Wie Aaron Siskind Abstraktion auf den Straßen fand

Aaron Siskind war einer der einflussreichsten Fotografen seiner Generation. Dieser Einfluss zeigte sich unter anderem durch die verschiedenen Lehrtätigkeiten, die Siskind an einigen der angesehensten Designschulen der Vereinigten Staaten innehatte, darunter das Black Mountain College, das Chicago Institute of Design (auch bekannt als das Neue Bauhaus) und die Rhode Island School of Design. Doch schon bevor er sich ganz dem Unterrichten widmete, hatte sich Siskind als Pionier der abstrakten Fotografie etabliert. Aufbauend auf den experimentellen Fotografen wie Paul Strand, Alvin Langdon Coburn und Jaroslav Rössler, veränderte Siskind die Vorstellung davon, was das Medium Fotografie leisten kann. Anstatt nur die objektive Welt zu dokumentieren, nutzte er das Medium, um das innere Selbst auszudrücken und das einzufangen, was er als „das Drama der Dinge“ bezeichnete.

Formen der Wirklichkeit

Aaron Siskind hatte geplant, ein Schriftstellerleben zu führen, als er eher zufällig die Fotografie entdeckte. Er erhielt seine erste Kamera 1929 im Alter von 25 Jahren als Hochzeitsgeschenk. Obwohl er spät zum Medium kam, war er sofort von dessen Potenzial, Gefühle auszudrücken, inspiriert. Innerhalb weniger Jahre machte er sich als einer der führenden dokumentarischen Fotografen seiner Generation einen Namen. Seine frühen Talente zeigen sich in einem Fotobuch, zu dem er beitrug, mit dem Titel The Harlem Document. Das Buch wurde von Siskind und mehreren anderen Mitgliedern der New York Photo League erstellt, um die Lebensumstände der verarmten Stadtbewohner des New Yorker Viertels Harlem in den 1930er Jahren zu vermitteln.

Was Aaron Siskind von seinen Mitwirkenden an The Harlem Document unterschied, war sein Gespür für die Bildkomposition. Er nahm sich Zeit, verschiedene Perspektiven zu bedenken und suchte eine Komposition, die nicht nur das äußere Erscheinungsbild des Lebens, sondern auch die zugrundeliegenden Gefühle und die Würde der menschlichen Erfahrung einfing. In seinen Fotografien von Menschen und Gebäuden erkennt man deutlich sein Auge für das expressive Potenzial von Spannung und Entspannung, Hell-Dunkel-Kontrasten und anderen formalen ästhetischen und gestalterischen Elementen. Über die Bedeutung, sich Zeit für das perfekte Bild zu nehmen, sagte Siskind einmal: „Gruppiere und gruppiere neu, während du deine Position veränderst. Beziehungen treten allmählich hervor und setzen sich manchmal endgültig durch. Und das ist dein Bild.“

Aaron Siskind - Chicago 22, 1949, Fotoangaben Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Stiftung

Der abstrakte expressionistische Fotograf

Anfang der 1940er Jahre verlagerte Aaron Siskind allmählich den Schwerpunkt seiner fotografischen Projekte. Anstatt die menschliche Gesellschaft zu dokumentieren, begann er Nahaufnahmen von Alltagsgegenständen und Oberflächen zu machen, die er auf den Straßen fand. Seine Kompositionen waren bewusst abstrakt. Durch sie wollte er nicht nur die physischen Eigenschaften seiner Motive vermitteln, sondern auch deren Potenzial, Gefühle hervorzurufen. 1945 veröffentlichte er eine Sammlung dieser Arbeiten mit dem Titel The Drama of Objects. Die Bilder standen im Dialog mit der Arbeit einer Gruppe von Malern in New York City, die im folgenden Jahr den Namen Abstrakte Expressionisten erhielten. Viele von ihnen, wie Willem de Kooning, Mark Rothko und Robert Motherwell, freundeten sich mit Siskind an, nachdem sie diese Werkgruppe gesehen hatten.

In seinen abstrakten Werken strebte Siskind danach, dieselben formalen ästhetischen Qualitäten einzubeziehen, die man in einem Gemälde des abstrakten Expressionismus finden würde. Obwohl auf einer fotografischen Fläche abgeflacht, vermittelte er dennoch Struktur, Tiefe und Perspektive. Obwohl die Spuren nicht durch seine eigenen Handlungen entstanden, drückte er dennoch Energie und die Kraft körperlicher Gesten aus. Obwohl er die Linien, Formen, Rhythmen und Muster in seinen Bildern nicht selbst schuf, brachte er dennoch die Lyrik ihrer Beziehungen zum Ausdruck, indem er harmonisch zur perfekten Komposition gelangte. Und obwohl seine abstrakten Fotografien unbestreitbaren Inhalt besaßen, unterlief er diesen Inhalt, indem er neue Deutungsmöglichkeiten auf der Grundlage der Gefühle anbot, die die Bilder vermittelten.

Aaron Siskind - Rom 62, 1967, Fotoangaben Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Stiftung

Die neue Dokumentation

Bis zu seinem Tod 1991 erweiterte Aaron Siskind sein Werk stetig und grub immer tiefer in das Potenzial der Fotografie, auf abstrakter Ebene zu kommunizieren. Ende der 1950er Jahre schuf er eine Reihe von Werken, die er Freuden und Schrecken des Schwebens nannte. Die Serie besteht aus Hochgeschwindigkeitsaufnahmen von schattenhaften menschlichen Figuren, die in athletischen Posen in der Luft eingefroren sind, vor schlichten weißen Hintergründen. In den 1970er Jahren begann er eine neue Serie mit dem Titel Hommage an Franz Kline. Siskind war von Anfang der 1950er Jahre bis zu Klines Tod 1962 mit dem abstrakten expressionistischen Maler Franz Kline befreundet und bewunderte die Kraft der ikonischen Bilder, für die Kline berühmt wurde. In Hommage an Franz Kline fotografierte Siskind reale Markierungen wie Graffiti so, dass die Kompositionen die Gesten Klines widerspiegelten und ähnliche Tropfen und Spritzer zeigten.

Doch anstatt Kline etwas wegzunehmen, zeigen die Fotografien von Graffiti-Markierungen, die Aaron Siskind machte, die wahre Tiefe von Klines Talent. Graffiti entsteht aus Leidenschaft und verlangt Schnelligkeit und Heimlichkeit. Kline erreichte dieselbe Ästhetik über die Zeit, auf eine überlegte, sorgfältige Weise. Sein Prozess war genau und mühsam, nicht schnell und schlampig. Die Tatsache, dass er es beständig schaffte, dieselbe Energie, Leidenschaft und Kraft in seinem Atelier zu vermitteln, wie sie in einem wütenden Farbspritzer an einer Gassenwand zu sehen sind, ist erstaunlich. Wie die Fotografien, die Siskind von sich bewegenden menschlichen Körpern machte, fingen die Bilder in Hommage an Franz Kline das Gefühl ein, dass Abstraktion im Alltag verborgen und doch offen sichtbar ist. Diese Fotografien waren keine Abstraktionen. Sie waren dokumentarisch. Sie waren gegenständlich. Aber sie waren eine neue Art von Dokumentation. Sie lesen sich wie moderne Hieroglyphen: stilisierte Zeichen, die Natur und Erzählung verbinden; Darstellungen von Abstraktion, die Bedeutung über ihr Aussehen hinaus besitzen.

Aaron Siskind - Freuden und Schrecken des Schwebens 32, 1965 (links) und Aaron Siskind - Freuden und Schrecken des Schwebens 63, 1962 (rechts), Fotoangaben Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Stiftung

Titelbild: Aaron Siskind - Seegras 11 (Detail), 1947, Fotoangaben Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Stiftung
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio