Georg Herold und Der Leuchtende Westen im Kunstmuseum Bonn

Die meisten Menschen würden Georg Herold wahrscheinlich als Mitglied der sogenannten „älteren Generation“ kategorisieren. Schließlich ist er 70 Jahre alt. Und tatsächlich belegte das Kunstmuseum Bonn Herold vor sieben Jahren offiziell mit diesem unglücklichen und einigermaßen bedeutungslosen Etikett, als es ihn in eine ambitionierte Gruppenausstellung mit dem Titel Der leuchtende Westen aufnahm. Die Ausstellung präsentierte Werke von 33 Künstlern, die allesamt aus der rheinländischen beziehungsweise nordrhein-westfälischen Region Deutschlands stammten. Ziel der Schau war es, eine kohärente Vorstellung vom ästhetischen Erbe dieses Teils Deutschlands zu entwickeln und sie mit einer vorausschauenden Untersuchung dessen zu verbinden, was die Zukunft der Region bereithalten könnte. Um diese monumentale Aufgabe zu bewältigen, verfolgte das Museum einen einzigartigen kuratorischen Ansatz. Zunächst beauftragte es sein fünfköpfiges wissenschaftliches Team damit, 19 Künstler auszuwählen, die, wie es hieß, „die ältere Generation“ repräsentierten. Das Team begann mit dem sogenannten „historischen Kern“ der Region, der aus fünf Künstlern bestand: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter und Blinky Palermo. Anschließend wählte es 14 weitere „ältere“ Künstler aus, darunter Georg Herold. Danach lud das Museum diese sogenannten „älteren“ Künstler – zumindest diejenigen, die noch lebten – dazu ein, Künstler der „jüngeren Generation“ vorzuschlagen, deren Werk ihrer Ansicht nach in die Ausstellung aufgenommen werden sollte. Da Georg Herold damals 63 Jahre alt war, wirkt es vielleicht nicht beleidigend, dass er als Vertreter der älteren Generation ausgewählt wurde. Dennoch scheint etwas an dieser Bezeichnung falsch zu sein. Es ist noch gar nicht so lange her, dass Herold ganz neu in der Kunstszene war. Und bis heute ist sein Werk faszinierend, frisch, witzig, respektlos und provokant – in vielen Fällen weitaus mehr als das der chronologisch jüngeren Künstler, die in Der leuchtende Westen angeblich die Zukunft repräsentierten. Diese Tatsache tritt durch die neue monografische Ausstellung von Georg Herold, die derzeit in denselben Räumen des Kunstmuseums Bonn zu sehen ist, deutlich hervor. Das Werk bleibt dynamisch und steht weiterhin an der äußersten Grenze des Neuen. Das bringt mich zu der Frage, ob das biologische Alter in der Kunst wirklich das alleinige Maß für „Alter“ sein sollte. Wie Herold zeigt, entstehen die besten Ideen und kraftvollsten Werke eines Künstlers manchmal erst im Laufe der Zeit, und die vollständige Bedeutung und das Potenzial früherer Arbeiten werden schließlich sichtbar.

Ein später Einstieg

Georg Herold wurde 1947 in Jena geboren, einer Universitätsstadt in Deutschland mit etwa 100.000 Einwohnern. Zunächst absolvierte er eine Ausbildung zum Schmied, bevor er die Universität besuchte und ernsthaft begann, Künstler zu werden. Er studierte zuerst an der Hochschule für Kunst und Design Halle in der Stadt Halle, nahe dem Ort, an dem er aufgewachsen war. Danach zog er in den Süden des Landes, nach München, wo er von 1974 bis 1976 die Akademie der Bildenden Künste besuchte. Anschließend ging er in den Norden nach Hamburg und studierte dort von 1977 bis 1981 an der Hochschule für Bildende Künste bei Sigmar Polke. Während seiner Zeit in Hamburg lernte Herold mehrere andere Künstlerstudenten kennen, insbesondere Martin Kippenberger und Albert Oehlen, die mit ihrem Punk-Ansatz in der Kunst bereits begonnen hatten, sich einen Namen zu machen.

Gemeinsam mit diesen neuen Wilden wurde Herold als einer der aufstrebenden „Bad Boys“ der deutschen Kunstszene der 1980er-Jahre bezeichnet. Als er die Universität abschloss, war Herold 34 Jahre alt. Dennoch galt er als Teil der neuen, jungen und ungestümen Generation. Einer der „Bad Boys“ überlebte nicht lange. Kippenberger starb 1997 im Alter von 44 Jahren, doch in seiner kurzen Karriere entwickelte er einen enormen Einfluss auf die Kunstwelt und erfand fast im Alleingang neu, was es bedeutete, ein zeitgenössischer Künstler zu sein. Oehlen ist bis heute als Künstler und Lehrer aktiv. Seine abstrakten Gemälde sind beliebt, und seine Untersuchungen des künstlerischen Prozesses haben sich als enorm einflussreich für aufstrebende Künstlergenerationen erwiesen. Und dann ist da noch Herold, der Älteste der „Bad Boys“. Er brauchte am längsten, um zur Reife zu gelangen, und hat sich in gewisser Weise auch am längsten jeder Kategorisierung widersetzt. Wie er einmal sagte: „Ich beabsichtige, einen Zustand zu erreichen, der mehrdeutig ist und alle möglichen Interpretationen zulässt.“ Getreu diesem Ziel entzieht sich sein Œuvre jeder Kategorisierung, und kein einzelnes Werk daraus konnte bisher eindeutig eingeordnet werden.

Georg Herold – Ohne Titel (Kaviar), 1990, Kaviar, Lack, Tinte auf Leinwand, 31 1/2 × 43 1/4 Zoll, 80 × 109,9 cm, Foto: Magenta Plains, New York

Daran festhalten

Das erste Kunstwerk, für das Georg Herold in Erinnerung geblieben ist, war eine dünne Holzlatte, wie sie im Bau verwendet wird, die an die Wand geschraubt war. Er nannte das Werk Präsentation der ersten Latte, oder Präsentation der ersten Planke. Das Werk entstand 1977, als er noch studierte, für eine Aufgabe in einem von Sigmar Polke unterrichteten Kurs. Formal betrachtet war das Werk unbestreitbar. Es repräsentierte Linie und Form. Als dreidimensionales Objekt an der Wand stellte es die Rollen von Malerei und Skulptur infrage. Es war zugleich minimalistisch und konzeptuell. Sein Titel deutete auf etwas Zeremonielles hin. Seine Geschichte als Material ließ vermuten, dass es Bestandteil von etwas Größerem sein würde. Sein Status als Readymade beschwor Marcel Duchamp und Robert Rauschenberg herauf. Doch zugleich lag darin etwas Verspieltes und vielleicht auch etwas Absurdes.

Mit der Zeit sollte sich der Titel dieses ersten Werks jedoch als prophetisch erweisen. Immer wieder kehrte Herold zum Material der Bauplanken zurück. Er verwendete sie in größeren Skulpturen, hängte sie in unterschiedlichen Anordnungen an die Wand, nutzte sie als Träger für Gemälde und andere Werke und setzte sie als Rohmaterial für die Konstruktion einer Reihe eindringlicher figurativer Skulpturen ein. Um diese Formen zu konstruieren, verbindet Herold Bauplanken mit Faden und Schrauben. Anschließend spannt er Leinwand über die miteinander verbundenen Stäbe, sodass eine Art Kokon über der Form eines menschlichen Körpers entsteht. Er lässt die Leinwand im Laufe der Zeit trocknen und schrumpfen, bevor er die Form bemalt und lackiert. In einigen Fällen fertigt er anschließend Bronzegüsse in limitierter Auflage von den Formen an. Im Kontext seiner frühen Arbeit in jenem Kurs bei Sigmar Polke sind diese figurativen Formen aufgrund der Fülle ihrer möglichen Bedeutungen poetisch. Doch auch ohne Kenntnis ihres materiellen Wesens ruft ihre Präsenz eine ganze Reihe von Emotionen hervor, von Leiden bis Sinnlichkeit. Sie sind zugleich vermenschlichend und entmenschlichend und evozieren unzählige Interpretationen – von Bildern des Tanzes bis hin zu Bildern des Todes.

Georg Herold – Ohne Titel, 2011, Latte, Leinwand, Lack, Faden und Schrauben, 115 x 510 x 65 cm, Bild © Saatchi Gallery, alle Rechte vorbehalten

Kaviar und Ziegelsteine

Ein weiterer Werkkomplex, für den Herold bekannt geworden ist, besteht aus einer Reihe von Gemälden, in denen Fischrogen als primäres Medium verwendet wird. Diese abstrakten Kaviargemälde besitzen eine ruhige, natürliche Qualität, die an koreanische Dansaekhwa-Gemälde erinnert. Sie sind nahezu monochrom, leicht strukturiert und schön. Doch es ist ihr Medium, das Fragen aufwirft. Die Millionen, vielleicht Milliarden von Fischeiern, die in ihre Herstellung eingingen, machen sie zu buchstäblichen Tötungsfeldern. Sie stellen möglicherweise buchstäblich verschwendetes Potenzial dar. Andererseits ist Kaviar einfach Nahrung – und nicht einmal unbedingt notwendige Nahrung. Er ist ein teures Luxusgut. Es gibt möglicherweise viel über die Aussage zu diskutieren, die diese Gemälde über Handel, Kunst und Ausbeutung vermitteln. Andererseits gibt es vielleicht nichts zu sagen. Vielleicht sind es einfach hübsche Gemälde.

Georg Herold – Ohne Titel, 2011, Kaviar (nummeriert), Acryl, Lack auf Leinwand, 2-teilig, jeweils 350 x 203 cm, Bild mit freundlicher Genehmigung der Galerie Bärbel Grässlin

Ein weiteres Material, zu dem Herold häufig zurückkehrt, sind Ziegelsteine. Er befestigt Ziegelsteine direkt auf den gespannten Leinwandflächen seiner Gemälde. Das Gewicht der Ziegelsteine zieht die Oberfläche oft nach unten, dehnt sie und erzeugt Falten und Wellen im Gewebe. Das Erscheinungsbild erinnert häufig an ein teilweise zerstörtes Kunstwerk. In dem Werk liegt eine Spannung, während die Betrachter beobachten und sich fragen, ob die Ziegelsteine irgendwann herunterfallen werden. Diese Arbeiten wirken wie Katastrophen, die nur darauf warten, zu geschehen. Zugleich sind sie faszinierende Untersuchungen von Materialität, Textur, Dimensionalität und Raum. Sie sind komisch und haben auf gewisse Weise sogar etwas Spöttisches. Außerdem sind sie erhaben mehrdeutig. Zwischen dem, was sie uns zeigen, und dem, was sie uns sagen, klafft ein großer Abgrund. Andererseits sind sie einfach eine Konstruktion, ein weiterer Schritt nach vorn von der Präsentation der ersten Planke aus. Vor allem aber sind sie frisch. Sie liefern weiterhin den Beweis, dass Georg Herold kein Künstler ist, der als Teil irgendeiner älteren Generation etikettiert werden sollte. Respektvoll gesagt gilt das tatsächlich für keinen lebenden Künstler.

Georg Herold im Kunstmuseum Bonn ist bis zum 7. Januar 2018 zu sehen.

Titelbild: Georg Herold – Herrenperspektive, 2002, Skulptur aus Dachlatten, Glas und Schnur, 235 x 60 x 365 cm, Foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Foto: Galerie Grässlin

Alle Bilder dienen ausschließlich zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio