Wie Ad Reinhardt uns lehrte, moderne Kunst zu betrachten

Was bedeutet es, ein Purist zu sein? Ist es wie engstirnig zu sein? Oder ist die Suche nach Reinheit von Natur aus edel, wie das Streben nach Perfektion? Für den amerikanischen abstrakten Künstler Ad Reinhardt war Reinheit für die bildende Kunst von wesentlicher Bedeutung. In seinem Essay von 1953, „Zwölf Regeln für eine neue Akademie“, definierte Reinhardt bildende Kunst als „Kunst, die von allen anderen als Kunst verstandenen Bedeutungen geleert und gereinigt ist.“ Er erklärte weiter, dass „je mehr Verwendungen, Beziehungen und „Zusätze“ ein Gemälde hat, desto weniger rein ist es. Je mehr Zeug darin ist, desto geschäftiger ist das Kunstwerk, desto schlechter ist es. ‚Weniger ist mehr‘.“ Das mag wie eine seltsame Aussage von einem Maler klingen, der mit den Abstrakten Expressionisten assoziiert wird, Künstlern, die definitiv mehr auf ihre Leinwände bringen, nicht weniger. Aber obwohl Reinhardt seine Karriere mit dem Malen ausdrucksstarker, dynamischer Leinwände begann, veränderte sich sein Ansatz im Laufe der Zeit drastisch durch seine Suche nach Reinheit. Er reduzierte den Inhalt seiner Gemälde im Laufe seiner Karriere so dramatisch, dass er in den letzten Jahren seines Lebens nur noch mit der Farbe Schwarz malte. Als er 1967 starb, war er so überzeugt von der Reinheit seiner Bemühungen, dass er verkündete, er habe die letzten Gemälde gemalt, die jemals benötigt wurden.

Schöne Kunst

Die Suche nach Reinheit scheint eher für ein Kloster als für ein Kunststudio geeignet zu sein. Aber Ad Reinhardt war ebenso sehr ein Philosoph wie ein Künstler. Und einer seiner besten Freunde war tatsächlich ein Mönch in einem Kloster. Reinhardt tauschte regelmäßig Briefe mit ihm aus und tauschte auf humorvolle Weise Ansichten über die Natur des Lebens und der Kunst aus. In der Graduiertenschule studierte Reinhardt Kunstgeschichte, ein Thema, über das er mehr wusste als vielleicht jeder andere Künstler seiner Generation. Vielleicht hatte sein Interesse, die ultimative Manifestation von Reinheit in der Kunst zu entdecken, ebenso viel mit intellektueller und spiritueller Neugier zu tun wie mit seinem Wunsch, seine eigene Relevanz im Kontinuum der Kunstgeschichte zu definieren.

Als er in den 1940er Jahren begann, seine Gemälde in New York auszustellen, entsprachen sie dem dominierenden, aufkommenden Stil der Zeit, Abstrakter Expressionismus. Sie waren malerisch, gestisch, voller lebendiger Farben und lebendig mit abstrakten Markierungen. Weniger als ein Jahrzehnt später wies er all diese Dinge leidenschaftlich zurück und veröffentlichte ein dogmatisches, fast komisch spezifisches, oft widersprüchliches Manifest, das die genaue Methode zur Herstellung reiner, moderner Gemälde beschrieb: Gemälde, die zufällig nichts mit seinen eigenen frühen Arbeiten zu tun hatten. Wenn das paradox erscheint, hilft es, sich an Reinhardts eigene berühmten Worte zu erinnern: “Kunst ist zu ernst, um ernst genommen zu werden.”

Ad Reinhardt - Abstrakte Malerei, 1960. Öl auf Leinwand. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Die Demontage der Avantgarde

Um das kulturelle Klima zu verstehen, in dem Reinhardt arbeitete, ist es hilfreich, einen Blick auf die Geschichte des Modernismus zu werfen. Vor dem Zweiten Weltkrieg entstanden fast alle avantgardistischen Kunstbewegungen außerhalb Amerikas. Nach dem Zweiten Weltkrieg brachte Amerika einige der einflussreichsten modernistischen Bewegungen des Jahrhunderts hervor, darunter den Abstrakten Expressionismus, Minimalismus und den Post-Expressionismus. Was geschah, um diesen Wandel im Einfluss der amerikanischen Kunst herbeizuführen? Es hatte mehr mit Politik als mit Kunst zu tun.

Nach der deutschen Revolution nach dem Ersten Weltkrieg kam eine repräsentative Regierung in Deutschland an die Macht, die Weimarer Republik genannt wurde. Diese demokratisch gewählte Regierung führte umfassende soziale, politische und wirtschaftliche Reformen ein, die zu tiefgreifenden kulturellen Veränderungen in ganz Deutschland führten. In diesem transformativen Umfeld blühte der deutsche Modernismus auf. Das Bauhaus wurde im selben Jahr wie die Weimarer Republik und in derselben Stadt gegründet, und in den nächsten 14 Jahren entwickelte sich Deutschland zu einer führenden progressiven Kraft in den Künsten.

Ad Reinhardt - Nachrichtenpapier-Collage, 1940. Ausgeschnittenes und geklebtes Druckpapier und schwarzes Papier auf Platte. 15 7/8 x 20 Zoll (40,6 x 50,8 cm). MoMA Sammlung. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York  

Die dunkle Seite des Purismus

Als die Börse 1929 zusammenbrach, erlebte Deutschland, wie die meisten anderen westlichen Länder, einen wirtschaftlichen Zusammenbruch. Die darauf folgende globale Depression verursachte viel Frustration im Leben der normalen Arbeiter. Als das nationalsozialistische Regime 1933 in Deutschland an die Macht kam, geschah dies unter dem Vorwand, Deutschland zu seiner historischen Größe zurückzuführen und die Trends der jüngeren Vergangenheit umzukehren. Eines der ersten Dinge, die die NSDAP tat, war, Einfluss auf die deutsche Kultur auszuüben. Moderne Kunst war ein zentrales Ziel.

Unter der Führung von Adolf Hitler entwickelten die Nazis ein Konzept reiner deutscher Kunst. Es umfasste nur traditionelle, klassische Kunst, die ihrer Definition von rassischer und nationaler Identität entsprach. Jede Kunst, die außerhalb dieser Definition lag, wurde als entartet bezeichnet. So begann ein Exodus avantgardistischer Künstler aus Deutschland. Und als der Einfluss der Nazis über Deutschland hinaus wuchs, fanden sich moderne Künstler in ganz Europa ebenfalls unter derselben Verfolgung.

Ad Reinhardt - Studie für ein Gemälde, 1938. Gouache auf Papier. 4 x 5 Zoll (10,2 x 12,8 cm). MoMA Sammlung. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Re-Assemblierung der Avantgarde

In den späten 1930er und frühen 1940er Jahren fand jeder europäische moderne Künstler mit den Mitteln einen Weg ins Ausland. Als eine der wenigen globalen Hauptstädte, die nicht von faschistischen Mächten belagert wurden, wurde New York City zu einem Leuchtturm für avantgardistische Künstler aus der ganzen Welt. Diese neu ankommenden Künstler mischten sich mit der bereits lebhaften New Yorker abstrakten Kunstszene, die amerikanisch geborene Künstler wie Jackson Pollock sowie Künstler wie Willem de Kooning und Arshile Gorky umfasste, die nach dem Ersten Weltkrieg dorthin eingewandert waren. Aus dieser Kultur entstanden die ersten amerikanischen modernistischen Kunstbewegungen.

Ad Reinhardt kam als Mitglied dieser Generation von avantgardistischen Künstlern in New York nach dem Zweiten Weltkrieg künstlerisch zur Reife. Er war voll engagiert in die lebendige Mischung aus politischen, philosophischen, sozialen und kulturellen Gesprächen, die in dieser vielfältigen, internationalen Gemeinschaft stattfanden. Er nahm an Protesten teil und war in jeder erdenklichen Weise in der Szene aktiv. Aber er war in einem grundlegenden Punkt anderer Meinung als seine Zeitgenossen. Während sie ihr Leben und ihre Kunst als eine miteinander verbundene, ganzheitliche Erfahrung betrachteten, glaubte Reinhardt, dass dies der falsche Weg sei. Wie er es ausdrückte: “Kunst ist Kunst. Leben ist Leben.”

Ad Reinhardt - Studie für ein Gemälde, 1939. Gouache auf Papier. 3 7/8 x 4 7/8 Zoll (10 x 12,5 cm). MoMA Sammlung. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Suche nach dem Invarianten

Um seine Kunst von der seiner Zeitgenossen weiterzuentwickeln, formulierte Reinhardt die Idee des "erleuchteten Objekts", ein Kunstwerk, das sich auf nichts Äußeres, keine äußere Idee bezog, sondern einfach als ein singuläres Beispiel seines reinen Selbst existierte. Das erleuchtete Objekt war eine Form dessen, was ein Spiritualist als das "Invariante" bezeichnen könnte, das große Ultimative, die unveränderliche Substanz, die selbst inmitten von Transformationen nicht transformiert. Im Wesentlichen suchte er nach der Kunstversion von Gott.

Reinhardt suchte das Invariante durch Negation, was bedeutet, dass er nicht definierte, was reine Kunst ist, sondern was reine Kunst nicht ist. Seine 12 Regeln für eine neue Akademie, veröffentlicht 1953, enthielten seine Liste von Negationen, formuliert als Regeln, wie man zur reinen Kunst gelangt. Diese Regeln umfassten: Kein Realismus, kein Impressionismus, kein Expressionismus, keine Skulptur, kein Plastizismus, keine Collage, keine Architektur, keine Dekoration, keine Textur, kein Pinselstrich, keine Skizzenideen im Voraus, keine Formen, kein Design, keine Farben, kein Licht, kein Raum, keine Zeit, keine Größe, keine Bewegung, kein Thema, keine Symbole, keine Bilder und kein Vergnügen. Er fügte hinzu: “Halten Sie sich äußerlich von allen Beziehungen fern und haben Sie innerlich keine Sehnsüchte in Ihrem Herzen.”

Ad Reinhardt - Papiercollage, 1939. Hirshhorn Museum und Sculpture Garden, Washington DC. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Ändern mit Veränderung

Es ist wichtig, beim Lesen von 12 Regeln für eine neue Akademie im Hinterkopf zu behalten, dass Reinhardt während seines Studiums als Comedy-Autor arbeitete und auch eine spirituelle und philosophische Person war. Er hatte einen scharfen Witz und sprach oft absichtlich in paradoxen Aussagen. Selbst wenn er glaubte, dass alle seine Regeln einzeln befolgt werden konnten, musste er auch gewusst haben, dass das gleichzeitige Befolgen aller bedeutete, dass einige verletzt würden.

Zum Beispiel, als es um die Schwarzen Bilder ging, die er in den letzten 12 Jahren seines Lebens malte, bezeichnete er sie als: „Ein freies, unmanipuliertes, unmanipulierbares, nutzloses, unverkäufliches, irreduzierbares, unfotografierbares, unreproduzierbares, unerklärliches Symbol.“ Aber sie waren nicht frei; sie waren das Produkt eines ideologischen, dogmatischen Systems. Und was das unfotografierbar und unverkäuflich betrifft, so wurden sie tatsächlich schnell verkauft und kommen heute regelmäßig bei Auktionen zum Verkauf, mit feinen Fotografien in den Katalogen. War Reinhardt also am Scherzen? Oder machte er eine tiefere Aussage über die Komplexität des Schaffens und Sprechens über abstrakte Kunst?

Ad Reinhardt - Untitled, 1947. Öl auf Leinwand. National Gallery of Art, Washington DC. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Der Unveränderliche Zustand

Reinhardt zu verstehen bedeutet, seine Kultur zu verstehen. Reinhardt war Teil einer Kunstszene, die von leidenschaftlicher, emotionaler, persönlicher und malerischer Arbeit dominiert wurde. Seine Reaktion darauf war, das Gegenteil zu befürworten. Während Künstler leidenschaftlich dafür plädierten, dass Kunst wieder in das tägliche Leben integriert wird, bestand Reinhardt darauf, dass Kunst und Leben getrennt sind. Er behauptete, die letzten Gemälde gemalt zu haben, aber als Kunsthistoriker wusste er, dass das Ende der Malerei niemals kommen würde, solange es Künstler gibt, die bereit sind zu malen.

Ein gewisses Verständnis von Ad Reinhardt findet sich in diesem Zitat von Bruce Lee: „Mit dem Wandel zu ändern, ist der unveränderliche Zustand.“ Indem er eine Alternative zu den dominierenden Trends der Zeit bot, stellte Reinhardt sicher, dass die Kunstgeschichte fortgesetzt würde. Wie das Schwarze Quadrat von Kasimir Malevich beendeten die Schwarzen Gemälde von Ad Reinhardt nicht die Malerei, sondern schoben das Kontinuum voran. Indem er dogmatisch war, bestand er nicht darauf, dass es nur einen Weg gab, sondern er gab der nächsten Generation ein Geschenk: einen Feind, gegen den man arbeiten kann: einen Puristen, dem man widerstehen kann, und eine Ideologie, die man herausfordern kann.

Vorschaubild: Ad Reinhardt - Nummer 6, 1946. Öl auf Masonit. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio