Georg Herold und Der Leuchtende Westen im Kunstmuseum Bonn

Die meisten Menschen würden Georg Herold wahrscheinlich der sogenannten „älteren Generation“ zuordnen. Er ist schließlich 70 Jahre alt. Tatsächlich hat das Kunstmuseum Bonn ihm vor sieben Jahren offiziell dieses unglückliche und etwas bedeutungslose Etikett angehängt, als sie ihn in eine ambitionierte Gruppenausstellung namens The Luminous West aufnahmen. Diese Ausstellung zeigte Werke von 33 Künstlern, die alle aus der Region Rheinland / Nordrhein-Westfalen stammten. Ziel der Schau war es, eine zusammenhängende Sicht auf das ästhetische Erbe dieses Teils Deutschlands zu etablieren und es mit einer vorausschauenden Untersuchung dessen zu verbinden, was die Zukunft der Region bringen könnte. Um diese monumentale Aufgabe zu bewältigen, verfolgte das Museum einen einzigartigen kuratorischen Ansatz. Zunächst beauftragten sie ihr fünfköpfiges akademisches Team damit, 19 Künstler auszuwählen, die ihrer Ansicht nach „die ältere Generation“ repräsentierten. Das Team begann mit dem, was sie den „historischen Kern“ der Region nannten, bestehend aus fünf Künstlern: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter und Blinky Palermo. Dann wählten sie 14 weitere „ältere“ Künstler aus, darunter Georg Herold. Anschließend lud das Museum diese sogenannten „älteren“ Künstler, oder zumindest diejenigen, die noch lebten, ein, Künstler der „jüngeren Generation“ zu empfehlen, deren Werke ihrer Meinung nach eine Aufnahme in die Ausstellung verdienten. Da Herold damals 63 Jahre alt war, scheint es vielleicht keine Beleidigung zu sein, dass er als Vertreter der älteren Generation ausgewählt wurde. Dennoch wirkt diese Bezeichnung irgendwie falsch. Es ist noch nicht lange her, dass Herold ganz neu auf der Szene war. Und bis heute bleiben seine Werke faszinierend, frisch, geistreich, respektlos und provokativ – in vielen Fällen weit mehr als die der chronologisch jüngeren Künstler, die angeblich die Zukunft in The Luminous West repräsentierten. Diese Tatsache wird durch die neue monografische Georg Herold-Ausstellung, die derzeit im selben Raum, dem Kunstmuseum Bonn, zu sehen ist, deutlich sichtbar. Die Arbeit bleibt dynamisch und steht weiterhin an der Spitze. Es lässt mich darüber nachdenken, ob das biologische Alter vielleicht nicht das einzige Maß für „Alter“ in der Kunst sein sollte. Wie Herold zeigt, sind es manchmal gerade die Zeit und der Verlauf, die die besten Ideen und kraftvollsten Werke eines Künstlers hervorbringen und die volle Bedeutung und das Potenzial früherer Arbeiten endlich offenbaren.

Ein später Einstieg

Georg Herold wurde 1947 in Jena, Deutschland, einer Universitätsstadt mit etwa 100.000 Einwohnern, geboren. Seine erste Ausbildung absolvierte er als Schmiedelehrling, danach besuchte er die Universität und begann ernsthaft, Kunst zu studieren. Zuerst studierte er an der Hochschule für Kunst und Design Halle, in der Stadt Halle, nahe seiner Heimat. Dann zog er in den Süden des Landes, nach München, wo er von 1974 bis 1976 an der Akademie der Bildenden Künste studierte. Anschließend ging er nach Norden, nach Hamburg, wo er von 1977 bis 1981 an der Hochschule für bildende Künste unter Sigmar Polke studierte. Während seiner Zeit in Hamburg lernte Herold mehrere andere Studentenkünstler kennen, unter ihnen besonders Martin Kippenberger und Albert Oehlen, die sich bereits mit ihrem punkigen Zugang zur Kunst einen Namen gemacht hatten.

Gemeinsam mit diesen neuen Wilden wurde Herold als einer der aufkommenden „Bad Boys“ der deutschen Kunstszene der 1980er Jahre bezeichnet. Als er sein Studium abschloss, war Herold 34 Jahre alt. Dennoch galt er als Teil der neuen, jungen und frechen Generation. Einer der „Bad Boys“ überlebte nicht lange. Kippenberger starb 1997 im Alter von 44 Jahren, hinterließ aber in seiner kurzen Karriere einen enormen Einfluss auf die Kunstwelt und erfand fast im Alleingang, was es bedeutet, ein zeitgenössischer Künstler zu sein. Oehlen ist heute noch als Künstler und Lehrer aktiv. Seine abstrakten Gemälde sind beliebt, und seine Untersuchungen zum Prozess haben sich als enorm einflussreich für nachfolgende Künstlergenerationen erwiesen. Und dann ist da noch Herold, der älteste der „Bad Boys“. Er brauchte am längsten, um erwachsen zu werden, und hat sich in mancher Hinsicht am längsten einer Einordnung widersetzt. Wie er einmal sagte: „Ich beabsichtige, einen Zustand zu erreichen, der mehrdeutig ist und alle möglichen Interpretationen zulässt.“ Getreu diesem Ziel entzieht sich sein Werk jeglicher Kategorisierung, und kein einziges Werk daraus wurde bisher erfolgreich eingeordnet.

Georg Herold - Ohne Titel (Kaviar), 1990, Kaviar, Lack, Tusche auf Leinwand, 80 × 109,9 cm, Foto: Magenta Plains, New York

Dranbleiben

Das erste Kunstwerk, an das man sich bei Georg Herold erinnert, war eine dünne Holzlatte, wie sie im Bauwesen verwendet wird, an die Wand geschraubt. Er nannte das Werk Präsentation der ersten Latte. Das Werk entstand 1977, als er noch Schüler war, für eine Aufgabe in einem Kurs bei Sigmar Polke. Formal war das Werk unbestreitbar. Es stellte Linie und Form dar. Als dreidimensionales Objekt an der Wand stellte es die Rollen von Malerei und Skulptur in Frage. Es war sowohl minimalistisch als auch konzeptuell. Sein Titel deutete etwas Feierliches an. Seine Geschichte als Material ließ vermuten, dass es Teil von etwas Größerem werden sollte. Sein Status als Fundstück rief Marcel Duchamp und Robert Rauschenberg in Erinnerung. Doch es hatte auch etwas Verspieltes und vielleicht etwas Absurdes.

Mit der Zeit sollte sich der Titel dieses ersten Werks als prophetisch erweisen. Herold kehrte immer wieder zum Material der Bauholzlatten zurück. Er verwendete sie in größeren Skulpturen, hängte sie in verschiedenen Anordnungen an die Wand, nutzte sie als Träger für Gemälde und andere Werke und verwendete sie als Rohmaterial für eine Reihe eindringlicher, figürlicher Skulpturen. Um diese Formen zu schaffen, bindet Herold Bauholzlatten mit Faden und Schrauben zusammen. Dann spannt er Leinwand über die gebundenen Stäbe, um eine Art Kokon über die Form eines menschlichen Körpers zu legen. Er lässt die Leinwand trocknen und mit der Zeit schrumpfen, dann bemalt und lackiert er die Form. In einigen Fällen fertigt er anschließend limitierte Bronzegüsse der Formen an. Im Kontext seiner frühen Arbeiten in dem Kurs bei Sigmar Polke sind diese figürlichen Formen poetisch in ihrer Tiefe an möglichen Bedeutungen. Aber auch ohne Kenntnis ihres materiellen Wesens wecken sie eine Vielzahl von Gefühlen, von Leiden bis Sinnlichkeit. Sie sind sowohl vermenschlichend als auch entmenschlichend und rufen zahlreiche Interpretationen hervor, von Tanzbildern bis zu Bildern des Todes.

Georg Herold - Ohne Titel, 2011, Latte, Leinwand, Lack, Faden und Schrauben, 115 x 510 x 65 cm, Bild © Saatchi Gallery, alle Rechte vorbehalten

Kaviar und Ziegel

Ein weiteres Werkfeld, für das Herold bekannt geworden ist, ist eine Reihe von Gemälden, bei denen Fischrogen als Hauptmaterial verwendet wird. Diese abstrakten Kaviargemälde besitzen eine ruhige, natürliche Qualität in der Art der koreanischen dansaekhwa-Gemälde. Sie sind fast einfarbig, leicht strukturiert und schön. Doch es ist ihr Material, das Fragen aufwirft. Die Millionen, vielleicht Milliarden von Fischeiern, die in ihre Herstellung eingeflossen sind, machen sie zu buchstäblichen Schlachtfeldern. Sie stehen möglicherweise für buchstäblich vergeudetes Potenzial. Andererseits ist Kaviar nur Nahrung, und nicht einmal notwendige Nahrung. Es ist ein teurer Luxus. Es gibt viel zu besprechen über die Botschaft, die diese Gemälde über Handel, Kunst und Ausbeutung senden. Andererseits vielleicht auch nichts. Vielleicht sind sie einfach nur hübsche Bilder.

Georg Herold - Ohne Titel, 2011, Kaviar (nummeriert), Acryl, Lack auf Leinwand, 2 Teile, jeweils 350 x 203 cm, Bild mit freundlicher Genehmigung Galerie Bärbel Grässlin

Ein weiteres Material, zu dem Herold häufig zurückkehrt, sind Ziegelsteine. Er befestigt Ziegelsteine direkt an den bespannten Leinwandflächen seiner Gemälde. Das Gewicht der Ziegel zieht oft an der Oberfläche, dehnt sie und erzeugt Falten und Wellen im Stoff. Das Erscheinungsbild wirkt oft wie ein teilweise zerstörtes Kunstwerk. In dem Werk liegt eine Spannung, während die Betrachter beobachten und sich fragen, ob die Ziegel schließlich herunterfallen werden. Diese Werke wirken wie Katastrophen, die darauf warten, zu geschehen. Sie sind auch faszinierende Untersuchungen von Materialität, Struktur, Dreidimensionalität und Raum. Sie sind witzig und haben auf eine Weise sogar eine spöttische Haltung. Sie sind auch wunderbar mehrdeutig. Es gibt eine große Kluft zwischen dem, was sie uns zeigen, und dem, was sie uns sagen. Andererseits sind sie nur eine Konstruktion, ein weiterer Schritt vorwärts von der Präsentation der ersten Latte. Am bemerkenswertesten ist, dass sie frisch sind. Sie sind ein fortwährendes Zeugnis dafür, dass Georg Herold kein Künstler ist, der als Teil irgendeiner älteren Generation bezeichnet werden sollte. Respektvoll gesagt, ist das tatsächlich kein lebender Künstler.

Georg Herold ist im Kunstmuseum Bonn noch bis zum 7. Januar 2018 zu sehen.

Titelbild: Georg Herold - Herrenperspektive, 2002, Skulptur aus Dachlatten, Glas und Schnur, 235 x 60 x 365 cm, Foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Foto: Galerie Grässlin

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken

Von Phillip Barcio