Carmen Herrera - Ein blühendes, längst Überfälliges

Carmen Herrera (30. Mai 1915 - 12. Februar 2022) war eine kubanisch-amerikanische Künstlerin, die für ihre abstrakten minimalistischen Kompositionen und die geometrische Anwendung von Farbe bekannt ist. Ihr kürzlicher Tod hat viel Rückblick auf ihr Werk und ihre Karriere geworfen. Obwohl sie heute als respektierte und berühmte Abstraktionsmalerin gilt, erhielt Herrera erst in den letzten Jahren ihres Lebens Anerkennung. Es ist daher ein passender Moment, das Erbe der kreativen Pionierin zu erinnern und zu ehren.

Frühe Einflüsse und Ableitungen von Eminenz

Carmen Herrera lebte 106 Jahre lang und in Fülle. Aber stellen Sie sich vor, dass der erste große dokumentierte Kunstverkauf der Künstlerin erst im Alter von 89 Jahren stattfand. Dennoch spiegeln diese Umstände weniger eine Geschichte der späten Selbstentdeckung eines verborgenen künstlerischen Talents wider – vielmehr zeigte Herrera eine lebenslange Hingabe zur Kunst und verfügte über jahrzehntelange Erfahrung und Technik, die sie bereits in ihrer Kindheit entwickelte. Geboren in Havanna, Kuba, lernte Herrera in jungen Jahren die Grundlagen des Zeichnens und nahm ab dem achten Lebensjahr privaten Kunstunterricht. Sie war eines von sieben Geschwistern, und ihre Eltern waren beide Journalisten; Herrera war somit oft von Mitgliedern der intellektuellen sozialen Gruppen Havannas umgeben. Sie bemerkte, dass ihre Eltern immer eher anti-establishment waren, und sie erlebte sogar die Inhaftierung zahlreicher Verwandter wegen ihrer Dissidenz. Von extremen politischen Ansichten abgestoßen, setzte Herrera ihr Kunststudium während ihrer Jugend in Kuba fort, trainierte im akademischen Zeichnen und ging mit einer engagierten Disziplin an ihre Arbeit heran. In dem Wunsch, ihre kreative Praxis weiter zu verfolgen, reiste sie nach Paris, um ihre Ausbildung abzuschließen, und kehrte anschließend nach Havanna zurück, um an der Universität Architektur zu studieren.

Ihre Entscheidung, ohne Zögern in ein von Männern dominiertes Gebiet einzutreten, war nur eines der vielen frühen Anzeichen für ihren Entschluss und ihre Ablehnung des Status quo. Gleichzeitig hatte sie jedoch Schwierigkeiten, sich auf ihre Arbeit zu konzentrieren, hauptsächlich aufgrund des volatilen politischen Umfelds, das sie umgab. Revolutionen und Streiks zwangen ihre Universität oft, für längere Zeit die Türen zu schließen, was ihre Haltung gegen die Auswirkungen des politischen Extremismus verstärkte. In dieser Zeit begann Herrera auch, sich für die Linie zu begeistern, fast so, als würde sie ihr Architekturstudium auf dessen grundlegendste und reinste Essenz vereinfachen. Sie erkannte, dass Linien die Grundlage für alle bestehenden Formen und Gestalten waren, und Herrera verliebte sich in die inhärente Schönheit ihrer Kraft zu konstruieren, zu verbinden und zu definieren.

Carmen Herrera - Mittwoch, 1978. Dienstag, 1978. Sonntag, 1978. Freitag, 1978. Donnerstag, 1975. Acryl auf Leinwand (Von links nach rechts). Lines of Sight Ausstellung im Whitney Museum in New York, 2016. Installationsansicht.

Konzeptionelle Migrationen

Die Künstlerin hat ihr Architekturstudium nie abgeschlossen. 1939 zog sie nach New York City, nachdem sie Jesse Lowenthal, einen jungen amerikanischen Lehrer, getroffen hatte. Aus vielleicht einer Vielzahl von Gründen (politische Spannungen, der Drang, ihre Leidenschaft für die bildenden Künste weiter zu verfolgen, und das Aufblühen junger Liebe, um nur einige zu nennen) entschied sie, dass es am besten sei, ihr Leben und ihre Karriere zu verlagern. In New York nutzte Herrera jede Möglichkeit in der Stadt, um ihre Arbeiten auszustellen: Schaufenster, Bürgersteige, improvisierte Galerien. Sie war bei weitem kein kommerzieller Erfolg, ließ sich jedoch nicht entmutigen. Zu diesem Zeitpunkt wusste sie, dass es ihre Lebensmission sein würde, Künstlerin zu sein, und sie war sich bewusst, dass es ein von Natur aus schwieriges Leben war, aber sie konnte nicht leugnen, was sie als ihren Zweck empfand.

Diese Entschlossenheit führte sie in den 1940er Jahren nach Paris. Ihre schulische Ausbildung in Frankreich erleichterte die Integration, und sie freundete sich mit Schriftstellern und Künstlern in der Stadt an. Hier stellte sie mit dem Salon de Réalités Nouvelles aus, einem sich ständig verändernden Kollektiv abstrakter Künstler. In dieser Zeit in Paris entwickelte Herrera ihren charakteristischen, strengen geometrischen Malstil. Zu diesem Zeitpunkt verwendete sie weniger als drei reine Farben in jeder Komposition. Stellen Sie sich eine flache und perfekt gleichmäßige Anwendung von Farben vor, harte, kantige Gegenüberstellungen von Farbtönen, scharfe Formen, die nur durch klare Unterschiede in den Tönen getrennt sind. Sie wandte diesen innovativen Ansatz zur gleichen Zeit an wie den Pionier des Farbflächenmalens Ellsworth Kelly und den renommierten postmalerischen Abstraktionisten Frank Stella. Ihr avantgardistischer Geist und ihr Instinkt für das Ultra-Moderene sind jetzt unbestreitbar, auch wenn sie während ihrer Jahre als aufstrebende Künstlerin ignoriert wurden.

Carmen Herrera - Rot und Weiß, 1976. Epiphanie, 1971. Rotes Quadrat, 1974. Acryl auf Leinwand (Von links nach rechts). Lines of Sight Ausstellung im Whitney Museum in New York, 2016. Installationsansicht.

Die Schmiedung für eine Plattform

Herrera kehrte schließlich nach New York zurück, und ihre Gemälde wandten sich zunehmend einer minimalistischen Ästhetik zu. Sie bezeichnete ihren kreativen Prozess als Reinigung, und Einfachheit wurde zu einer Tugend ihres Schaffens. Ihre Arbeiten erhielten keine begeisterten Kritiken, aber es war nicht der einfache Faktor, dass ihre Kunst "zu steril" sei. Vielmehr spricht die Abwertung ihres zukunftsorientierten Standpunkts für die größeren gesellschaftlichen Ungerechtigkeiten, die sie bis zum Ende ihres Lebens betrafen und die Ungleichheiten hervorheben, die bis heute in der Kunstwelt bestehen. Herrera war eine Künstlerinn und eine Einwanderin, sie wurde daher ständig vernachlässigt oder als Außenseiterin betrachtet, die das Rampenlicht, das den angesagten abstrakten expressionistischen Werken westlicher männlicher Künstler vorbehalten war, nicht verdiente.

Herrera begann schließlich Aufmerksamkeit zu erlangen, als 2004 ein prominenter lateinamerikanischer Sammler sie in eine öffentlichkeitswirksame Gruppenausstellung in New York City einlud. Ihr offensichtliches Talent und ihre Weitsicht wurden endlich von einem größeren Publikum anerkannt, und sie erlebte schließlich die Anfänge des kommerziellen Erfolgs in den letzten zehn Jahren ihres Lebens. Herreras verspätete Entdeckung offenbarte die Mängel der Kunstwelt, und die Künstlerin ist zu einer Inspiration und Code-Brecherin für Latina-Künstlerinnen geworden, die sowohl mit externem als auch mit internalisiertem Sexismus, Xenophobie und Rassenvorurteilen konfrontiert sind.

Carmen Hererra - Alle Untitled, 1966, außer dem gelben: Untitled, 1962. Lines of Sight Ausstellung im Whitney Museum in New York, 2016. Installationsansicht.

Durchbruch und Reflexion

Carmen Herrera wurde seitdem mit bedeutenden Retrospektiven im Museum of Modern Art und im Whitney Museum geehrt. Sie ist auch in bedeutenden ständigen Sammlungen wie im Tate Museum vertreten. Ihr verzögerter Erfolg bietet ein optimistisches Ende, sollte jedoch die lebenslangen Hindernisse, denen sie gegenüberstand und die viele andere nie hatten, nicht auslöschen. Herreras Lebenswerk ist ein Zeugnis ihres Talents und ihrer Hingabe. Sie hat uns mit einem Werk von auffälligen Leinwänden, faszinierenden Formen und Konturen sowie einer einzigartigen Philosophie über die Beziehung zwischen Linie und Leben hinterlassen. Ihre kreative Praxis dient gleichermaßen als Gelegenheit zur Reflexion darüber, wie wir eine inklusivere und bereichernde Kunstwelt für die Zukunft schaffen können.

Titelbild: Carmen Hererra - Untitled, 1952. Schwarz und Weiß, 1952. (Von links nach rechts). Lines of Sight Ausstellung im Whitney Museum in New York, 2016. Installationsansicht.
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