, die Klee inspirierten, und auf Künstler wie Mondrian, die ebenfalls die reduktiven Aspekte von Linien, Rechtecken und reinen Farbflächen erforschten. Schließlich füllt promenade (1950) von Norman Lewis eine wichtige Lücke in der Ausstellung. Es vereint Elemente von Reduktivismus, Primitivismus und automatischem Zeichnen und beantwortet die Frage nach der Entwicklung des Einflusses von Paul Klee. In seiner Komplexität, Energie und Spannung sticht diese Komposition unter den anderen hervor als etwas rein Amerikanisches und zukunftsweisendes. Sie ist zweifellos von den Ideen beeinflusst, die Klee mitentwickelte, und stellt doch den nächsten Schritt dar, den all diese amerikanischen Maler zu gehen suchten.

10 Amerikaner nach Paul Klee ist bis zum 7. Januar 2018 im Zentrum Paul Klee in Bern, Schweiz, zu sehen.

Abgebildetes Bild: Kenneth Noland - In the Garden, 1952, Öl auf Hartfaserplatte, 49,5 x 76,2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Erworben 1952, © 2017, Prolitteris.