Robert Delaunay und sein Ansatz zur Farbe

Was bedeutet es, zu sagen, ein Gemälde sei „realistisch“? Realität ist ein umstrittenes Thema. Sie ist schließlich rein subjektiv. Was man als real betrachtet, basiert auf einer Kombination aus dem, was man wahrnimmt, was man versteht und was man sich vorstellen kann. Im Jahr 1912 veröffentlichte der Maler Robert Delaunay einen Aufsatz in der deutschen Zeitschrift Der Sturm mit dem Titel „Notizen zur Konstruktion der Realität in der reinen Malerei.“ Der Aufsatz war ein Versuch, die vorhergehenden 60 Jahre künstlerischer Forschung, seit dem Beginn des Impressionismus, zusammenzufassen, um das Thema zu behandeln, wie man Realität am besten in der Kunst darstellt. Delaunay beschrieb die Arbeiten seiner Vorgänger als wissenschaftlich und analytisch, indem sie die Malerei in ihre Komponenten zerlegten, um zu den wesentlichen Elementen der gemalten Realität zu gelangen. Er schrieb, dass Künstler nur danach streben sollten, das Schöne zu schaffen, und dass die Realität das einzige wirklich Schöne sei. Aber Realität bedeutete laut Delaunay nicht Nachahmung. Vielmehr vermutete er, dass das grundlegendste und schönste Element der Realität die Farbe sei, denn die Natur vermittelte durch Licht die Schönheit der Welt durch Farbe an unsere Augen, und dass „es unsere Augen sind, die die in der Natur wahrgenommenen Empfindungen an unsere Seele übertragen.“

Farbe ist Realität

Eine der Dinge, die Robert Delaunay gerne über sich selbst sagte, ist, dass Maler vor ihm Farbe nur zum Färben verwendeten. Er glaubte, er sei der erste Maler, der Farbe als eigenes Thema verwendete. Er zollte den Impressionisten Anerkennung, weil sie die Bedeutung des Lichts erkannt hatten. Aber sie nutzten immer noch nur die Eigenschaften des Lichts, um Bilder der objektiv sichtbaren Welt zu kopieren. Aber zumindest erkannten sie, dass ein Bild aus vielen verschiedenen Teilen besteht und dass es die Wahrnehmung dieser Teile ist, die ein Gefühl dafür schafft, was Realität ist. Wahrnehmung geschieht nicht auf der Leinwand, sondern im Gehirn.

Der Pointillismus war der erste und profundeste Malstil, der wirklich untersuchte, dass Wahrnehmung im Gehirn stattfindet. Auch bekannt als Divisionismus, verwendete er kleine Farbkörper, die nebeneinander auf einer Leinwand platziert wurden, um das Gefühl einer gemischten Farbe zu vermitteln, anstatt die Farben zuerst zu mischen. Das Gehirn würde dann die Farben kombinieren, um das Bild zu vervollständigen. Diese Erkenntnis, dass die Augen und das Gehirn ein ansonsten unvollständiges Bild vervollständigen konnten, wurde zu einem Gründungsprinzip der späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts Avantgarde. Sie inspirierte die futuristische Malerei, Kubismus, Orphismus und unzählige andere Stile und Bewegungen seitdem.

Farbe als Motiv

Robert Delaunay war von der divisionistischen Denkweise fasziniert. Sie inspirierte ihn, über die Beziehung nachzudenken, die Farben zueinander haben, wenn sie nebeneinander auf der Leinwand platziert werden, unabhängig davon, welches Bild sie zu schaffen versuchten. Er vergrößerte die Farbbereiche über das hinaus, was die Pointillisten getan hatten, und schuf viel ausgeprägtere und abstrahierte visuelle Effekte. Diese Technik verwendete er, um eine Reihe von Porträts seines Freundes und Mitstreiters im abstrakten Malen, Jean Metzinger, zu schaffen.

In Delaunays Metzinger-Gemälden sehen wir Farbblöcke, die Tiefe und ein Gefühl von Bewegung erzeugen, zusätzlich zur bloßen Bildformung. Durch seine divisionistischen Gemälde erkannte Delaunay, dass Farbe Form, Tiefe, Licht und sogar Emotionen vermitteln konnte. Unabhängig von den figürlichen Elementen eines Bildes konnte Farbe für sich allein jede Wahrheit oder Realität vermitteln, die ein Maler auszudrücken hoffte.

Robert Delaunay Rythme n°1, Dekoration für den Salon des Tuileries, 1938, Öl auf Leinwand, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Farbe und Ebene

Während Delaunay seine eigenen Entdeckungen über die gemalte Realität machte, experimentierten die Kubisten, angeführt von Pablo Picasso, ebenfalls in einem ähnlichen Bereich. Sie versuchten, die vierdimensionale Realität und den Verlauf der Zeit darzustellen. Ihre Methode bestand darin, die Welt in räumliche Ebenen zu unterteilen und diese Ebenen zu nutzen, um eine Vielzahl von simultanen Perspektiven auf ein einzelnes Thema auszudrücken.

Delaunay war nicht an Perspektive interessiert. Er glaubte, dass allein durch Farbe Bewegung oder andere Phänomene ausgedrückt werden könnten. Doch Delaunay war dennoch von der kubistischen Idee der räumlichen Ebenen fasziniert. Er hatte bemerkt, dass die verschiedenen Farbtöne, die erscheinen, wenn Licht auf Dinge trifft, durch die Geometrie ihrer räumlichen Ebenen bestimmt werden. Da Ebenen und Geometrie einen so direkten Einfluss auf die Farbe haben, entlieh er sich die ästhetische Sprache der gebrochenen Ebene von den Kubisten und wandte sie auf seine Gemälde an, wodurch er einen neuen abstrakten ästhetischen Ansatz schuf, der teilweise divisionistisch und teilweise kubistisch war. Am bekanntesten verwendete er diesen Stil in einer Reihe von Gemälden, die das darstellten, was er als das ultimative Symbol des modernen Zeitalters betrachtete: den Eiffelturm.

Robert Delaunay - Eiffelturm, 1911 (vom Künstler auf 1910 datiert). Öl auf Leinwand. 79 1/2 x 54 1/2 Zoll (202 x 138,4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Gründungssammlung, durch Schenkung. 37.463

Farbe und Kontrast

Eine der nächsten Entdeckungen, die Delaunay machte, hatte mit Kontrast zu tun. Er erkannte, dass Farben sich auf eine Weise ergänzen konnten, die emotionale Reaktionen im Geist des Betrachters hervorrufen konnte. Er begann, das Motiv, die Tiefe, das Licht und alle anderen Faktoren zu eliminieren und sich rein auf den Farbkontrast um seiner selbst willen zu konzentrieren. Er lernte, dass unterschiedliche kontrastierende Farben unterschiedliche emotionale Effekte erzeugten. Einige Farben kontrastierten auf eine Weise, die unbeschwert oder fröhlich wirkte. Andere kontrastierten auf eine Weise, die schwer oder melancholisch wirkte.

Er entdeckte auch, dass einige Farben, wenn sie nebeneinander platziert wurden, tatsächlich ein Gefühl von Bewegung erzeugten. Die Betrachter nahmen wahr, dass sie zitterten, vibrierten oder sogar ihre Farbtöne änderten, je länger sie sie ansahen. Delaunay nannte dieses Gefühl Simultaneität. In seinem Gemälde Homage to Bleriot von 1914 verwendete er die Theorie der Simultaneität, um das zu vermitteln, was er für den wesentlichen Zustand der Modernität hielt, Bewegung, die fast ausschließlich durch Farbe und rein abstrahierte Form dargestellt wird.

Robert Delaunay - Homage an Bleriot, 1914, Öl auf Leinwand, 6 Fuß 4 1/2 x 4 Fuß 2 1/2 Zoll. Kunstmuseum Basel, Basel, Schweiz

Robert Delaunays Erbe

Die Geschichte war Delaunay wichtig, und laut denen, die ihn kannten, war er sich seines Platzes darin ziemlich bewusst. Er war besonders daran interessiert, darauf hinzuweisen, wer oder was zuerst war. Er schrieb: „Die ersten Gemälde waren einfach eine Linie, die den Schatten eines Mannes umschloss, den die Sonne auf der Erdoberfläche warf.“ Er lobte den Maler Seurat, den Begründer des Pointillismus, dafür, dass er als Erster die Bedeutung der komplementären Farben zeigte. Aber dann kritisierte er Seurat für dessen unvollendete Leistung und stellte fest, dass der Pointillismus „nur eine Technik“ sei. Delaunay behauptete, dass er selbst der Erste war, der die Theorie der komplementären Farben verwendete, um zu einem reinen Ausdruck von Schönheit zu gelangen.

In der Tat, nach dem Lesen von Delaunays Schriften über Farbe ist es offensichtlich, dass er für viel originelles Denken über die formalen Qualitäten der Malerei verantwortlich ist. Er und seine Frau Sonia werden die Erfinder des Orphismus genannt, eines der einflussreichsten abstrakten Stile, die vor dem Ersten Weltkrieg entstanden sind. Aber ohne Delaunay etwas abzunehmen, wirft die große Aufmerksamkeit auf Farbe eine Frage auf: Kann Farbe wirklich der reinste Ausdruck der Realität der Natur sein? Kann sie der einzige Weg sein, Schönheit in unsere Seelen zu übertragen? Es muss entmutigend für blinde Menschen oder farbenblinde Menschen sein, solche Nachrichten zu hören. Vielleicht war Delaunays Denken über Farbe nicht das Ende der Geschichte. Vielleicht ist das Wichtigste an seiner Arbeit, dass er die Fragen stellte, die viele Liebhaber abstrakter Kunst auch heute noch stellen: Was ist Realität? Was ist Schönheit? Was ist der beste Weg, sie zu kommunizieren, damit sie mit der menschlichen Seele in Verbindung treten?

Vorschaubild: Robert Delaunay - Portrait von Jean Metzinger, 1906, Öl auf Leinwand, 55 x 43 cm. Privatbesitz
Von Phillip Barcio