Wie die Werke von Pat Steir an die Spitze des Kunstmarktes aufstiegen

Die Galerievertretung ist entscheidend für jeden Künstler, der darauf abzielt, im Kunstmarkt präsent zu sein. Aber was genau macht eine Galerie für einen Künstler? Und wie stellen Künstler sicher, dass sie der Galerie beitreten, die ihnen die bestmögliche Vertretung bietet? Die Geschichte von Pat Steir könnte einige Antworten auf diese alten Fragen liefern. Steir ist seit Jahrzehnten eine prominente Figur in der amerikanischen Malerei. Ihr Werk ist idiosynkratisch, konzeptionell brillant und ästhetisch atemberaubend. Aber sie war lange Zeit am unteren Ende der Verkaufszahlen im Vergleich zu anderen Künstlern ihrer Statur. Doch sie war keine Spätzünderin auf dem Kunstmarkt. Die Mächtigen erkannten sofort ihre Fähigkeiten. Im selben Jahr, in dem sie ihren BFA am Pratt Institute abschloss, hatte sie ihre erste Gruppenausstellung – nicht in einer Galerie, sondern im High Museum of Art in Atlanta, arguably dem wichtigsten Kunstmuseum im Südosten der Vereinigten Staaten. Im folgenden Jahr hatte sie Gruppenausstellungen im Philadelphia Museum of Art und im MoMA in New York. Seitdem gab es kein Jahr, in dem Steir nachgelassen hätte. Ihr Werk hat die Zuschauer konstant mit seiner Präsenz, seiner Kraft und seiner Komplexität verblüfft. Und sie hat sogar Zeit gefunden, an einigen der einflussreichsten Bildungseinrichtungen in Amerika zu lehren, nämlich Princeton, Parsons und Cal Arts. Die Frage ist also, warum Pat Reid nicht finanziell für ihren Erfolg belohnt wurde, in einer Weise, die ihrer Bedeutung als Künstlerin entspricht? Die Antwort scheint mit der Vertretung zu tun zu haben.

Die erste Galerie

Pat Steir wurde 1940 geboren. Bis 1964 war ihre Arbeit in drei Museumsausstellungen vertreten, und sie erhielt ihr erstes Solo-Exponat in New York City, in der Terry Dintenfass Gallery. Terry Dintenfass war eine gebürtige Atlantikstadt, New Jersey. Dort eröffnete sie ihre erste Kunstgalerie, D Contemporary, in der Lobby des damaligen erstklassigen Seebades, dem Traymore Hotel. Doch als Atlantikstadt an Beliebtheit verlor, beschloss Dintenfass, D Contemporary zu schließen und nach Manhattan zu ziehen, um eine neue Galerie zu eröffnen. Damit wurde sie Teil einer wachsenden Welle weiblicher Galeristen in New York. Sie gehörte zu den progressivsten, die Künstler vertraten, die aufgrund der weit verbreiteten sozialen oder politischen Vorurteile der damaligen Zeit sonst unterrepräsentiert waren.

Die Arbeiten, die Pat Steir bei Terry Dintenfass zeigte, standen nicht im Einklang mit den vorherrschenden ästhetischen Trends der Zeit. Sie tendierten zur Figuration, während minimalistische Arbeiten mehr im Trend lagen. Es ist daher nicht überraschend, dass die Ausstellung nicht genügend Verkäufe generierte, um sie von ihrem Tagesjob als Art Director bei dem Verlag Harper & Row zu befreien. Im Rest des Jahrzehnts setzte Steir fort, ihre Arbeiten in New York auszustellen, aber finanzielle Belohnungen blieben ihr weiterhin verwehrt. Das war für sie natürlich nicht der Punkt. Steir war auf der Suche nach etwas Wichtigerem als Geld. Sie etablierte ihre eigene Stimme als Malerin und strebte danach, als Künstlerin etwas Wahres zu erreichen.

Pat Steir - Blau, 2007, Öl auf Leinwand, 36 × 36 Zoll, 91,4 × 91,4 cm, Foto Credits Bentley Gallery, Phoenix

Der grundlegende Wandel

In den frühen 1970er Jahren unternahm Steir eine Reise nach New Mexico, wo sie Zeit mit Agnes Martin verbrachte. Gespräche mit Martin verstärkten für Steir die Bedeutung, sich mit den spirituellen Aspekten dessen, was sie zu tun versuchte, zu verbinden. Sie begann, die Philosophien und künstlerischen Traditionen Ostasiens zu studieren. Sie verband deren Lehren mit ihren eigenen ästhetischen Tendenzen, die im Einklang mit dem Automatismus und dem Verlust des Egos standen, die dem Abstract Expressionism Techniken innewohnen. Diese Einflüsse kulminierten in einer Art neuer Klarheit für Steir, und in den frühen 1970er Jahren schuf sie, was zu ihrer ersten ikonischen Werkreihe wurde: ihren sogenannten Rosenbildern, abstrakten Gemälden, die Formen enthalten, die an Rosen erinnern und dann durchgestrichen wurden. Als sie beschrieb, was sie mit diesem Werk erreichen wollte, erklärte Steir: “Ich wollte Bilder als Symbole zerstören...keine Bildsprache, aber gleichzeitig endlose Bildsprache.”

Im Laufe des nächsten Jahrzehnts führte dieser philosophische Prozess, den Steir begonnen hatte, sie zu ihrem bekanntesten Werk: ihren Wasserfallgemälden. Diese Werke sind die perfekten konzeptionellen Demonstrationen des Aufgebens von Kontrolle und gleichzeitig perfekte Ausdrücke von Planung und Nuance. Visuell sehen sie aus wie Farbe, die die Vorderseite einer Leinwand hinuntergegossen wird, genau wie ein Wasserfall. Um sie zu erstellen, hängt Steir eine ungespannte Leinwand an die Wand und klettert dann eine Leiter hinauf, um die Farbe sorgfältig über die Oberfläche zu gießen. Schwerkraft und Zeit übernehmen, sobald sie die Farbe loslässt. Sie beherrscht den Prozess. Sie wählt aus, wann, wo und wie viel Farbe sie gießen möchte. Sie wählt die Farben. Sie wählt die Viskosität und ob sie zusätzliche Pinselstriche oder Spritzer hinzufügen möchte. Es ist ein einfacher, tiefgründiger Ausdruck der Menschheit, die mit der Natur zusammenarbeitet. Der Prozess ist harmonisch, und das sind auch die Gemälde.

Pat Steir - Mountain in Rain, 2012, Farbdirektgravur auf Gampi-Papier Chine Collé, 31 × 39 in, 78,7 × 99,1 cm, Foto Credits Crown Point Press, San Francisco

Chem & Lesen

Bis Ende der 1990er Jahre hatte Steir als Malerin Meisterschaft erlangt und erhielt ein Angebot zur Vertretung durch eine bedeutende Galerie: Cheim & Read, einen der einflussreichsten zeitgenössischen Kunsthändler in New York. Cheim & Read, im Chelsea-Viertel gelegen, ist seit seiner Gründung im Jahr 1997 ein fester Bestandteil der globalen zeitgenössischen Kunstszene. Jeder Künstler würde die Chance, von einer solchen Galerie vertreten zu werden, als unglaubliche Gelegenheit ansehen. Aber für Pat Steir zahlte sich die Gelegenheit nicht wie erhofft aus. Das soll nicht heißen, dass ihre Werke nicht verkauft wurden. Sie wurden verkauft, für Zehntausende von Dollar. Aber viele ihrer Zeitgenossen erzielten das Zehnfache dieser Beträge. Wiederum, nicht dass Profit ihre Motivation war. Aber in Amerika beeinflussen Verkaufszahlen tiefgreifend, ob ein Künstler in den Kanon der wichtigen Künstler aufgenommen wird, die regelmäßig in Museen und Biennalen ausgestellt werden und in die Lehrpläne der Kunstgeschichte-Kurse aufgenommen werden.

Betreten Sie die in der Schweiz geborene Kunsthändlerin Dominique Lévy. Lévy wurde drei Jahre nach Pat Steirs erster Einzelausstellung geboren. Sie erwarb ihren Masterabschluss an der Universität Genf im faszinierenden Fachbereich Soziologie der Kunst. Ende der 1980er Jahre und während der 90er Jahre arbeitete sie für das Auktionshaus Christie’s, das Auktionshaus Sotheby’s und dann erneut für Christie’s. 2003 eröffnete sie ihren eigenen Kunstberatungsdienst namens Dominique Lévy Fine Art. Zwei Jahre später eröffnete sie L&M Arts mit Robert Mnuchin, dem Vater des aktuellen Finanzministers der Vereinigten Staaten. 2013 eröffnete sie die Dominique Lévy Gallery in Manhattan und London. Dort vertrat sie das Nachlass von , und Yves Klein Künstler wie Frank Stella und Pierre Soulages. Und 2016 unterzeichnete sie Pat Steir.

Pat Steir - Moment, 1974, Öl auf Leinwand, 84 × 84 Zoll, 213,4 × 213,4 cm, Foto Credits Cheim & Read, New York

Was ist in einem Namen

Direkt nach der Unterzeichnung von Pat Steir ging Dominique Lévy eine Partnerschaft mit dem britischen Kunsthändler Brett Gorvy ein, um eine neue Galerie zu gründen: Lévy Gorvy, mit Büros in London, New York und Genf. Lévy Gorvy ist jetzt der Vertreter von Pat Steir. Und seit dieser Fusion sind die Preise für Werke von Steir in weniger als zwei Jahren in die Höhe geschossen. Allein in den letzten sechs Monaten haben drei ihrer Werke bei Auktionen ihre Schätzungen übertroffen. Sotheby’s verkaufte Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) für 680.750 £ nach einer Schätzung von 200.000 £, und sowohl Misty Mountain Waterfall (1991) als auch Silver Moon Beam (2006) für jeweils 299.400 £ nach Schätzungen von jeweils 113.250 £. Darüber hinaus verkauft Lévy Gorvy neue Werke von Steir für weit über eine halbe Million, ein Preisniveau, das auf der Chicago EXPO erreicht wurde, wo ein unbetiteltes Steir-Gemälde aus dem Jahr 2004 für 550.000 $ verkauft wurde.

Was ist also passiert? Wenn Steir in der Lage war, diese Preise zu erzielen, warum hat Cheim & Read das nicht möglich gemacht? Die Antwort könnte auf Verbindungen hinauslaufen. Jeder Galerist hat ein Netzwerk. Vielleicht kennen Lévy und Gorvy einfach andere Leute. Oder es könnte am Timing liegen. Vielleicht war es unabhängig davon, wer Steir vertritt, dazu bestimmt, zu passieren. Oder es könnte auf Vertrauen hinauslaufen. Vielleicht haben Lévy und Gorvy eine Erfolgsbilanz, auf die große Käufer setzen. Aber nachdem ich die Galerieseiten für Pat Steir sowohl auf den Websites von Cheim & Read als auch Lévy Gorvy angesehen habe, denke ich, dass der Unterschied in einem Verständnis liegen könnte. Die Marketingmaterialien, die Lévy Gorvy zusammengestellt hat, sind nicht nur moderner und umfassender. Die Geschichte, die sie erzählen, ist auch sympathischer. Meiner Meinung nach ist der entscheidende Faktor dafür, ob ein Künstler die richtige Galerie gefunden hat, ob die Menschen, die in dieser Galerie arbeiten, die Arbeit verstehen. Es ist unmöglich, jemanden dazu zu bringen, Kunst zu kaufen. Aber wenn ein Galerist wirklich an der Arbeit glaubt, die er verkauft, wird es nicht zum Verkauf, sondern zu einer Frage, Menschen mit Kunst zu verbinden, die für sie von Bedeutung ist, eine Leistung, die möglich wird, weil der Käufer, der Galerist, der Künstler und die Arbeit, aus welchem Grund auch immer, die gleiche Sprache des Herzens sprechen.

Pat Steir - Set von vier Linien, 2015, Ein Set von vier Siebdrucken mit Handmalerei, 72 × 96 in, 182,9 × 243,8 cm, Einzigartig

Vorschaubild: Pat Steir - Triptychon D, 2015, Ein Set aus drei Siebdrucken mit Handmalerei, 72 × 108 Zoll, 182,9 × 274,3 cm, Einzigartig, Foto Credits Pace Prints

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio