Bahnbrechend und doch Vergessen - Die Kunst von Mark Tobey

In diesem Sommer zeigt die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, Italien, die erste große europäische Retrospektive der Gemälde von Mark Tobey seit mehr als 20 Jahren. Mit dem Titel Mark Tobey: Threading Light umfasst die Ausstellung 66 bedeutende Werke, die Tobey zwischen den späten 1920er Jahren und den frühen 1970er Jahren geschaffen hat. Die Auswahl der Werke soll die verschiedenen Entwicklungen hervorheben, die Tobey in seiner Karriere durchlief, während er nach Wegen suchte, die Universalitäten der menschlichen Existenz auszudrücken. Nachdem er seine Karriere als kommerzieller Illustrator und Porträtkünstler begonnen hatte, wechselte er in seinen 30ern zur Malerei. Er begann mit figürlicher Arbeit, fand sich jedoch bald in der modernistischen Diskussion darüber wieder, wie man neue ästhetische Perspektiven entwickeln kann. Seine letztendlichen Errungenschaften in dieser Hinsicht waren enorm, was es umso seltsamer macht, dass so viele Menschen heute entweder völlig vergessen haben, wer Tobey ist, oder noch nie von ihm gehört haben. Noch vor nicht allzu langer Zeit galt er als einer der wichtigsten und einflussreichsten Maler der Welt. Diese Tatsache macht den Zeitpunkt und den Ort dieser aktuellen Ausstellung besonders passend. Ihre Laufzeit ist so gelegt, dass sie mit der Biennale von Venedig 2017 zusammenfällt, eine subtile Erinnerung daran, dass Mark Tobey bei einer früheren Biennale von Venedig im Jahr 1958 Geschichte schrieb. Tobey vertrat die Vereinigten Staaten auf dieser Messe zusammen mit Mark Rothko. Während Rothko heute in den Vereinigten Staaten weitaus mehr Ruhm genießt, war es ein Gemälde von Tobey mit dem Titel Capricorn, das den Preis der Stadt Venedig für Malerei 1958 gewann – das erste Mal, übrigens, seit der ersten Biennale von Venedig im Jahr 1895, dass der Goldpreis an einen amerikanischen Maler ging.

Ein offener Geist

Mark Tobey wurde 1890 in der mittelwestlichen amerikanischen Stadt Centerville, Wisconsin, geboren. Obwohl er Wisconsin bald verließ, erinnerte er sich gerne daran und bezog sich häufig auf die Landschaft in seinen frühen Gemälden. Aber im Gegensatz zu vielen amerikanischen abstrakten Malern seiner Generation, die es bevorzugten, ganz in New York zu leben und zu arbeiten, wählte Mark Tobey während eines Großteils seines Erwachsenenlebens, in Seattle zu leben und zu arbeiten. Es war vielleicht diese schicksalhafte Entscheidung, die zu einem Großteil der Freiheit und Offenheit führte, die seine Entwicklung als Künstler prägte. Ein weiterer häufiger Bewohner von Seattle, der Kampfkünstler Bruce Lee, hatte eine ähnliche Lebensauffassung wie Mark Tobey. Lee gründete einen Kampfstil namens Jeet Kun Do, den er als den „Stil ohne Stil“ beschrieb, was bedeutet, dass ein Kämpfer Dogmen ablehnen und offen sein sollte, alles Mögliche zu lernen, um dann das, was funktioniert, zu behalten und das, was nicht funktioniert, abzulehnen. Der „Stil ohne Stil“ entstand aus Lehren, die Lee zuerst beim Studium des Zen-Buddhismus erlernte, und er ist auffallend ähnlich zu dem Ansatz, den Mark Tobey viele Jahre zuvor in Bezug auf die Malerei entwickelte.

Tobey reiste in den 1930er Jahren zum ersten Mal nach Asien. Diese Reise fand zu einer Zeit statt, als er als Maler kämpfte, um herauszufinden, was er mit dem Raum tun sollte. Er konnte sich nicht entscheiden, ob er versuchen sollte, Tiefe und Dimension in seinen Werken zu erreichen oder es aufzugeben und stattdessen die Flachheit zu umarmen. Während seines Besuchs in Japan, Shanghai und Hongkong gewann er ein neues und tiefes Verständnis dafür, wie asiatische Künstler im Laufe der Geschichte den Raum in ihren Arbeiten behandelt haben. Er hatte bereits zuvor in den 1920er Jahren in Seattle die Techniken der chinesischen Kalligrafie gelernt, aber diese Reise eröffnete ihm ein umfassenderes Bewusstsein dafür, wie Schreiben und Symbolik in die größeren ästhetischen Ansätze der asiatischen Kunst passen. Diese Erleuchtung öffnete Tobey die Augen für die Idee, dass er nicht nur die Art und Weise studieren sollte, wie seine Kultur Kunst macht, sondern sich vielmehr öffnen sollte, um alles Mögliche über die Art und Weise zu lernen, wie alle verschiedenen Kulturen Kunst schaffen.

Mark Tobey - Kristallisationen, 1944, Iris und B. Gerald Cantor Zentrum für Bildende Kunst an der Stanford Universität, Mabel Ashley Kizer Fonds, Geschenk von Mellita und Rex Vaughan, sowie Fonds für moderne und zeitgenössische Erwerbungen.

Ganzkörpermalerei

Kurz nach seiner Rückkehr aus Asien schuf Tobey eines seiner einflussreichsten Gemälde mit dem Titel Broadway. Es ist eine etwas figurative Ausdrucksform der Formen, Farben und Lichter der berühmten Straße in New York. Aber es ist transformativ in seinem Ansatz. Die Komposition besteht aus Hunderten von winzigen, gesturalen, weißen Markierungen. Die Ähnlichkeit mit Schrift ist offensichtlich, aber die Markierungen bilden nichts Konkretes und stellen auch keine realen Formen dar. Sie sind evocativ und poetisch. Das Gemälde wird heute als Vorläufer eines ästhetischen Stils angesehen, den Mark Tobey während seiner Karriere in verschiedenen Formen weiterverfolgen würde, den er "weiße Schrift" nannte.

Broadway wurde 1936 gemalt. In den folgenden Jahren entwickelte Tobey den Ansatz weiter, der dieses Werk prägte. Er abstrahierte seine kalligrafischen Markierungen bis zur Unkenntlichkeit und gab bald alle figürlichen Formen auf. Er engagierte sich dafür, Gefühle mehr als nur Bilder zu kommunizieren. Am wichtigsten war, dass er darauf achtete, die gesamte Oberfläche seiner Leinwände mit Kompositionen zu bedecken, die keinem bestimmten Bereich der Oberfläche eine bevorzugte Behandlung zukommen ließen. Diese Idee wurde später vom Kunstkritiker Clement Greenberg hervorgehoben, als er die "all-over pictures" beschrieb, die Jackson Pollock in den 1940er Jahren schuf. Aber es war Mark Tobey, dessen Gemälde Pollock Jahre zuvor gesehen hatte, der diesen Ansatz prägte.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Museum of Modern Art, New York

Die Schule der Keine Schule

Mark Tobey war sicherlich mit Jackson Pollock und all den anderen Künstlern der New Yorker Schule vertraut. Werke von Tobey waren in der Ausstellung Fourteen Americans im Museum of Modern Art in New York im Jahr 1946 enthalten, einer Ausstellung, die auch Arshile Gorky und Robert Motherwell umfasste. Während jedoch diese New Yorker Künstler und ihr Cheerleader Greenberg den Mythos umarmten, dass sie Teil des Aufkommens einer Art von inhärent amerikanischer Kunst seien, wies Tobey dieses Konzept zurück. Er bestand darauf, dass Kunst nicht in so engen Begriffen definiert werden sollte und nicht durch petty Vorstellungen wie Nationalismus, Politik, Kultur oder Geografie eingeschränkt werden sollte. Er weigerte sich, sich mit der Idee der New Yorker Schule zu identifizieren, obwohl sein Werk so klar ein Vorläufer der Ideen ihrer Mitglieder war.

Stattdessen nahm Tobey denselben Ansatz an, den Bruce Lee später beschrieb. Nennen wir es die Schule der No School. Tobey reiste, las, experimentierte, lernte so viele verschiedene Ansätze wie möglich und behielt, was funktionierte, und ließ das, was nicht funktionierte, hinter sich. Er studierte sogar Zen-Buddhismus und meisterte die japanische Sumi-e (Schwarz-Tinte) Malerei. Seine Offenheit und seine Suche sind in der Auswahl der Werke evident, die in Mark Tobey: Threading Light enthalten sind, die sogar einige seiner Sumi-e Werke sowie verschiedene Gemälde umfasst, die aus der Technik hervorgegangen sind, wie City Reflections, das direkt gespritzte schwarze Tinte integriert, und Lumber Barons, das Sumi-e auf eine Weise zarter referenziert, die mehr mit weißem Schreiben verbunden ist.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, Museum of Modern Art, NY, Sammlung Sidney und Harriet Janis

Eine universelle ästhetische Sprache

Abgesehen von seiner Verachtung für nationalistische oder regionale Bezeichnungen gibt es einen weiteren Hauptgrund, warum einige Kritiker glauben, dass Mark Tobey von vielen Schriftstellern der amerikanischen Kunstgeschichte letztendlich vergessen wurde, und zwar aufgrund seiner offensichtlichen Spiritualität. Das soll nicht heißen, dass die amerikanische Kunstwelt ein unspiritueller Ort ist: Offensichtlich ist das nicht wahr. Aber die besondere Art von Spiritualität, die Mark Tobey vertrat, stellte ihn in Konflikt mit fast allen, von Künstlern, Kuratoren, Galeristen und Kritikern bis hin zu Menschen außerhalb der Kunstwelt. Tobey gehörte einem Glauben an, der als Bahá'í bekannt ist. Der zentrale Glaube der monotheistischen Bahá'í-Religion ist ein beständiger Respekt vor dem Wert und der Würde aller menschlichen Religionen, und das Ziel der Mitglieder ist dauerhafter Frieden durch die Einheit aller Menschen. Das mag für eine vernünftige Person nicht kontrovers klingen, aber die Religion besteht auch darauf, dass alle Religionen aus einer einzigen göttlichen Quelle stammen und dass alle Propheten gleichwertige Manifestationen des gleichen Gottes sind, Überzeugungen, die den grundlegenden Prinzipien fast jeder großen Religion widersprechen, insbesondere dem Christentum, Judentum und Islam.

Was die amerikanische Kunstwelt betrifft, ist es in Ordnung, über den Geist zu sprechen, wie es Wassily Kandinsky und Piet Mondrian sicherlich taten; und es ist gut, über Universalität zu sprechen, wie Agnes Martin und so viele andere es taten; und es ist großartig, über Transzendenz und Kontemplation zu sprechen, wie es Mark Rothko tat. Aber das Wort Religion macht den Menschen Angst. Amerikanische Institutionen vermeiden Dinge, die sie kommerziell bedrohen könnten. Und obwohl die Dinge jetzt anders sein mögen, wurden in der Mitte des 20. Jahrhunderts offensichtliche religiöse Agenden im Allgemeinen nicht als gut für das Geschäft angesehen. Aber Mark Tobey kümmerte sich nie darum. Er zögerte nicht, seine religiösen Überzeugungen anzusprechen, und häufig erklärte er, dass es sein Ziel sei, seine Kunst als Mittel zu nutzen, um zur Schaffung einer universellen Sprache beizutragen, die der Menschheit helfen könnte, Einheit und Frieden zu erreichen. Aber natürlich ist es nur Spekulation, ob dies der Grund ist, warum er in den USA vernachlässigt wurde. Glücklicherweise genoss Tobey trotz der Zurückweisung aus seiner Heimat eine lange und fruchtbare Karriere anderswo, insbesondere in Europa, wo er zu Lebzeiten verehrt wurde und wo er heute als der Vorreiter von Bewegungen wie Tachisme und Art Informel gilt. Mark Tobey: Threading Light ist bis zum 10. September 2017 in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig, Italien, zu sehen.

Mark Tobey - Welt, 1959, Privatsammlung, New York

Hervorgehobenes Bild: Mark Tobey - Untitled, Sumi-Zeichnung (Detail), 1944, Die Martha Jackson Sammlung in der Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Von Phillip Barcio