Wie die Werke von Pat Steir an die Spitze des Kunstmarktes aufstiegen

Galerievertretung ist für jeden Künstler, der im Kunstmarkt präsent sein möchte, von entscheidender Bedeutung. Aber was genau leistet eine Galerie für einen Künstler? Und wie stellen Künstler sicher, dass sie der Galerie beitreten, die ihnen die bestmögliche Vertretung bietet? Die Geschichte von Pat Steir könnte einige Antworten auf diese alten Fragen geben. Steir ist seit Jahrzehnten eine herausragende Persönlichkeit der amerikanischen Malerszene. Ihre Arbeit ist eigenwillig, konzeptuell brillant und ästhetisch beeindruckend. Dennoch lagen ihre Verkaufszahlen lange Zeit im Vergleich zu anderen Künstlern ihres Kalibers im unteren Bereich. Dabei war sie keine Späteinsteigerin auf dem Kunstmarkt. Die Mächtigen erkannten sofort ihr Talent. Im selben Jahr, in dem sie ihren BFA am Pratt Institute abschloss, hatte sie ihre erste Gruppenausstellung – nicht in einer Galerie, sondern im High Museum of Art in Atlanta, wohl das bedeutendste Kunstmuseum im Südosten der Vereinigten Staaten. Im folgenden Jahr zeigte sie Werke in Gruppenausstellungen im Philadelphia Museum of Art und im MoMA in New York. Seitdem gab es kein Jahr, in dem Steir nicht präsent war. Ihre Werke haben Betrachter stets mit ihrer Präsenz, Kraft und Komplexität beeindruckt. Und sie fand sogar Zeit, an einigen der einflussreichsten Bildungseinrichtungen Amerikas zu lehren, nämlich Princeton, Parsons und Cal Arts. Die Frage ist also: Warum wurde Pat Steir finanziell nicht in einem Maße für ihren Erfolg belohnt, das ihrer Bedeutung als Künstlerin entspricht? Die Antwort scheint mit der Vertretung zusammenzuhängen.

Die erste Galerie

Pat Steir wurde 1940 geboren. Bis 1964 war ihre Arbeit in drei Museumsausstellungen vertreten, und sie erhielt ihre erste Einzelausstellung in New York City, in der Terry Dintenfass Galerie. Terry Dintenfass stammte aus Atlantic City, New Jersey. Dort eröffnete sie ihre erste Kunstgalerie, D Contemporary, in der Lobby eines damals führenden Seebads, dem Traymore Hotel. Doch als Atlantic City an Beliebtheit verlor, entschied Dintenfass, D Contemporary zu schließen und nach Manhattan zu ziehen, um eine neue Galerie zu eröffnen. Damit wurde sie Teil einer wachsenden Welle von Galeristinnen in New York. Sie gehörte zu den progressivsten und vertrat Künstler, die aufgrund der damals vorherrschenden sozialen oder politischen Vorurteile sonst unterrepräsentiert waren.

Die Werke, die Pat Steir bei Terry Dintenfass zeigte, entsprachen nicht den vorherrschenden ästhetischen Strömungen der Zeit. Sie tendierten zur Figuration, während minimalistische Arbeiten mehr in Mode waren. Wenig überraschend brachte die Ausstellung nicht genügend Verkäufe ein, um sie von ihrem Tagesjob als Artdirektorin bei der Verlagsfirma Harper & Row zu befreien. Im restlichen Jahrzehnt stellte Steir weiterhin in New York aus, doch finanzielle Erfolge blieben aus. Das war für sie natürlich nicht das Hauptziel. Steir verfolgte etwas Wichtigeres als Geld. Sie suchte ihre eigene Stimme als Malerin und strebte danach, als Künstlerin etwas Wahres zu schaffen.

Pat Steir - Blau, 2007, Öl auf Leinwand, 36 × 36 Zoll, 91,4 × 91,4 cm, Foto: Bentley Gallery, Phoenix

Der Wandel

Anfang der 1970er Jahre unternahm Steir eine Reise nach New Mexico, wo sie Zeit mit Agnes Martin verbrachte. Gespräche mit Martin bestärkten Steir in der Bedeutung, sich mit den geistigen Aspekten dessen zu verbinden, was sie zu schaffen versuchte. Sie begann, die Philosophien und künstlerischen Traditionen Ostasiens zu studieren. Sie verband deren Lehren mit ihren eigenen ästhetischen Neigungen, die im Einklang standen mit dem Automatismus und dem Verlust des Egos, die dem abstrakten Expressionismus innewohnen Techniken. Diese Einflüsse führten zu einer neuen Klarheit für Steir, und Anfang der 1970er Jahre schuf sie ihre erste ikonische Werkreihe: die sogenannten Rosenbilder, abstrakte Gemälde mit rosenähnlichen Formen, die dann durchgestrichen wurden. Über das, was sie mit dieser Werkgruppe erreichen wollte, erklärte Steir: „Ich wollte Bilder als Symbole zerstören...keine Bildlichkeit, aber gleichzeitig endlose Bildlichkeit.“

Im Laufe des nächsten Jahrzehnts führte dieser philosophische Prozess Steir zu ihrem bekanntesten Werkkomplex: den Wasserfallbildern. Diese Werke sind perfekte konzeptuelle Demonstrationen des Loslassens von Kontrolle und zugleich perfekte Ausdrucksformen von Planung und Feinheit. Visuell sehen sie aus wie Farbe, die an der Vorderseite einer Leinwand herunterläuft, wie ein Wasserfall. Zur Herstellung hängt Steir eine ungespannte Leinwand an die Wand und steigt dann eine Leiter hinauf, um die Farbe sorgfältig über die Oberfläche zu gießen. Sobald sie die Farbe freigibt, übernehmen Schwerkraft und Zeit. Sie steuert den Prozess. Sie entscheidet wann, wo und wie viel Farbe sie gießt. Sie wählt die Farben. Sie bestimmt die Viskosität und ob sie zusätzliche Pinselstriche oder Spritzer hinzufügt. Es ist ein einfacher, tiefgründiger Ausdruck der Zusammenarbeit von Mensch und Natur. Der Prozess ist harmonisch, und ebenso die Bilder.

Pat Steir - Berg im Regen, 2012, Farbige Direktgravur auf Gampi-Papier chine collé, 31 × 39 Zoll, 78,7 × 99,1 cm, Foto: Crown Point Press, San Francisco

Cheim & Read

Ende der 1990er Jahre hatte Steir als Malerin Meisterschaft erlangt und wurde von einer bedeutenden Galerie vertreten: Cheim & Read, einem der einflussreichsten Händler zeitgenössischer Kunst in New York. Im Stadtteil Chelsea gelegen, ist Cheim & Read seit seiner Gründung 1997 eine feste Größe auf der globalen Szene zeitgenössischer Kunst. Jeder Künstler würde die Chance, von einer solchen Galerie vertreten zu werden, als unglaubliche Gelegenheit ansehen. Für Pat Steir zahlte sich diese Chance jedoch nicht wie erhofft aus. Das heißt nicht, dass ihre Werke sich nicht verkauften. Sie taten es, für Zehntausende von Dollar. Doch viele ihrer Zeitgenossen erzielten das Zehnfache. Wiederum war Gewinn nicht ihre Motivation. Aber in Amerika beeinflussen Verkaufszahlen maßgeblich, ob ein Künstler in den Kanon wichtiger Künstler aufgenommen wird, die regelmäßig in Museen und Biennalen gezeigt und in den Lehrplänen der Kunstgeschichte behandelt werden.

Hier tritt die in der Schweiz geborene Kunsthändlerin Dominique Lévy auf den Plan. Lévy wurde drei Jahre nach Steirs erster Einzelausstellung geboren. Sie erwarb ihren Masterabschluss an der Universität Genf im faszinierenden Fach Kunstsoziologie. Ende der 1980er und in den 90er Jahren arbeitete sie für die Auktionshäuser Christie’s und Sotheby’s, dann erneut für Christie’s. 2003 eröffnete sie ihren eigenen Kunstberatungsdienst, Dominique Lévy Fine Art. Zwei Jahre später gründete sie mit Robert Mnuchin, dem Vater des heutigen US-Finanzministers, L&M Arts. 2013 eröffnete sie die Dominique Lévy Galerie in Manhattan und London. Dort vertrat sie den Nachlass von , sowie Yves Klein Künstler wie Frank Stella und Pierre Soulages. 2016 unterzeichnete sie Pat Steir.

Pat Steir - Moment, 1974, Öl auf Leinwand, 84 × 84 Zoll, 213,4 × 213,4 cm, Foto: Cheim & Read, New York

Was ein Name bedeutet

Kurz nach der Unterzeichnung von Pat Steir ging Dominique Lévy eine Partnerschaft mit dem britischen Kunsthändler Brett Gorvy ein, um eine neue Galerie zu gründen: Lévy Gorvy, mit Niederlassungen in London, New York und Genf. Lévy Gorvy vertritt nun Pat Steir. Und seit dieser Fusion sind die Preise für Steirs Werke in weniger als zwei Jahren in die Höhe geschossen. Allein in den letzten sechs Monaten haben drei ihrer Werke bei Auktionen ihre Schätzungen übertroffen. Sotheby’s verkaufte Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) für £680.750 nach einer Schätzung von £200.000, sowie Misty Mountain Waterfall (1991) und Silver Moon Beam (2006) jeweils für £299.400 nach Schätzungen von jeweils £113.250. Zudem verkauft Lévy Gorvy neue Werke von Steir für weit über eine halbe Million Dollar, ein Preisniveau, das auf der Chicago EXPO erreicht wurde, wo ein unbetiteltes Steir-Gemälde von 2004 für 550.000 $ verkauft wurde.

Was ist also passiert? Wenn Steir solche Preise erzielen konnte, warum gelang es Cheim & Read nicht? Die Antwort könnte in den Verbindungen liegen. Jeder Galerist hat ein Netzwerk. Vielleicht kennen Lévy und Gorvy einfach andere Leute. Oder es ist eine Frage des Timings. Vielleicht war dies unabhängig von der Vertretung durch wen auch immer unvermeidlich. Oder es könnte auf Vertrauen beruhen. Vielleicht haben Lévy und Gorvy eine Erfolgsbilanz, auf die große Käufer setzen. Doch nach Durchsicht der Galerieseiten von Pat Steir auf den Websites von Cheim & Read und Lévy Gorvy denke ich, dass der Unterschied im Verständnis liegt. Die Marketingmaterialien von Lévy Gorvy sind nicht nur moderner und umfassender. Die Geschichte, die sie erzählen, ist auch einfühlsamer. Meiner Meinung nach ist der wichtigste Faktor dafür, ob ein Künstler die richtige Galerie gefunden hat, ob die Menschen, die in dieser Galerie arbeiten, die Arbeit verstehen. Es ist unmöglich, jemanden zum Kunstkauf zu überreden. Aber wenn ein Galerist wirklich an die Werke glaubt, die er verkauft, wird es nicht zum Verkauf, sondern zur Verbindung von Menschen mit Kunst, die ihnen etwas bedeutet – ein Erfolg, der möglich wird, weil Käufer, Galerist, Künstler und Werk aus welchem Grund auch immer dieselbe Sprache des Herzens sprechen.

Pat Steir - Satz von vier Linien, 2015, Satz von vier Siebdrucken mit Handbemalung, 72 × 96 Zoll, 182,9 × 243,8 cm, Unikat

Titelbild: Pat Steir - Triptychon D, 2015, Satz von drei Siebdrucken mit Handbemalung, 72 × 108 Zoll, 182,9 × 274,3 cm, Unikat, Foto: Pace Prints

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio