Carmen Herrera - Ein blühendes, längst Überfälliges

Carmen Herrera (30. Mai 1915–12. Februar 2022) war eine kubanisch-amerikanische Künstlerin, bekannt für ihre abstrakten minimalistischen Kompositionen und die geometrische Farbgestaltung. Ihr kürzlicher Tod hat viele dazu veranlasst, über ihr Werk und ihren Lebensweg nachzudenken. Obwohl sie heute als angesehene und berühmte Abstraktionsmalerin gilt, erhielt Herrera erst in den letzten Lebensjahren Anerkennung. Es ist daher ein passender Moment, das Erbe dieser kreativen Wegbereiterin zu würdigen und zu ehren.

Frühe Einflüsse und Anfänge von Bedeutung

Carmen Herrera wurde 106 Jahre alt und führte ein langes, erfülltes Leben. Doch stellen Sie sich vor, dass der erste dokumentierte größere Kunstverkauf der Künstlerin erst im Alter von 89 Jahren stattfand. Diese Umstände erzählen jedoch weniger von einer späten Entdeckung verborgenen künstlerischen Talents – vielmehr zeigte Herrera eine lebenslange Hingabe zur Kunst und verfügte über jahrzehntelange Erfahrung und Technik, die sie bereits in ihrer Kindheit begann. Geboren in Havanna, Kuba, lernte Herrera schon früh die Grundlagen des Zeichnens und nahm ab dem achten Lebensjahr Privatunterricht. Sie war eines von sieben Geschwistern, und ihre Eltern waren beide Journalisten; so war sie in ihrer Kindheit oft von Mitgliedern der intellektuellen Kreise Havannas umgeben. Sie berichtete, dass ihre Eltern stets eher gegen das Establishment eingestellt waren, und sie erlebte sogar die Inhaftierung zahlreicher Verwandter wegen deren Andersdenkens. Abgeneigt von extremen politischen Ansichten, setzte Herrera ihr Kunststudium in ihrer Jugend in Kuba fort, bildete sich im akademischen Zeichnen aus und arbeitete mit großer Disziplin. Um ihre kreative Arbeit weiter zu verfolgen, reiste sie nach Paris, um ihre Ausbildung abzuschließen, kehrte anschließend nach Havanna zurück, um dort Architektur an der Universität zu studieren.

Ihre Entscheidung, ohne Zögern ein von Männern dominiertes Fachgebiet zu betreten, war nur eines der vielen frühen Zeichen ihres Durchsetzungsvermögens und ihrer Ablehnung des Status quo. Gleichzeitig fiel es ihr schwer, sich auf ihre Arbeit zu konzentrieren, vor allem wegen des instabilen politischen Umfelds um sie herum. Revolutionen und Streiks führten oft dazu, dass ihre Universität zeitweise schließen musste, was ihre Haltung gegenüber den Folgen politischen Extremismus prägte. In dieser Zeit entwickelte Herrera auch eine Faszination für die Linie, fast so, als würde sie ihr Architekturstudium auf das Wesentlichste und Reinste reduzieren. Sie erkannte, dass Linien die Grundlage aller Formen und Gestalten sind, und verliebte sich in die innewohnende Schönheit ihrer Kraft, zu bauen, zu verbinden und zu definieren.

Carmen Herrera – Mittwoch, 1978. Dienstag, 1978. Sonntag, 1978. Freitag, 1978. Donnerstag, 1975. Acryl auf Leinwand (von links nach rechts). Ausstellung Lines of Sight im Whitney Museum in New York, 2016. Installationsansicht.

Konzeptuelle Wanderungen

Die Künstlerin schloss ihr Architekturstudium nie ab. 1939 zog sie nach New York City, nachdem sie Jesse Lowenthal, einen jungen amerikanischen Lehrer, kennengelernt hatte. Aus vielleicht vielen Gründen (politische Spannungen, der Wunsch, ihre Leidenschaft für die bildenden Künste weiter zu verfolgen, und die aufkeimende junge Liebe, um nur einige zu nennen) entschied sie sich, ihr Leben und ihre Karriere zu verlegen. In New York nutzte Herrera jede Gelegenheit, ihre Werke zu zeigen: Schaufenster, Gehwege, provisorische Galerien. Ein kommerzieller Erfolg war sie noch lange nicht, doch ließ sie sich nicht entmutigen. Zu diesem Zeitpunkt wusste sie, dass das Künstlerdasein ihre Lebensaufgabe sein würde, und war sich bewusst, dass es ein schwieriger Weg sein würde, doch sie konnte nicht leugnen, was sie als ihre Bestimmung empfand.

Diese Entschlossenheit führte sie in den 1940er Jahren nach Paris. Ihre Kindheitsschulzeit in Frankreich erleichterte die Eingliederung, und sie fand Freunde unter Schriftstellern und Künstlern der Stadt. Hier stellte sie beim Salon de Réalités Nouvelles aus, einem wechselnden Zusammenschluss abstrakter Künstler. In dieser Zeit in Paris entwickelte Herrera ihren charakteristischen strengen geometrischen Malstil. Sie verwendete in jeder Komposition weniger als drei reine Farben. Stellen Sie sich eine flache und vollkommen gleichmäßige Farbauftragung vor, harte Kanten zwischen Farbtönen, scharfe Formen, die nur durch klare Tonunterschiede getrennt sind. Sie wandte diesen innovativen Ansatz gleichzeitig mit dem Farbfeld-Pionier Ellsworth Kelly und dem bekannten postmalerischen Abstraktionisten Frank Stella an. Ihr avantgardistischer Geist und ihr Gespür für das Ultramoderne sind heute unbestreitbar, auch wenn sie in ihren Jahren als aufstrebende Künstlerin übersehen wurde.

Carmen Herrera – Rot und Weiß, 1976. Epiphanie, 1971. Rotes Quadrat, 1974. Acryl auf Leinwand (von links nach rechts). Ausstellung Lines of Sight im Whitney Museum in New York, 2016. Installationsansicht.

Die Suche nach einer Bühne

Herrera kehrte schließlich nach New York zurück, und ihre Gemälde entwickelten sich zunehmend zu einer minimalistischen Ästhetik. Sie bezeichnete ihren kreativen Prozess als Reinigung, und Einfachheit wurde zur Tugend ihres Schaffens. Ihre Werke erhielten keine überschwänglichen Kritiken, doch lag das nicht einfach daran, dass ihre Kunst „zu steril“ sei. Vielmehr spiegelt die Ablehnung ihrer zukunftsweisenden Sichtweise die größeren gesellschaftlichen Ungerechtigkeiten wider, die sie bis zum Lebensende begleiteten und die bis heute in der Kunstwelt bestehen. Herrera war eine Künstlerin und eine Einwanderin, sie wurde daher ständig übersehen oder als Außenseiterin betrachtet, die nicht das Rampenlicht verdiente, das den angesagten abstrakten expressionistischen Werken westlicher männlicher Künstler vorbehalten war.

Erst 2004 begann Herrera Aufmerksamkeit zu erlangen, als ein bedeutender lateinamerikanischer Sammler sie in eine vielbeachtete Gruppenausstellung in New York aufnahm. Ihr offensichtliches Talent und ihre Weitsicht wurden endlich einem größeren Publikum bekannt, und sie erlebte in den letzten zehn Jahren ihres Lebens erste kommerzielle Erfolge. Herreras späte Entdeckung legte die Mängel der Kunstwelt offen, und die Künstlerin wurde zu einer Inspiration und Wegbereiterin für lateinamerikanische Künstlerinnen, die mit äußerem und innerem Sexismus, Fremdenfeindlichkeit und Rassenvorurteilen kämpfen.

Carmen Herrera – Alle ohne Titel, 1966, außer dem gelben: Ohne Titel, 1962. Ausstellung Lines of Sight im Whitney Museum in New York, 2016. Installationsansicht.

Durchbruch und Rückblick

Carmen Herrera wurde seitdem mit großen Retrospektiven im Museum für Moderne Kunst und im Whitney Museum geehrt. Sie ist auch in bedeutenden ständigen Sammlungen wie dem Tate Museum vertreten. Ihr verspäteter Erfolg bietet ein hoffnungsvolles Ende, sollte jedoch nicht die lebenslangen Hindernisse ausblenden, denen sie sich stellen musste, die viele andere nie erfahren haben. Herreras Lebenswerk ist ein Zeugnis ihres Talents und ihrer Hingabe. Sie hinterlässt uns ein Werk aus eindrucksvollen Leinwänden, faszinierenden Formen und Konturen sowie einer einzigartigen Philosophie über die Beziehung zwischen Linie und Leben. Ihre kreative Arbeit bietet zugleich eine Gelegenheit zur Reflexion darüber, wie wir eine inklusivere und bereichernde Kunstwelt für die Zukunft schaffen können.

Titelbild: Carmen Herrera – Ohne Titel, 1952. Schwarz und Weiß, 1952. (Von links nach rechts). Ausstellung Lines of Sight im Whitney Museum in New York, 2016. Installationsansicht.
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