Geometrische und Vanguard-Kunst von David Bomberg

Enthusiasmus ist eine wesentliche Substanz in der Kunst. Aufregende Arbeiten sind etwas, wonach jeder Betrachter, Sammler, Galerist und Kurator verlangt. Während einige seltene Kunstwerke von Natur aus ihre eigene Aufregung besitzen, stammt der Enthusiasmus meist von den Künstlern. Etwas in ihnen – ihre Leidenschaft, ihre Neugier – manifestiert sich einfach in der Arbeit. David Bomberg war vielleicht der enthusiastischste Künstler, der im ersten Viertel des 20.^ten Jahrhunderts aus Großbritannien hervorging. Seine Experimente mit Form und Komposition waren so avantgardistisch, dass sie zu seiner Exmatrikulation von der renommierten Slade School of Art in London führten. Doch trotz dieser Zurückweisung ließ sich Bomberg nicht entmutigen, sondern blühte auf und bewies sich als explosiv kreativ, als versierter Zeichner und als begeisterter Sucher nach neuen Ideen. Die kühnen, modernistischen Bilder, die er in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg schuf, bieten einen einzigartigen Einblick in die ungezügelte Aufregung und Energie dieser optimistischen Zeit.

Wer ist David Bomberg?

Eine tragische Ironie plagt viele große Künstler. Um auf dem Kunstmarkt erfolgreich zu sein, muss man interessante, verkäufliche Werke schaffen, und um interessante, verkäufliche Werke zu schaffen, muss man kreativ, offen und individualistisch sein; aber nicht zu kreativ, offen und individualistisch. Künstler, die der intellektuellen Masse zu weit voraus sind, werden oft verspottet. Wie das Sprichwort sagt: „Pioniere werden geschlachtet, Siedler werden reich.“ Die Verkaufsfähigkeit wird auch unterstützt, wenn ein Künstler mit einer größeren Bewegung assoziiert wird, die Kunstverkäufer und -käufer kontextualisieren und verstehen können. Die Ironie liegt in der Tatsache, dass wirklich kreative, aufgeschlossene Individualisten es oft als unerträglich empfinden, sich mit Bewegungen zu identifizieren, die definierte Ziele oder strenge ästhetische Ideale haben. Sie empfinden Manifeste als einschränkend. Sie halten es vorgezogen, ihre Optionen offen zu halten. So kommt es, dass viele brillante Kreative aus den Geschichtsbüchern ausgeschlossen werden und in Armut sterben, nur weil sie sich unerschütterlich treu geblieben sind und bis zum Ende experimentell geblieben sind, um ihre eigene Neugier und Begeisterung zu stillen.

Bomberg war ein solcher Künstler. Wenn Sie Vorticismus recherchieren, ist das Erste, was Ihnen auffallen könnte, dass der Gründer der Bewegung Wyndham Lewis war, einer der prominentesten Namen in der englischen Kunst und Literatur des 20. Jahrhunderts. Aber dann werden Sie sehen, dass das berühmteste, ikonische Bild der Bewegung, The Mud Bath, von David Bomberg gemalt wurde. Bomberg trat nie den Vorticisten bei. Er experimentierte mit einigen der gleichen ästhetischen Konzepte und schuf einige Gemälde, die in derselben visuellen Richtung zu sein scheinen, aber Bombergs Interessen waren weit umfassender als die begrenzten Anliegen der Vorticisten. Wyndham Lewis hingegen genoss einen lebenslangen Ruhm, fast ausschließlich aufgrund des Schwungs, den er durch die Gründung des Vorticismus erlangte. Bomberg, der nicht-Vorticist Maler des besten Gemäldes des Vorticismus, starb in der Obskurität, mittellos. 

Essentielle Reinform

Was Bombergs Werk mit dem Vortizismus gemeinsam hatte, war im Formalismus verwurzelt. Die Ästhetik des Vortizismus entlehnte sich zwei anderen bestehenden modernistischen Stilen. Sie verband den Kubismus’s abstrakte geometrische Formen mit den harten Linien und grellen Farben des italienischen Futurismus. Das Konzept hinter der Bewegung war es, Bewegung und Modernität auszudrücken. Bombergs Interessen waren zunächst ebenfalls mit der Stadt und Maschinen verbunden, aber seine Verwendung von vortisistischer Bildsprache war zufällig. Er war nicht so sehr darauf fokussiert, einen bestimmten Look zu erreichen, sondern vielmehr das richtige Gefühl zu vermitteln. Wie er es ausdrückte, war sein Wunsch, „das Leben einer großen Stadt, ihre Bewegung, ihre Maschinen in eine Kunst zu übersetzen, die nicht fotografisch, sondern expressiv sein soll.“

Die visuelle Sprache, die er schuf, basierte auf der Reduktion von Formen. Er war der Meinung, dass der beste Weg, die Natur seiner Motive auszudrücken, darin bestand, sie auf ihre grundlegendsten Zustände zu vereinfachen. Auf diese Weise hoffte er, etwas Wesentliches über ihr Wesen zu offenbaren. Bombergs Gemälde Vision des Ezechiel, das 1912 gemalt wurde, erreichte das Gleichgewicht, das er suchte, zwischen abstrakter Reduktion von Form, figürlicher Vitalität und expressiver Emotion. Es verband sein Interesse an stark vereinfachten Bildern mit den Legenden seines jüdischen Familienerbes und schuf sowohl eine mythische als auch eine modernistische ästhetische Vision, die einzigartig seine eigene war. 

Ein intensiverer Ausdruck

Nicht zufrieden damit, dass er die Reduktion der Formen bis an ihre Grenzen getrieben hatte, experimentierte Bomberg weiter. Einer seiner frühen Lehrer, ein Künstler namens Walter Sickert, hatte Bomberg die Bedeutung vermittelt, die "groben materiellen Fakten" seines Themas zu malen. Dieser Ansatz hatte Bomberg bei der Entwicklung seiner beeindruckenden repräsentativen Zeichenskills geholfen. Aber er hielt ihn von seinem Interesse an Subjektivität ab. Anstatt einfach nur zu versuchen, die genauen Merkmale seiner Motive zu zeigen, fühlte er, dass es ebenso wichtig war, seine persönliche Reaktion auszudrücken.

In einer Reihe von Figurenkompositionen, die er 1914 ausstellte, schloss Bomberg absichtlich alle „groben materiellen Fakten“ aus. In der Künstlererklärung, die die Ausstellung begleitete, schrieb er: „Ich appelliere an das Gefühl für Form… Ich verlasse mich vollständig auf den Naturalismus und die Tradition. Ich suche nach einem intensiveren Ausdruck… wo ich naturalistische Form verwende, habe ich sie von allem Irrelevanten befreit. Ich betrachte die Natur, während ich in einer Stahlstadt lebe. Wo Dekoration geschieht, ist sie zufällig. Mein Ziel ist der Bau reiner Form. Ich lehne alles in der Malerei ab, was nicht reine Form ist.“ 

Eine Revolution zur Masse

In der Vertiefung seines Fokus auf reine Form tauchte Bomberg tiefer in die Abstraktion ein. In seinem Gemälde mit dem Titel Prozession reduziert er eine Reihe menschlicher Figuren auf so wesentliche Formen, dass das Bild fast zu einer vollständigen geometrischen Abstraktion wird. Die Formen nehmen expressive Qualitäten an, die eine Reihe von Assoziationen hervorrufen, von Hochhäusern bis zu Särgen. 

Bomberg entwickelte sich weiter und divergierte in eine Reihe von Gemälden, die zerbrochenen und dann wieder zusammengesetzten Buntglasfenstern ähneln. In the Hold und Ju-Jitsu zeigen Bildflächen, die in ein rautenförmiges Gitter unterteilt sind. Anstatt eine Komposition aus reduzierten Formen zu schaffen, verwendet Bomberg das Gitter und die Oberfläche selbst als Form. Die resultierenden Bilder ähneln Op Art in ihrer Fähigkeit, das Auge zu täuschen und den Betrachter in illusionistische Räume zu ziehen. Im Gegensatz zu seinen früheren Arbeiten stammt ihr Gefühl von Masse aus einem Ausdruck von Empfindungen, der vollständig durch formale, nicht-repräsentationalen Mittel erreicht wird.  

Der Geist in der Messe

Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs wurde Bomberg zum Dienst eingezogen. Seine Erfahrungen in der Infanterie, das Zuschauen, wie seine Kollegen, Unterstützer und Familienmitglieder von mechanischen Waffen zerfetzt wurden, zerstörten seine Faszination für das Maschinenzeitalter. Als der Krieg endete, nahm er das Malen wieder auf, wandte sich jedoch einer viel organischeren, malerischen Technik zu. Seine neue Richtung führte dazu, dass er von der Kunstwelt seiner Zeit völlig ignoriert und vergessen wurde. 

Bomberg hatte während des restlichen Teils seiner Karriere finanzielle Schwierigkeiten, reiste jedoch ausgiebig und hörte nie auf zu malen. Er experimentierte weiterhin mit den taktilen Qualitäten der Farbe und konzentrierte sich auf das kraftvolle emotionale Potenzial von Textur und Pinselstrich. Ob er Abstraktionen, Landschaften oder figürliche Werke malte, er blieb der Verfolgung dessen, was er „den Geist in der Masse“ nannte, treu. Er wusste, dass durch Variationen in der Dicke und dem Strich der Farbe sowie durch eine aufgeschlossene Erkundung der wesentlichsten Form eines Themas der wahrhaftigste Ausdruck eines Themas vermittelt werden konnte. Trotz Ablehnung und kommerzieller Niederlagen erlaubte ihm seine unermüdliche Begeisterung für die Malerei das seltene Geschenk, sich mit der wesentlichen Qualität der Dinge zu verbinden und sie für diejenigen von uns zu übersetzen, die sonst vielleicht nicht in der Lage wären, sie zu sehen.

Vorschaubild: David Bomberg - Prozession, 1912-1914, Öl auf Papier auf Holzplatte, 28,9 x 68,8 cm, Ashmolean Museum für Kunst und Archäologie, © Der Nachlass von David Bomberg
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio