Zeitgenössische abstrakte Künstler, die man im Auge behalten sollte - Teil II

Letzte Woche haben wir Ihnen Porträts von zehn zeitgenössischen abstrakten Künstlern vorgestellt, die uns bei der Teilnahme an Kunstmessen, Biennalen, Galerieeröffnungen, Museumsausstellungen und Auktionen kürzlich aufgefallen sind. Im Anschluss an diesen Beitrag präsentieren wir Ihnen heute Porträts von neun weiteren Stimmen der zeitgenössischen abstrakten Kunst, die unserer Meinung nach Ihre Aufmerksamkeit verdienen.

Angela Glajcar

Das bevorzugte Material dieser Künstlerin ist Papier, mit dem sie sowohl als Oberfläche als auch als Substanz arbeitet. Geboren in Mainz, Deutschland, schafft Glajcar Objekte verschiedener Größen und Maßstäbe aus Papier, indem sie es schichtet, hineinschneidet und manchmal skulptural oder als Mittelpunkt einer großflächigen öffentlichen Installation verwendet. Sie erschafft mehrdimensionale Werke, die scheinbar sowohl die zarte Natur des Papiers erforschen als auch ihr trotzen. Es sind schöne Objekte, kunstvoll gefertigt, die gleichzeitig Stärke und Zerbrechlichkeit zeigen und vertraute Paradoxien unserer Menschlichkeit und unserer Zeit ansprechen.

 

Angela Glajcar - Terforation #030, 2015, Papier und Metall, 29,8 × 21 × 21 cm, Foto: Diana Lowenstein Galerie, Miami

 

Diego Pujal

Die Arbeit dieses in Argentinien geborenen abstrakten Malers vollbringt zwei Leistungen zugleich: Sie ist sowohl hoch technisch als auch instinktiv. Pujals Prozess beginnt mit dem Zeichnen, während er nach einer kommunikativen Form sucht, die er ausdrücken möchte. Sobald eine passende Form entsteht, bringt er sie auf die Leinwand und malt alles von Hand in einem Prozess, der ihm erlaubt, intuitiv nach den Farben und Tönen zu suchen, mit denen er den Charakter und das Wesen der Form am besten ausdrücken kann. Obwohl seine Gemälde absichtlich eine hohe Flächigkeit besitzen, erzeugen der gefühlsbetonte Charakter seiner Formen und die grafische Qualität seiner Arbeit eine Tiefe und Räumlichkeit, die die Formen in seinen Bildern sofort lebendig werden lassen.

 

Diego Pujal - Yot, 2015, Acryl auf Leinwand, 190 x 300 cm, © Diego Pujal

 

Jorinde Voigt

Die Arbeit dieser deutschen Künstlerin verwendet eine eindrucksvolle Bildsprache, die sowohl Problemlösung als auch gelassene Akzeptanz ausdrückt. Ihre Zeichen, Gesten, Linien, Formen und sogar ihre Oberflächen wirken inspiriert von oder vielleicht durchdrungen von einer Art rasender kultureller Rechenkunst, die sie entweder zerstören oder entwirren möchte. Wie eine meta-psycho-sozio-physische Kartografin verbindet Voigt urtümliche Essenzen von Sinnlichkeit, Gefühl und Laune mit modernen Anklängen an Datenernte, Codeknacken und Indexierung. Ihre Bildsprache spricht grundlegende menschliche Ängste an und findet ein Gleichgewicht zwischen unbeantwortbaren oder vielleicht unstellbaren Fragen.

 

Jorinde Voigt - Too much happened over the weekend, 2015, Tinte, Federn, Ölkreiden, Pastell, Bleistift auf Karton, 182,5 x 252 cm, © Jorinde Voigt

 

Philippe Decrauzat

Dieser Schweizer Künstler arbeitet, oder vielleicht spielt, im Raum zwischen Bild und Kultur. Seine Werke könnten rein als Gegenstände geschätzt werden, als Bilder ohne kulturelle Bedeutung. Andererseits könnten sie als komplexe Verweise auf Kunstgeschichte, Kunstmarkt und die Art und Weise, wie die zeitgenössische Kultur ästhetischen Raum navigiert, gesehen werden. Decrauzat sagt oft, dass er den „Status des Bildes“ untersucht. Wie seine Op-Art-Vorgänger schafft er Werke, die die Betrachter aus dem Gleichgewicht bringen und sie in einen räumlichen Bereich ziehen, der keinen offensichtlichen Sinn hat, wie Alice, die in den Kaninchenbau fällt. Seine Arbeit stellt zeitgenössische Einstellungen zur Macht abstrakter Bilder, die Gedanken der Betrachter zu beeinflussen, in Frage.

 

Philippe Decrauzat - Flag, 2015, Acryl auf Leinwand, 151 × 143 cm, Foto: Parra & Romero, Madrid

 

Jaime Gili

Die Arbeit des venezolanischen Künstlers Jaime Gili besitzt einen unheilvollen Optimismus. Seine Zeichen und Gesten rufen Bezüge zu utopischen modernistischen Bewegungen wie Futurismus und Rayonismus hervor. Doch sie scheinen auch einen Sinn für Verfall und Wiedergeburt zu enthalten. Die mechanische Energie der Bilder scheint etwas anderes zu überwältigen, das mit ihnen lauert, etwas Organisches und Ruhiges. Gilis Bilder erinnern an gescheiterte frühere Versuche des Idealismus und deuten auf eine unheimlich ähnliche Zukunft hin. Die Geschwindigkeit und Leidenschaft, mit der sie gemalt sind, zusammen mit ihrer auffälligen Schönheit, verstärken die Angst, die sie als Vorboten einer Rückkehr zu einer alten Zukunft einfangen.

 

Jaime Gili - A163 (Tulse Hill Superstar), 2007-2014, Acryl auf Leinwand, 210 × 225 cm, Foto: Mana Contemporary

 

Ignacio Uriarte

Wer mit der ästhetischen Ikonografie eines Verwaltungsbüros vertraut ist, könnte auf die Arbeit von Ignacio Uriarte mit Abscheu reagieren. Der ehemalige Betriebswirt beschränkt seine künstlerische Praxis auf Materialien, die in seinem früheren Berufsleben üblich waren. In seinen Worten strebt dieser zeitgenössische Konzeptkünstler danach, „in meiner eigenen persönlichen ‚kleinbürgerlichen‘ Wirklichkeit zu bleiben, um sie von innen heraus zu bearbeiten.“ Seine Bilder überschreiten die Grenzen ihrer konzeptuellen Wurzeln und artikulieren einfach und tiefgründig das, was das Wesen von Uriartes Untersuchungen sein könnte: ein dynamischer Kampf, sich von Erwartungen und Begrenzungen zu befreien.

 

Ignacio Uriarte - Sloppy crosses, 2010, Pigmentierte Tinte auf kariertem Papier, 35,8 x 48,8 cm, © Ignacio Uriarte

 

Phil Chang

Der in Los Angeles ansässige Künstler Phil Chang ist nicht gerade ein Fotograf, doch er arbeitet im Bereich der Fotografie. Er verwendet manchmal Fotopapier, Fotochemikalien und fotografische Verfahren. Sein Ansatz ist jedoch konzeptuell und untersucht die vielschichtigen Bedeutungen, die seinem Prozess innewohnen. So zeigte Chang kürzlich eine Auswahl von Fotografien, die auf abgelaufenem, nicht fixiertem Fotopapier gedruckt wurden. Da die Bilder nicht mit Fotochemikalien behandelt wurden, begannen sie im Licht des Ausstellungsraums, sich allmählich in erdtonige Monochrome zu verwandeln. Da das Papier alt war, war der Prozess langsam genug, um von den Besuchern der Ausstellung erlebt zu werden.

 

Phil Chang - Monochrome Exposed, 2012, Unfixierter Silbergelatineabzug, © Phil Chang

 

Riccardo Baruzzi

Eines der Untersuchungsgebiete des italienischen Künstlers Riccardo Baruzzi ist das „Gemälde als Gegenstand“. Das bedeutet, dass er die verschiedenen Arten erforscht, wie ein Gemälde wahrgenommen werden kann. Eine Funktion eines Gemäldes könnte sein, als konzeptueller Bereich zu dienen, in dem Anliegen außerhalb des Gemäldes behandelt werden. Die andere Funktion könnte sein, ein einfaches materielles Objekt zu sein, das nur auf sich selbst verweist. Baruzzi schwankt zwischen gegenständlichen und abstrakten Werken und konzentriert sich auf intuitive, reduzierte Gesten. Seine Leinwände sind manchmal durchsichtig, was Voyeurismus nahelegt oder vielleicht Anspielungen auf einen Blick hinter den Vorhang einlädt.

 

Riccardo Baruzzi - Porta pittura dei riccioli, 2015, Gemischte Techniken auf Leinwand, 50 x 40 cm, © Riccardo Baruzzi

 

Laura Miranda

Diese brasilianische abstrakte Künstlerin untersucht die Beziehung zwischen menschlicher Kultur und Natur. Mit einem poetischen Vorgehen konzentriert sie sich auf die Art und Weise, wie Menschen sich entweder mit Stoff, mit der Natur oder mit räumlicher Struktur bekleiden. Sie benutzt ihren Körper, um Spuren auf Materialien wie Reispapier oder Zeichenpapier zu hinterlassen. Sie bearbeitet Papier und Stoff mit Farbstoffen und Faltungen. Sie hat sogar Latexformen von Innenräumen hergestellt, die Eindrücke von Umgebungen schaffen, die frühere menschliche Bewohner schützten. Miranda fertigt auch tatsächliche Kleidungsstücke an, wenn auch untragbar und zerbrechlich, was die Frage nach dem Zweck von Kleidung und der Beziehung, die wir zum Bedecken, Schützen und Präsentieren unserer Körper und uns selbst haben, aufwirft.

 

Laura Miranda - Ausstellungsansicht aus der Dan Gallery, São Paulo, Brasilien, © Laura Miranda

 

die zehn, die wir Ihnen letzte Woche vorgestellt haben, spannende und relevante Werke, die Grenzen verschieben und Erwartungen herausfordern. Wenn Sie die Gelegenheit haben, eine Ausstellung eines dieser Künstler persönlich zu sehen, hoffen wir, dass Sie sie wahrnehmen!

 

Titelbild:Diego Pujal - Yot, 2015, Acryl auf Leinwand, 190 x 300 cm, © Diego Pujal
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung