Georg Herold und Der Leuchtende Westen im Kunstmuseum Bonn

Die meisten Menschen würden Georg Herold wahrscheinlich als Mitglied der sogenannten „älteren Generation“ kategorisieren. Er ist schließlich 70 Jahre alt. Und tatsächlich hat das Kunstmuseum Bonn vor sieben Jahren Herold mit diesem unglücklichen und etwas bedeutungslosen Etikett versehen, als sie ihn in eine ehrgeizige Gruppenausstellung mit dem Titel Der Luminöse Westen einbezogen. Diese Ausstellung zeigte die Arbeiten von 33 Künstlern, die alle aus der Region Rheinland / Nordrhein-Westfalen in Deutschland stammten. Ziel der Ausstellung war es, eine kohärente Vision des ästhetischen Erbes dieses Teils Deutschlands zu etablieren und es mit einer vorausschauenden Untersuchung dessen zu verknüpfen, was die Zukunft der Region bringen könnte. Um diese monumentale Aufgabe zu bewältigen, verfolgte das Museum einen einzigartigen kuratorischen Ansatz. Zunächst beauftragten sie ihr fünfköpfiges akademisches Team mit der Aufgabe, 19 Künstler auszuwählen, die, in ihren Worten, „die ältere Generation“ repräsentierten. Das Team begann mit dem, was sie den „historischen Kern“ der Region nannten, der aus fünf Künstlern bestand: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter und Blinky Palermo. Dann wählten sie 14 weitere „ältere“ Künstler aus, darunter Georg Herold. Anschließend lud das Museum diese sogenannten „älteren“ Künstler, oder zumindest die, die noch lebten, ein, Künstler aus der „jüngeren Generation“ zu empfehlen, deren Arbeiten ihrer Meinung nach eine Aufnahme in die Ausstellung verdienten. Da er zu diesem Zeitpunkt 63 Jahre alt war, scheint es vielleicht kein Affront zu sein, dass Georg Herold als Vertreter der älteren Generation ausgewählt wurde. Aber dennoch scheint etwas an dieser Bezeichnung falsch zu sein. Es ist noch nicht lange her, dass Herold neu auf der Szene war. Und bis heute bleibt seine Arbeit faszinierend, frisch, witzig, respektlos und provokant – in vielen Fällen weit mehr als die der chronologisch jüngeren Künstler, die angeblich die Zukunft in Der Luminöse Westen repräsentierten. Diese Tatsache wird scharf ins Blickfeld gerückt durch die neue monografische Georg Herold Ausstellung, die derzeit in demselben Raum, dem Kunstmuseum Bonn, zu sehen ist. Die Arbeiten bleiben dynamisch und repräsentieren weiterhin die Spitze des Geschehens. Es lässt mich fragen, ob vielleicht das biologische Alter nicht das einzige Maß für „Alter“ in der Kunst sein sollte. Wie Herold zeigt, sind es manchmal mit dem Verlauf der Zeit die besten Ideen und kraftvollsten Werke, die aus einem Künstler hervorgehen, und die volle Bedeutung und das Potenzial früherer Arbeiten werden schließlich offenbart.

Ein später Eintrag

Georg Herold wurde 1947 in Jena, Deutschland, einer Universitätsstadt mit etwa 100.000 Einwohnern, geboren. Seine frühe Ausbildung war die eines Schmiedelehrlings, danach besuchte er die Universität und begann ernsthaft zu studieren, um Künstler zu werden. Zunächst studierte er an der Hochschule für Kunst und Design Halle, in der Stadt Halle, in der Nähe, wo er aufwuchs. Dann zog er in den südlichen Teil des Landes, nach München, wo er von 1974 bis 1976 an der Akademie der Bildenden Künste studierte. Anschließend ging er nach Norden nach Hamburg, wo er von 1977 bis 1981 an der Hochschule für Bildende Kunst unter Sigmar Polke studierte. Während seiner Zeit in Hamburg machte Herold die Bekanntschaft mehrerer anderer Studentenkünstler, unter ihnen vor allem Martin Kippenberger und Albert Oehlen, die bereits begonnen hatten, sich mit ihrem Punk-Ansatz zur Kunst einen Namen zu machen.

Zusammen mit diesen neuen Wilden wurde Herold als einer der aufkommenden „Bad Boys“ der deutschen Kunstszene der 1980er Jahre bezeichnet. Als er die Universität abschloss, war Herold 34 Jahre alt. Dennoch wurde er als Teil der neuen, jungen und dreisten Generation angesehen. Einer der „Bad Boys“ überlebte nicht lange. Kippenberger starb 1997 im Alter von 44 Jahren, aber in seiner kurzen Karriere erlangte er enormen Einfluss auf die Kunstwelt und erfand fast im Alleingang, was es bedeutete, ein zeitgenössischer Künstler zu sein. Oehlen ist heute noch als Künstler und Lehrer aktiv. Seine abstrakten Gemälde sind beliebt, und seine Untersuchungen zum Prozess haben sich als enorm einflussreich für aufkommende Generationen von Künstlern erwiesen. Und dann gibt es Herold, den ältesten der „Bad Boys“. Er brauchte am längsten, um erwachsen zu werden, und hat sich in mancher Hinsicht am längsten gegen eine Kategorisierung gewehrt. Wie er einmal sagte: „Ich beabsichtige, einen Zustand zu erreichen, der mehrdeutig ist und alle Arten von Interpretationen zulässt.“ Treu diesem Ziel widerspricht sein Werk jeder und allen Kategorisierungen, und kein einzelnes Werk innerhalb davon wurde bisher erfolgreich diagnostiziert.

Georg Herold - Untitled (Kaviar), 1990, Kaviar, Lack, Tinte auf Leinwand, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109,9 cm, Foto Credits Magenta Plains, New York

Durchhalten

Das erste Kunstwerk, an das man sich bei Georg Herold erinnert, war ein dünner Holzlatte, wie sie im Bauwesen verwendet wird, die an die Wand geschraubt wurde. Er nannte das Stück Präsentation der ersten Latte, oder Presentation of the first Plank. Das Werk wurde 1977 geschaffen, während er noch in der Schule war, für eine Aufgabe in einem Kurs, der von Sigmar Polke unterrichtet wurde. Das Werk war, in strengen formalen Begriffen, unbestreitbar. Es stellte Linie und Form dar. Als dreidimensionales Objekt, das an der Wand hing, stellte es die Rollen von Malerei und Skulptur in Frage. Es war sowohl minimalistisch als auch konzeptionell. Sein Titel implizierte etwas Zeremonielles. Seine Geschichte als Material ließ vermuten, dass es ein Bestandteil von etwas Größerem war, das kommen sollte. Sein Status als Fundstück rief Marcel Duchamp und Robert Rauschenberg in Erinnerung. Aber es gab auch etwas Verspielt-Absurd daran.

Aber im Laufe der Zeit sollte sich der Titel dieses ersten Werkes als prophetisch erweisen. Herold hat immer wieder zu den Materialien von Bauplanken zurückgekehrt. Er hat sie in größeren Skulpturen verwendet, hat sie in verschiedenen Konfigurationen an die Wand gehängt, hat sie als Stützen für Gemälde und andere Werke genutzt und hat sie als Rohmaterialien für die Konstruktion einer Reihe von eindringlichen, figürlichen Skulpturen verwendet. Um diese Formen zu konstruieren, bindet Herold Bauplanken mit Faden und Schrauben zusammen. Dann spannt er Leinwand über die gebundenen Stäbe, um eine Art Kokon über der Form eines menschlichen Körpers zu schaffen. Er lässt die Leinwand im Laufe der Zeit trocknen und schrumpfen, dann malt und lackiert er die Form. In einigen Fällen fertigt er dann limitierte Bronzeabgüsse der Formen an. Im Kontext seiner frühen Arbeiten in dieser Klasse mit Sigmar Polke sind diese figürlichen Formen poetisch in ihrer Tiefe potenzieller Bedeutungen. Aber selbst ohne Wissen um ihre materielle Essenz ruft ihre Präsenz eine Reihe von Emotionen hervor, von Leiden bis Sinnlichkeit. Sie sind sowohl humanisierend als auch enthumanisierend und rufen unzählige Interpretationen hervor, von Bildern des Tanzes bis zu Bildern des Todes.

Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, Leinwand, Lack, Faden und Schrauben, 115 x 510 x 65 cm, Bild © Saatchi Gallery, alle Rechte vorbehalten

Kaviar und Ziegel

Ein weiteres Werk, für das Herold bekannt geworden ist, ist eine Reihe von Gemälden, in denen Fischrogen als primäres Medium verwendet wird. Diese abstrakten Kaviar-Gemälde besitzen eine ruhige, natürliche Qualität im Stil der koreanischen Dansaekhwa-Gemälde. Sie sind nahezu monochrom, leicht strukturiert und schön. Aber es ist ihr Medium, das Fragen aufwirft. Die Millionen, vielleicht Milliarden von Fischereiern, die in ihre Herstellung eingeflossen sind, bedeuten, dass sie buchstäblich Tötungsfelder sind. Sie könnten buchstäblich verschwendetes Potenzial darstellen. Andererseits ist Kaviar nur Nahrung und nicht gerade notwendige Nahrung. Es ist ein teurer Luxus. Es gibt möglicherweise viel zu diskutieren über die Botschaft, die diese Gemälde über Handel, Kunst und Ausbeutung senden. Andererseits gibt es vielleicht nichts zu sagen. Vielleicht sind sie einfach nur schöne Gemälde.

Georg Herold - Untitled, 2011, Kaviar (nummeriert), Acryl, Lack auf Leinwand, 2 Teile, jeweils 350 x 203 cm, Bild mit freundlicher Genehmigung von Galerie Bärbel Grässlin

Ein weiteres Material, zu dem Herold häufig zurückkehrt, sind Ziegel. Er befestigt Ziegel direkt an den gespannten Leinwandoberflächen seiner Gemälde. Das Gewicht der Ziegel zieht oft nach unten auf die Oberfläche, dehnt sie und erzeugt Falten und Wellen im Stoff. Das Erscheinungsbild ist oft das eines teilweise ruinierten Kunstwerks. Es gibt eine Spannung, die im Stück innewohnt, während die Betrachter zuschauen und sich fragen, ob die Ziegel schließlich fallen werden. Diese Stücke scheinen Katastrophen zu sein, die darauf warten, zu geschehen. Sie sind auch faszinierende Untersuchungen von Materialität, Textur, Dimensionalität und Raum. Sie sind lustig, und auf eine Weise haben sie sogar eine spöttische Art an sich. Sie sind auch sublim ambigu. Es gibt einen großen Abgrund zwischen dem, was sie uns zeigen, und dem, was sie uns erzählen. Andererseits sind sie nur eine Konstruktion, ein weiterer Schritt vorwärts von der Präsentation des ersten Brettes. Am bemerkenswertesten ist, dass sie frisch sind. Sie sind ein fortwährendes Zeugnis dafür, dass Georg Herold kein Künstler ist, der als Teil einer älteren Generation etikettiert werden sollte. Respektvoll gesagt, in der Tat, kein lebender Künstler ist das.

Georg Herold im Kunstmuseum Bonn ist bis zum 7. Januar 2018 zu sehen.

Vorschaubild: Georg Herold - Herrenperspektive, 2002, Skulptur aus Dachlatten, Glas und Schnur, 235 x 60 x 365 cm, Foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Foto: Galerie Grässlin

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio