Bahnbrechend und doch Vergessen - Die Kunst von Mark Tobey

Diesen Sommer zeigt die Peggy Guggenheim Sammlung in Venedig, Italien, die erste große europäische Retrospektive der Gemälde von Mark Tobey seit mehr als 20 Jahren. Die Ausstellung mit dem Titel Mark Tobey: Threading Light umfasst 66 bedeutende Werke, die Tobey zwischen den späten 1920er Jahren und den frühen 1970er Jahren geschaffen hat. Die Auswahl der Werke versucht, die verschiedenen Entwicklungen hervorzuheben, die Tobey in seiner Laufbahn durchlief, während er nach Wegen suchte, die Universalität der menschlichen Existenz auszudrücken. Nachdem er seine Karriere als Werbeillustrator und Porträtmaler begonnen hatte, wandte er sich in seinen 30ern der Malerei zu. Er begann mit figürlichen Arbeiten, fand sich aber bald in der modernistischen Diskussion darüber wieder, wie man neue ästhetische Sichtweisen entwickeln kann. Seine späteren Errungenschaften in dieser Hinsicht waren enorm, was es umso merkwürdiger macht, dass heute so viele Menschen Tobey entweder völlig vergessen haben oder nie von ihm gehört haben. Noch vor nicht allzu langer Zeit galt er als einer der wichtigsten und einflussreichsten Maler der Welt. Diese Tatsache macht den Zeitpunkt und den Ort dieser aktuellen Ausstellung besonders passend. Sie ist so terminiert, dass sie mit der Biennale von Venedig 2017 zusammenfällt, eine subtile Erinnerung daran, dass Mark Tobey bei einer früheren Biennale in Venedig 1958 Geschichte schrieb. Tobey vertrat die Vereinigten Staaten auf dieser Messe zusammen mit Mark Rothko. Während Rothko heute in den Vereinigten Staaten vielleicht weitaus bekannter ist, war es ein Tobey-Gemälde mit dem Titel Capricorn, das 1958 den Stadtpreis von Venedig für Malerei gewann – zum ersten Mal übrigens seit der ersten Biennale von Venedig 1895, dass der Goldpreis an einen amerikanischen Maler ging.

Ein offener Geist

Mark Tobey wurde 1890 in der mittleren westamerikanischen Stadt Centerville, Wisconsin, geboren. Obwohl er Wisconsin bald verließ, erinnerte er sich gern daran und bezog sich häufig auf dessen Landschaften in seinen frühen Gemälden. Anders als viele amerikanische abstrakte Maler seiner Generation, die es bevorzugten, ganz in New York zu leben und zu arbeiten, entschied sich Mark Tobey für einen Großteil seines Erwachsenenlebens, in Seattle zu leben und zu arbeiten. Vielleicht war es diese schicksalhafte Wahl, die zu der Freiheit und Aufgeschlossenheit führte, die seine Entwicklung als Künstler prägten. Ein weiterer häufiger Bewohner Seattles, der Kampfkünstler Bruce Lee, hatte eine ähnliche Lebenseinstellung wie Mark Tobey. Lee gründete eine Kampfkunst namens Jeet Kun Do, die er als „Stil ohne Stil“ beschrieb, was bedeutet, dass ein Kämpfer Dogmen ablehnen und offen sein sollte, alles Mögliche zu lernen, dann das behalten sollte, was funktioniert, und das verwerfen, was nicht funktioniert. Der „Stil ohne Stil“ entstand aus Lehren, die Lee beim Studium des Zen-Buddhismus erlernte, und ähnelt auffallend dem Ansatz, den Mark Tobey viele Jahre zuvor in der Malerei entwickelte.

Tobey reiste erstmals in den 1930er Jahren nach Asien. Diese Reise fand in einer Zeit statt, in der er als Maler damit rang, wie er mit Raum umgehen sollte. Er konnte sich nicht entscheiden, ob er versuchen sollte, Tiefe und Dimension in seinen Werken zu erreichen, oder ob er diese aufgeben und stattdessen Flächigkeit annehmen sollte. Während seines Besuchs in Japan, Shanghai und Hongkong gewann er ein neues und tiefes Verständnis dafür, wie asiatische Künstler im Laufe der Geschichte Raum in ihren Werken behandelt haben. Bereits zuvor hatte er in den 1920er Jahren in Seattle die Techniken der chinesischen Kalligrafie erlernt, doch diese Reise eröffnete ihm ein umfassenderes Bewusstsein dafür, wie Schrift und Symbolik in die größeren ästhetischen Ansätze der asiatischen Kunst eingebunden sind. Diese Erkenntnis öffnete Tobey die Augen dafür, dass er nicht nur die Kunst seiner eigenen Kultur studieren sollte, sondern sich vielmehr dafür öffnen sollte, alles Mögliche über die Kunst aller verschiedenen Kulturen zu lernen.

Mark Tobey - Kristallisierungen, 1944, Iris und B. Gerald Cantor Zentrum für Bildende Kunst an der Stanford Universität, Mabel Ashley Kizer Fonds, Geschenk von Mellita und Rex Vaughan sowie Fonds für moderne und zeitgenössische Erwerbungen

Allover-Malerei

Kurz nach seiner Rückkehr aus Asien schuf Tobey eines seiner einflussreichsten Gemälde mit dem Titel Broadway. Es ist ein etwas figürliches Ausdrucksstück der Formen, Farben und Lichter der berühmten Straße in New York. Doch es ist in seinem Ansatz transformierend. Die Komposition besteht aus Hunderten winziger, gestischer, weißer Zeichen. Die Ähnlichkeit mit Schrift ist deutlich, doch die Zeichen ergeben keine konkreten Worte und stellen auch keine realen Formen direkt dar. Sie sind anregend und poetisch. Das Gemälde gilt heute als Vorläufer eines ästhetischen Stils, den Mark Tobey im Laufe seiner Karriere immer wieder verfolgte, den er „weißes Schreiben“ nannte.

Broadway wurde 1936 gemalt. In den folgenden Jahren entwickelte Tobey den Ansatz, der dieses Werk prägte, weiter. Er abstrahierte seine kalligrafischen Zeichen bis zur Unkenntlichkeit und gab bald alle figürlichen Formen auf. Er verpflichtete sich dazu, Gefühle mehr als nur Bilder zu vermitteln. Am wichtigsten war ihm, die gesamte Oberfläche seiner Leinwände mit Kompositionen zu bedecken, die keinem Bereich der Fläche eine besondere Vorzugsbehandlung angedeihen ließen. Diese Idee wurde später vom Kunstkritiker Clement Greenberg hervorgehoben, als er die „Allover-Bilder“ beschrieb, die Jackson Pollock in den 1940er Jahren schuf. Doch es war Mark Tobey, dessen Gemälde Pollock Jahre zuvor gesehen hatte, der diesen Ansatz vorantrieb.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Das Museum für Moderne Kunst, New York

Die Schule der Nicht-Schule

Mark Tobey war sicherlich mit Jackson Pollock und allen anderen Künstlern der New Yorker Schule vertraut. Werke von Tobey wurden in der Ausstellung Vierzehn Amerikaner 1946 im Museum für Moderne Kunst in New York gezeigt, einer Ausstellung, die auch Arshile Gorky und Robert Motherwell einschloss. Während diese New Yorker Künstler und ihr Förderer Greenberg den Mythos annahmen, Teil der Entstehung einer Art von ursprünglich amerikanischer Kunst zu sein, lehnte Tobey dieses Konzept ab. Er bestand darauf, dass Kunst nicht in so engen Begriffen definiert werden sollte und sich nicht durch kleinliche Vorstellungen wie Nationalismus, Politik, Kultur oder Geografie einschränken lassen darf. Er weigerte sich, sich mit der Idee der New Yorker Schule zu identifizieren, obwohl seine Arbeit so deutlich ein Vorläufer der Ideen ihrer Mitglieder war.

Stattdessen übernahm Tobey denselben Ansatz, den Bruce Lee später beschrieb. Man könnte es die Schule der Nicht-Schule nennen. Tobey reiste, las, experimentierte, lernte so viele verschiedene Ansätze wie möglich und behielt dann, was funktionierte, und gab auf, was nicht funktionierte. Er studierte sogar Zen-Buddhismus und beherrschte die japanische Sumi-e (Schwarz-Tinte) Malerei. Seine Offenheit und seine Suche spiegeln sich in der Auswahl der Werke wider, die in Mark Tobey: Threading Light gezeigt werden, darunter auch einige seiner Sumi-e-Arbeiten sowie verschiedene Gemälde, die sich aus dieser Technik entwickelten, wie City Reflections, das direkt gesprenkelte schwarze Tinte einbezieht, und Lumber Barons, das auf zartere Weise auf Sumi-e Bezug nimmt und stärker mit dem weißen Schreiben verbunden ist.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, Das Museum für Moderne Kunst, NY, Die Sidney und Harriet Janis Sammlung

Eine universelle ästhetische Sprache

Abgesehen von seiner Abneigung gegen nationalistische oder regionale Bezeichnungen glauben einige Kritiker, dass ein weiterer Hauptgrund, warum Mark Tobey von vielen Autoren der amerikanischen Kunstgeschichte letztlich vergessen wurde, mit seiner offenen Spiritualität zusammenhängt. Nicht, dass die amerikanische Kunstwelt ein unspiritueller Ort wäre: Das ist offensichtlich nicht der Fall. Aber die besondere Art von Spiritualität, die Mark Tobey vertrat, brachte ihn mit so gut wie allen in Konflikt, von Künstlern, Kuratoren, Galeristen und Kritikern bis hin zu Menschen außerhalb der Kunstwelt. Tobey gehörte einer Glaubensgemeinschaft namens Bahá'í an. Der Kern des monotheistischen Bahá'í-Glaubens ist ein beständiger Respekt vor dem Wert und der Würde aller menschlichen Religionen, und das Ziel der Mitglieder ist dauerhafter Frieden durch die Einheit aller Menschen. Das mag für einen vernünftigen Menschen nicht kontrovers klingen, doch die Religion besteht auch darauf, dass alle Religionen von einer einzigen göttlichen Quelle stammen und dass alle Propheten gleichwertige Erscheinungen desselben Gottes sind – Glaubenssätze, die den Grundprinzipien fast aller großen Religionen, insbesondere Christentum, Judentum und Islam, widersprechen.

Was die amerikanische Kunstwelt betrifft, so ist es in Ordnung, über den Geist zu sprechen, wie es Wassily Kandinsky und Piet Mondrian sicherlich taten; und es ist gut, über Universalität zu sprechen, wie Agnes Martin und viele andere; und es ist großartig, über Transzendenz und Betrachtung zu sprechen, wie Mark Rothko es tat. Aber das Wort Religion schreckt die Menschen ab. Amerikanische Institutionen meiden Dinge, die ihnen kommerziell schaden könnten. Und obwohl sich die Zeiten geändert haben mögen, galten offen religiöse Absichten Mitte des 20. Jahrhunderts allgemein nicht als gut fürs Geschäft. Doch Mark Tobey war das egal. Er zögerte nicht, seine religiösen Überzeugungen offen anzusprechen, und erklärte häufig, dass es sein Ziel sei, seine Kunst als Mittel zu nutzen, um eine universelle Sprache zu schaffen, die der Menschheit helfen könne, Einheit und Frieden zu erreichen. Ob dies der Grund dafür ist, dass er in den USA vernachlässigt wurde, bleibt natürlich Spekulation. Glücklicherweise genoss Tobey trotz der Ablehnung in seiner Heimat eine lange und erfolgreiche Karriere anderswo, besonders in Europa, wo er zu Lebzeiten verehrt wurde und heute als Wegbereiter von Bewegungen wie Tachismus und Art Informel gilt. Mark Tobey: Threading Light ist bis zum 10. September 2017 in der Peggy Guggenheim Sammlung in Venedig, Italien, zu sehen.

Mark Tobey - Welt, 1959, Privatsammlung, New York

Titelbild: Mark Tobey - Ohne Titel, Sumi-Zeichnung (Detail), 1944, Die Martha Jackson Sammlung in der Albright-Knox Kunsthalle, Buffalo, NY

Von Phillip Barcio