Geometrische und Vanguard-Kunst von David Bomberg
Begeisterung ist eine lebenswichtige Substanz in der Kunst. Faszinierende Werke sind etwas, wonach sich jeder Betrachter, Sammler, Galerist und Kurator sehnt. Während einige seltene Kunstwerke von Natur aus ihre eigene Spannung besitzen, entspringt Begeisterung meist den Künstlern selbst. Etwas in ihnen – ihre Leidenschaft, ihre Neugier – manifestiert sich einfach im Werk. David Bomberg war vielleicht der begeisterungsfähigste Künstler, der im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts aus Großbritannien hervorging. Seine Experimente mit Form und Komposition waren so fortschrittlich, dass sie zu seinem Ausschluss von der renommierten Slade School of Art in London führten. Doch trotz dieser Zurückweisung blühte Bomberg auf, bewies sich als explosiv kreativ, als versierter Zeichner und als begeisterter Suchender nach neuen Ideen. Die kühnen, modernistischen Bilder, die er in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg schuf, bieten einen einzigartigen Einblick in die ungezügelte Begeisterung und Energie jener optimistischen Zeit.
Wer ist David Bomberg?
Eine tragische Ironie verfolgt viele große Künstler. Um auf dem Kunstmarkt erfolgreich zu sein, muss man interessante, verkäufliche Werke schaffen, und um interessante, verkäufliche Werke zu schaffen, muss man kreativ, offen und eigenständig sein; aber nicht zu kreativ, offen und eigenständig. Künstler, die der intellektuellen Gemeinschaft zu weit voraus sind, werden oft verspottet. Wie es heißt: „Pioniere werden abgeschlachtet, Siedler werden reich.“ Die Verkaufsfähigkeit wird auch gefördert, wenn ein Künstler mit einer größeren Bewegung verbunden ist, die Kunstverkäufer und -käufer einordnen und verstehen können. Die Ironie liegt darin, dass wirklich kreative, aufgeschlossene Individualisten es oft als unerträglich empfinden, sich mit Bewegungen zu identifizieren, die festgelegte Ziele oder strenge ästhetische Ideale haben. Sie empfinden Manifeste als einschränkend. Sie möchten ihre Möglichkeiten offenhalten. So kommt es, dass viele brillante Kreative aus den Geschichtsbüchern ausgeschlossen werden und in Armut sterben, nur weil sie unbeirrbar sich selbst treu blieben und bis zum Ende experimentell blieben, um ihre eigene Neugier und Begeisterung zu nähren.
Bomberg war ein solcher Künstler. Wenn man sich mit dem Vorticismus beschäftigt, fällt einem zuerst auf, dass der Gründer der Bewegung Wyndham Lewis war, einer der bedeutendsten Namen der englischen Kunst und Literatur des 20. Jahrhunderts. Doch dann sieht man, dass das berühmteste, ikonischste Bild der Bewegung, The Mud Bath, von David Bomberg gemalt wurde. Bomberg trat den Vorticisten nie bei. Er experimentierte mit einigen der gleichen ästhetischen Konzepte und schuf einige Gemälde, die im gleichen visuellen Bereich liegen, doch Bombergs Interessen waren weit umfassender als die begrenzten Anliegen der Vorticisten. Wyndham Lewis hingegen genoss lebenslange Berühmtheit, fast ausschließlich aufgrund des Schwungs, den er durch die Gründung des Vorticismus erhielt. Bomberg, der nicht-vorticistische Maler des besten Vorticismus-Gemäldes, starb in Vergessenheit und mittellos.
Wesentliche reine Form
Was Bombergs Werk mit dem Vorticismus gemeinsam hatte, lag im Formalismus begründet. Die Ästhetik des Vorticismus entlehnte sich zwei anderen bestehenden modernistischen Stilrichtungen. Sie verband die abstrakten geometrischen Formen des Kubismus mit den harten Linien und grellen Farben des italienischen Futurismus. Das Konzept der Bewegung war, Bewegung und Modernität auszudrücken. Bombergs Interessen bezogen sich ebenfalls zunächst auf die Stadt und Maschinen, doch seine Verwendung von vorticismusähnlichen Bildern war zufällig. Er war nicht so sehr darauf fokussiert, ein bestimmtes Aussehen zu erreichen, sondern das richtige Gefühl. Wie er es ausdrückte, war sein Wunsch, „das Leben einer großen Stadt, ihre Bewegung, ihre Maschinen in eine Kunst zu übersetzen, die nicht fotografisch, sondern ausdrucksstark ist.“
Die von ihm geschaffene Bildsprache basierte auf der Reduktion der Form. Er war der Ansicht, dass der beste Weg, die Natur seiner Motive auszudrücken, darin bestand, sie auf ihre grundlegendsten Zustände zu vereinfachen. Auf diese Weise hoffte er, etwas Wesentliches über ihr Wesen zu offenbaren. Bombergs Gemälde Vision of Ezekial, gemalt 1912, erreichte das Gleichgewicht, das er suchte, zwischen abstrakter Formreduktion, figurativer Lebendigkeit und ausdrucksstarker Emotion. Es verband sein Interesse an stark vereinfachten Bildern mit den Legenden seines jüdischen Familienerbes und schuf so eine mythische und modernistische ästhetische Vision, die einzigartig ihm gehörte.
Ein intensiverer Ausdruck
Nicht zufrieden damit, die Formreduktion bis an ihre Grenzen getrieben zu haben, setzte Bomberg seine Experimente fort. Einer seiner frühen Lehrer, ein Künstler namens Walter Sickert, hatte Bomberg die Bedeutung vermittelt, die „groben materiellen Tatsachen“ seines Motivs zu malen. Dieser Ansatz hatte Bomberg bei der Entwicklung seiner beeindruckenden zeichnerischen Fähigkeiten unterstützt. Doch er hielt ihn von seinem Interesse an Subjektivität ab. Statt einfach nur präzise Merkmale seiner Motive zu zeigen, hielt er es für ebenso wichtig, seine persönliche Reaktion auszudrücken.
In einer Reihe von Figurenkompositionen, die er 1914 ausstellte, eliminierte Bomberg absichtlich alle „groben materiellen Tatsachen“. In der Künstlererklärung zu dieser Ausstellung schrieb er: „Ich appelliere an das Formgefühl... Ich gebe Naturalismus und Tradition vollständig auf. Ich suche einen intensiveren Ausdruck... wo ich naturalistische Form verwende, habe ich sie von allem Unwesentlichen befreit. Ich betrachte die Natur, während ich in einer Stahlstadt lebe. Wo Dekoration vorkommt, ist sie zufällig. Mein Ziel ist der Aufbau reiner Form. Ich lehne alles in der Malerei ab, was keine reine Form ist.“
Eine Revolution hin zur Masse
Aufbauend auf seinem Fokus auf reine Form tauchte Bomberg tiefer in die Abstraktion ein. In seinem Gemälde mit dem Titel Procession reduziert er eine Reihe menschlicher Figuren auf so wesentliche Formen, dass das Bild fast zu einer vollständigen geometrischen Abstraktion wird. Die Formen nehmen expressive Qualitäten an, die an eine Reihe von Assoziationen erinnern, von Hochhäusern bis zu Särgen.
Bomberg entwickelte sich weiter und wandte sich einer Reihe von Gemälden zu, die an zerbrochene und wieder zusammengesetzte Glasfenster erinnern. In the Hold und Ju-Jitsu zeigen Bildebenen, die in ein rautenförmiges Gitter unterteilt sind. Anstatt eine Komposition aus reduzierten Formen zu schaffen, verwendet Bomberg das Gitter und die Oberfläche selbst als Form. Die resultierenden Bilder ähneln in ihrer Fähigkeit, das Auge zu täuschen und den Betrachter in illusionistischen Raum zu ziehen, der Op Art. Anders als seine früheren Werke entsteht ihr Massegefühl durch einen Ausdruck von Gefühl, der vollständig durch formale, nicht-gegenständliche Mittel erreicht wird.
Der Geist in der Masse
Beim Ausbruch des Ersten Weltkriegs wurde Bomberg zum Dienst eingezogen. Seine Erfahrungen in der Infanterie, das Beobachten, wie seine Kollegen, Unterstützer und Familienmitglieder von mechanisierten Waffen zerrissen wurden, zerstörten seine Faszination für das Maschinenzeitalter. Nach Kriegsende nahm er das Malen wieder auf, wandte jedoch eine weit organischere, malerischere Technik an. Seine neue Richtung führte dazu, dass er von der Kunstwelt seiner Zeit völlig ignoriert und vergessen wurde.
Bomberg kämpfte finanziell während des restlichen Berufslebens, reiste viel und hörte nie auf zu malen. Er experimentierte weiterhin mit den taktilen Qualitäten der Farbe und konzentrierte sich auf das kraftvolle emotionale Potenzial von Struktur und Pinselstrich. Ob er Abstraktionen, Landschaften oder figürliche Werke malte, er blieb der Verfolgung dessen treu, was er „den Geist in der Masse“ nannte. Er wusste, dass durch Variationen in der Dicke und dem Strich der Farbe sowie durch aufgeschlossene Erforschung der wesentlichsten Form eines Motivs der wahrhaftigste Ausdruck eines Motivs vermittelt werden kann. Trotz Ablehnung und kommerziellem Misserfolg ermöglichte ihm seine unermüdliche Begeisterung für die Malerei die seltene Gabe, die wesentliche Qualität der Dinge zu erfassen und für jene von uns zu übersetzen, die sie sonst vielleicht nicht sehen könnten.
Abgebildetes Bild: David Bomberg - Procession, 1912-1914, Öl auf Papier auf Holzplatte, 28,9 x 68,8 cm, The Ashmolean Museum of Art and Archaeology, © The Estate of David Bomberg
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
