Robert Delaunay und sein Ansatz zur Farbe

Was bedeutet es, wenn man sagt, ein Gemälde sei „realistisch“? Wirklichkeit ist ein umstrittenes Thema. Sie ist schließlich rein subjektiv. Was man als real betrachtet, beruht auf einer Kombination dessen, was man wahrnimmt, was man versteht und was man sich vorstellen kann. Im Jahr 1912 veröffentlichte der Maler Robert Delaunay einen Aufsatz in der deutschen Zeitschrift Der Sturm mit dem Titel „Notizen über den Aufbau der Wirklichkeit in der reinen Malerei.“ Der Aufsatz war ein Versuch, die vorhergehenden 60 Jahre künstlerischer Forschung seit Beginn des Impressionismus zum Thema, wie man Wirklichkeit in der Kunst am besten darstellt, zusammenzufassen. Delaunay beschrieb die Arbeit seiner Vorgänger als wissenschaftlich und analytisch, indem sie die Malerei in ihre Bestandteile zerlegten, um zu den wesentlichen Elementen der gemalten Wirklichkeit zu gelangen. Er schrieb, dass Künstler nur danach streben sollten, das Schöne zu schaffen, und dass die Wirklichkeit das einzig wirklich Schöne sei. Doch Wirklichkeit bedeutete für Delaunay nicht Nachahmung. Vielmehr vermutete er, dass das grundlegendste und schönste Element der Wirklichkeit die Farbe sei, denn die Natur vermittelt durch das Licht die Schönheit der Welt über die Farbe an unsere Augen, und „es sind unsere Augen, die die in der Natur wahrgenommenen Empfindungen an unsere Seele weitergeben.“

Farbe ist Wirklichkeit

Eines der Dinge, die Robert Delaunay gern über sich selbst sagte, war, dass vor ihm Maler Farbe nur zum Färben verwendeten. Er glaubte, der erste Maler zu sein, der Farbe als eigenständiges Thema nutzte. Er gab den Impressionisten Anerkennung, weil sie die Bedeutung des Lichts erkannt hatten. Doch sie verwendeten die Eigenschaften des Lichts nur, um Bilder der objektiv sichtbaren Welt zu kopieren. Aber zumindest erkannten sie, dass ein Bild aus vielen verschiedenen Teilen besteht und dass es die Wahrnehmung dieser Teile ist, die ein Gefühl dafür schafft, was Wirklichkeit ist. Wahrnehmung findet nicht auf der Leinwand statt, sondern im Gehirn.

Der Pointillismus war der erste und tiefgründigste Malstil, der wirklich untersuchte, dass Wahrnehmung im Gehirn geschieht. Auch als Divisionismus bekannt, nutzte er kleine Farbflecken, die nebeneinander auf die Leinwand gesetzt wurden, um den Eindruck einer gemischten Farbe zu vermitteln, anstatt die Farben vorher zu mischen. Das Gehirn verband dann die Farben, um das Bild zu vervollständigen. Diese Erkenntnis, dass Augen und Gehirn ein sonst unvollständiges Bild ergänzen können, wurde zu einem Grundprinzip der Avantgarde des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Sie inspirierte die futuristische Malerei, Kubismus, Orphismus und zahllose andere Stile und Bewegungen seitdem.

Farbe als Thema

Robert Delaunay war vom divisionistischen Denken fasziniert. Es regte ihn dazu an, über die Beziehung der Farben zueinander nachzudenken, wenn sie nebeneinander auf der Leinwand stehen, unabhängig davon, welches Bild sie erschaffen sollten. Er vergrößerte die Farbfelder über das hinaus, was die Pointillisten getan hatten, und schuf viel ausgeprägtere und abstrahierte visuelle Effekte. Mit dieser Technik fertigte er eine Reihe von Porträts seines Freundes und Mitabstrakten Jean Metzinger an.

In Delaunays Metzinger-Gemälden sehen wir Farbfelder, die neben der bloßen Bildform auch Tiefe und Bewegung erzeugen. Durch seine divisionistischen Gemälde erkannte Delaunay, dass Farbe Form, Tiefe, Licht und sogar Emotion vermitteln kann. Unabhängig von den gegenständlichen Elementen eines Bildes kann Farbe allein jede Wahrheit oder Wirklichkeit ausdrücken, die ein Maler vermitteln möchte.

Robert Delaunay Rythme Nr. 1, Dekoration für den Salon des Tuileries, 1938, Öl auf Leinwand, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Farbe und Ebene

Während Delaunay seine eigenen Entdeckungen über gemalte Wirklichkeit machte, experimentierten die Kubisten unter der Führung von Pablo Picasso ebenfalls in einem ähnlichen Bereich. Sie versuchten, die vierdimensionale Wirklichkeit und den Ablauf der Zeit darzustellen. Ihre Methode bestand darin, die Welt in räumliche Ebenen zu unterteilen und diese Ebenen zu nutzen, um eine Vielzahl gleichzeitiger Blickwinkel auf ein einzelnes Thema auszudrücken.

Delaunay interessierte sich nicht für Perspektive. Er glaubte, dass Bewegung oder andere Phänomene allein durch Farbe ausgedrückt werden könnten. Dennoch war er von der kubistischen Idee der räumlichen Ebenen fasziniert. Er hatte bemerkt, dass, wenn Licht auf Dinge trifft, die verschiedenen Farbtöne, die erscheinen, durch die Geometrie ihrer räumlichen Ebenen bestimmt werden. Da Ebenen und Geometrie einen so direkten Einfluss auf Farbe haben, übernahm er die ästhetische Sprache der gebrochenen Ebene von den Kubisten und wandte sie in seinen Gemälden an, wodurch ein neuer abstrakter ästhetischer Ansatz entstand, der teils divisionistisch, teils kubistisch war. Am bekanntesten nutzte er diesen Stil in einer Reihe von Gemälden, die das darstellten, was er für das ultimative Symbol des modernen Zeitalters hielt: den Eiffelturm.

Robert Delaunay - Eiffelturm, 1911 (vom Künstler auf 1910 datiert). Öl auf Leinwand. 202 x 138,4 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Gründungs-Sammlung, als Geschenk. 37.463

Farbe und Kontrast

Eine der nächsten Entdeckungen, die Delaunay machte, betraf den Kontrast. Er erkannte, dass Farben sich gegenseitig so ergänzen können, dass sie emotionale Reaktionen im Geist des Betrachters hervorrufen. Er begann, Thema, Tiefe, Licht und alle anderen Faktoren auszuschließen und konzentrierte sich rein auf den Farbkontrast um seiner selbst willen. Er lernte, dass verschiedene kontrastierende Farben unterschiedliche emotionale Wirkungen erzeugen. Manche Farben kontrastierten auf eine Weise, die leicht und fröhlich wirkte. Andere kontrastierten so, dass sie schwer oder melancholisch wirkten.

Er entdeckte auch, dass manche Farben, wenn sie nebeneinander stehen, tatsächlich eine Bewegung erzeugen. Die Betrachter nahmen wahr, dass sie zitterten, vibrierten oder sogar ihre Farbtöne änderten, je länger man sie ansah. Delaunay nannte dieses Gefühl Simultaneität. In seinem Gemälde von 1914 Hommage à Blériot nutzte er die Theorie der Simultaneität, um das darzustellen, was er für den wesentlichen Zustand der Moderne hielt: Bewegung, fast ausschließlich durch Farbe und rein abstrahierte Form dargestellt.

Robert Delaunay - Hommage à Blériot, 1914, Öl auf Leinwand, 1,94 x 1,28 m. Kunstmuseum Basel, Basel, Schweiz

Das Vermächtnis von Robert Delaunay

Geschichte war für Delaunay wichtig, und denen, die ihn kannten, zufolge war er sich seiner Stellung darin sehr bewusst. Er wies gern darauf hin, wer oder was zuerst war. Er schrieb, „Die ersten Gemälde waren einfach eine Linie, die den Schatten eines Mannes umschloss, der von der Sonne auf die Erdoberfläche geworfen wurde.“ Er lobte den Maler Seurat, den Begründer des Pointillismus, dafür, dass er zuerst die Bedeutung der Komplementärfarben gezeigt hatte. Doch dann kritisierte er Seurat für seine unvollständige Leistung und erklärte, Pointillismus sei „nur eine Technik.“ Delaunay behauptete, dass er selbst der erste gewesen sei, der die Theorie der Komplementärfarben nutzte, um zu einem reinen Ausdruck von Schönheit zu gelangen.

Tatsächlich wird nach der Lektüre von Delaunays Schriften über Farbe deutlich, dass er für viele originelle Gedanken über die formalen Qualitäten der Malerei verantwortlich ist. Er und seine Frau Sonia werden die Erfinder des Orphismus genannt, eines der einflussreichsten abstrakten Stile, die vor dem Ersten Weltkrieg entstanden. Doch ohne Delaunay etwas wegzunehmen, wirft die große Aufmerksamkeit für Farbe eine Frage auf: Kann Farbe wirklich der reinste Ausdruck der Wirklichkeit in der Natur sein? Kann sie der einzige Weg sein, Schönheit zu unserer Seele zu übertragen? Für einen blinden oder farbenblinden Menschen muss das eine entmutigende Nachricht sein. Vielleicht war Delaunays Denken über Farbe nicht das Ende der Geschichte. Vielleicht ist das Wichtigste an seiner Arbeit, dass er die Fragen stellte, die viele Liebhaber abstrakter Kunst noch heute stellen: Was ist Wirklichkeit? Was ist Schönheit? Wie kann man sie am besten vermitteln, damit sie mit der menschlichen Seele in Verbindung treten?

Abgebildetes Bild: Robert Delaunay - Porträt von Jean Metzinger, 1906, Öl auf Leinwand, 55 x 43 cm. Privatsammlung
Von Phillip Barcio