Wie Ad Reinhardt uns lehrte, moderne Kunst zu betrachten

Was bedeutet es, ein Purist zu sein? Ist es wie engstirnig zu sein? Oder ist die Suche nach Reinheit von Natur aus edel, wie das Streben nach Vollkommenheit? Für den amerikanischen abstrakten Künstler Ad Reinhardt war Reinheit für die bildende Kunst wesentlich. In seinem Essay von 1953, „Zwölf Regeln für eine neue Akademie“, definierte Reinhardt bildende Kunst als „Kunst, die von allen anderen als Kunst fremden Bedeutungen geleert und gereinigt ist.” Er erklärte weiter: „Je mehr Verwendungen, Beziehungen und „Zusätze“ ein Gemälde hat, desto weniger rein ist es. Je mehr Zeug darin ist, je geschäftiger das Kunstwerk, desto schlechter ist es. ‚Mehr ist weniger‘.” Das mag wie eine seltsame Aussage von einem Maler klingen, der mit den Abstrakten Expressionisten in Verbindung gebracht wird, Künstlern, die definitiv mehr auf ihre Leinwände brachten, nicht weniger. Doch obwohl Reinhardt seine Karriere mit expressiven, dynamischen Leinwänden begann, veränderte seine Suche nach Reinheit seine Herangehensweise im Laufe der Zeit drastisch. Er reduzierte den Inhalt seiner Gemälde so stark, dass er in den letzten Jahren seines Lebens nur noch mit der Farbe Schwarz malte. Als er 1967 starb, war er so überzeugt von der Reinheit seiner Bemühungen, dass er verkündete, die letzten Gemälde gemalt zu haben, die jemals benötigt würden.

Kunst als Feinheit

Die Suche nach Reinheit scheint eher in ein Kloster als in ein Atelier zu passen. Doch Ad Reinhardt war ebenso Philosoph wie Künstler. Und einer seiner besten Freunde war tatsächlich ein Mönch in einem Kloster. Reinhardt tauschte regelmäßig Briefe mit ihm aus und diskutierte spielerisch über die Natur von Leben und Kunst. Im Aufbaustudium studierte Reinhardt Kunstgeschichte, ein Thema, über das er vielleicht mehr wusste als jeder andere Künstler seiner Generation. Vielleicht hatte sein Interesse daran, die ultimative Manifestation von Reinheit in der Kunst zu entdecken, ebenso viel mit intellektueller und geistiger Neugier zu tun wie mit dem Wunsch, seine eigene Bedeutung im Kontinuum der Kunstgeschichte zu definieren.

Als er in den 1940er Jahren begann, seine Gemälde in New York auszustellen, entsprachen sie dem damals vorherrschenden aufkommenden Stil, dem Abstrakten Expressionismus. Sie waren malerisch, gestisch, voller lebhafter Farben und lebendig mit abstrakten Markierungen. Weniger als ein Jahrzehnt später lehnte er all diese Dinge leidenschaftlich ab und veröffentlichte ein dogmatisches, fast komisch spezifisches, oft widersprüchliches Manifest, das die genaue Methode zur Herstellung reiner, moderner Gemälde beschrieb: Gemälde, die übrigens nichts mit seinen frühen Werken gemeinsam hatten. Wenn das paradox erscheint, hilft es, Reinhardts berühmte Worte zu bedenken: „Kunst ist zu ernst, um sie ernst zu nehmen.“

Ad Reinhardt – Abstraktes Gemälde, 1960. Öl auf Leinwand. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Die Avantgarde demontieren

Um das kulturelle Klima zu verstehen, in dem Reinhardt arbeitete, hilft ein Blick zurück auf die Geschichte des Modernismus. Vor dem Zweiten Weltkrieg entstanden fast alle avantgardistischen Kunstbewegungen außerhalb Amerikas. Nach dem Zweiten Weltkrieg brachte Amerika einige der einflussreichsten modernistischen Bewegungen des Jahrhunderts hervor, darunter den Abstrakten Expressionismus, Minimalismus und den Postexpressionismus. Was führte zu diesem Wandel im Einfluss der amerikanischen Kunst? Es hatte mehr mit Politik als mit Kunst zu tun.

Nach der deutschen Revolution im Anschluss an den Ersten Weltkrieg kam eine repräsentative Regierung in Deutschland an die Macht, die Weimarer Republik genannt wurde. Diese demokratisch gewählte Regierung führte weitreichende soziale, politische und wirtschaftliche Reformen durch, die zu tiefgreifenden kulturellen Veränderungen in ganz Deutschland führten. In diesem transformierenden Umfeld blühte der deutsche Modernismus auf. Das Bauhaus wurde im selben Jahr wie die Weimarer Republik gegründet und in derselben Stadt, und in den folgenden 14 Jahren entwickelte sich Deutschland zu einer führenden progressiven Kraft in den Künsten.

Ad Reinhardt – Zeitungsausschnitt-Collage, 1940. Ausgeschnittenes und aufgeklebt gedrucktes Papier und schwarzes Papier auf Holzplatte. 40,6 x 50,8 cm. MoMA Sammlung. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Die dunkle Seite des Purismus

Als die Börse 1929 zusammenbrach, erlebte Deutschland wie die meisten anderen westlichen Länder einen wirtschaftlichen Zusammenbruch. Die folgende weltweite Depression führte zu großer Frustration im Leben der einfachen Arbeiter. Als das Naziregime 1933 in Deutschland an die Macht kam, geschah dies unter dem Vorwand, Deutschland zu seiner historischen Größe zurückzuführen und die Entwicklungen der jüngeren Vergangenheit umzukehren. Eines der ersten Dinge, die die NSDAP tat, war, Einfluss auf die deutsche Kultur auszuüben. Moderne Kunst war ein Hauptziel.

Unter der Führung Adolf Hitlers entwickelten die Nazis ein Konzept von reiner deutscher Kunst. Diese umfasste nur traditionelle, klassische Kunst, die ihrer Definition von rassischer und nationaler Identität entsprach. Jede Kunst außerhalb dieser Definition wurde als entartet bezeichnet. So begann eine Flucht avantgardistischer Künstler aus Deutschland. Und als der Nazi-Einfluss über Deutschland hinauswuchs, fanden sich moderne Künstler in ganz Europa unter derselben Verfolgung wieder.

Ad Reinhardt – Studie für ein Gemälde, 1938. Gouache auf Papier. 10,2 x 12,8 cm. MoMA Sammlung. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Die Avantgarde neu zusammensetzen

In den späten 1930er und frühen 1940er Jahren fand jeder europäische moderne Künstler mit den Mitteln einen Weg, ins Ausland zu gehen. Als eine der wenigen Weltstädte, die nicht von faschistischen Mächten belagert wurde, wurde New York City zu einem Leuchtturm für avantgardistische Künstler aus aller Welt. Diese neu ankommenden Künstler mischten sich mit der bereits lebendigen New Yorker abstrakten Kunstszene, zu der amerikanisch geborene Künstler wie Jackson Pollock sowie Künstler wie Willem de Kooning und Arshile Gorky gehörten, die nach dem Ersten Weltkrieg dorthin eingewandert waren. Aus dieser Kultur entstanden die ersten amerikanischen modernistischen Kunstbewegungen.

Ad Reinhardt erreichte seine künstlerische Reife als Mitglied dieser Generation von avantgardistischen New Yorker Künstlern nach dem Zweiten Weltkrieg. Er war voll engagiert in dem lebendigen Mix aus politischen, philosophischen, sozialen und kulturellen Gesprächen, die in dieser vielfältigen, internationalen Gemeinschaft stattfanden. Er nahm an Protesten teil und war auf jede erdenkliche Weise in der Szene aktiv. Doch in einem grundlegenden Punkt war er anderer Meinung als seine Zeitgenossen. Während sie ihr Leben und ihre Kunst als eine ganzheitliche Einheit betrachteten, glaubte Reinhardt, dass dies der falsche Weg sei. Wie er sagte: „Kunst ist Kunst. Leben ist Leben.“

Ad Reinhardt – Studie für ein Gemälde, 1939. Gouache auf Papier. 10 x 12,5 cm. MoMA Sammlung. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Suche nach dem Unveränderlichen

Um seine Kunst von der seiner Zeitgenossen zu unterscheiden, entwickelte Reinhardt die Idee des „erleuchteten Objekts“, eines Kunstwerks, das keinen Bezug zu etwas Äußerem, keiner äußeren Idee hat, sondern einfach als singuläres Beispiel seines reinen Selbst existiert. Das erleuchtete Objekt war eine Form dessen, was ein Spiritist das „Unveränderliche“ nennen würde, das große Letzte, die unveränderliche Substanz, die sich selbst mitten in der Veränderung nicht verändert. Im Grunde suchte er nach der Kunstversion Gottes.

Reinhardt suchte das Unveränderliche durch Verneinung, das heißt, statt zu definieren, was reine Kunst ist, definierte er, was reine Kunst nicht ist. Seine 12 Regeln für eine neue Akademie, veröffentlicht 1953, enthielten seine Liste von Verneinungen, formuliert als Regeln, wie man zur reinen Kunst gelangt. Diese Regeln beinhalteten: Kein Realismus, kein Impressionismus, kein Expressionismus, keine Bildhauerei, kein Plastizismus, keine Collage, keine Architektur, keine Dekoration, keine Textur, kein Pinselstrich, kein Vorzeichnen von Ideen, keine Formen, kein Entwurf, keine Farben, kein Licht, kein Raum, keine Zeit, keine Größe, keine Bewegung, kein Thema, keine Symbole, keine Bilder und kein Vergnügen. Er fügte hinzu: „Äußerlich halte dich von allen Beziehungen fern, und innerlich habe keine Sehnsüchte im Herzen.“

Ad Reinhardt – Papiercollage, 1939. Hirshhorn Museum und Skulpturengarten, Washington DC. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Mit dem Wandel wandeln

Es ist wichtig, beim Lesen der 12 Regeln für eine neue Akademie zu bedenken, dass Reinhardt im Studium als Komödienschreiber arbeitete und zudem ein geistiger und philosophischer Mensch war. Er hatte einen scharfen Witz und sprach oft absichtlich in paradoxen Aussagen. Selbst wenn er glaubte, dass alle seine Regeln einzeln befolgt werden könnten, musste er sicher auch wissen, dass sie alle gleichzeitig zu befolgen bedeutete, dass einige verletzt würden.

Zum Beispiel nannte er die Schwarzen Gemälde, die er in den letzten 12 Jahren seines Lebens malte, „ein freies, unmanipuliertes, unmanipulierbares, nutzloses, unverkäufliches, unzerlegbares, unfotografierbares, unreproduzierbares, unerklärliches Ikon“. Doch sie waren nicht frei; sie waren das Produkt eines ideologischen, dogmatischen Systems. Und was das Unfotografierbare und Unverkäufliche betrifft, so wurden sie tatsächlich schnell verkauft und tauchen auch heute noch regelmäßig bei Auktionen auf, mit guten Fotografien in den Katalogen. War Reinhardt also ein Scherzbold? Oder machte er eine tiefere Aussage über die Komplexität der Herstellung und Diskussion von abstrakter Kunst?

Ad Reinhardt – Ohne Titel, 1947. Öl auf Leinwand. Nationalgalerie, Washington DC. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Der unveränderliche Zustand

Reinhardt zu verstehen bedeutet, seine Kultur zu verstehen. Reinhardt war Teil einer Kunstszene, die von leidenschaftlicher, emotionaler, persönlicher und malerischer Arbeit geprägt war. Seine Antwort darauf war, das Gegenteil zu vertreten. Während Künstler leidenschaftlich dafür eintraten, Kunst wieder in das tägliche Leben zu integrieren, bestand Reinhardt darauf, dass Kunst und Leben getrennt sind. Er behauptete, die letzten Gemälde gemalt zu haben, doch als Kunsthistoriker wusste er, dass das Ende der Malerei niemals kommen würde, solange es Künstler gibt, die bereit sind zu malen.

Ein gewisses Verständnis von Ad Reinhardt findet sich in diesem Zitat von Bruce Lee: „Mit dem Wandel zu wandeln ist der unveränderliche Zustand.“ Indem er eine Alternative zu den vorherrschenden Strömungen seiner Zeit bot, sorgte Reinhardt dafür, dass die Kunstgeschichte weiterging. Wie das Schwarze Quadrat von Kasimir Malewitsch beendeten die Schwarzen Gemälde von Ad Reinhardt die Malerei nicht, sondern trieben das Kontinuum voran. Indem er dogmatisch war, bestand er nicht darauf, dass es nur einen Weg gibt, sondern schenkte der nächsten Generation einen Gegner: einen Puristen, gegen den man arbeiten kann, und eine Ideologie, der man trotzen kann.

Titelbild: Ad Reinhardt – Nummer 6, 1946. Öl auf Masonit. © 2018 Nachlass von Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio