Die räumlichen Reliefs von Hélio Oiticica

Eine Ausstellung früher Werke von Hélio Oiticica in der Galerie Lelong & Co. in New York ist eine Reise wert, denn sie bietet einen Einblick in den reinen plastischen Ästhetizismus, der die Grundlage für das Œuvre dieses faszinierenden Künstlers bildete. Im Laufe seiner Karriere ließ sich Oiticica weniger vom Formalismus als vielmehr von Sinnlichkeit und sozialen Interaktionen mit dem Publikum inspirieren. Weltbekannt wurde der Künstler schließlich für Werke wie seine „Penetrables“ – Strukturen, die die Betrachter betreten, indem sie in sie hineingehen –, seine „Parangolés“ – tragbare Kunstwerke, die die Betrachter beim Tanzen anlegen konnten – und seine Environments wie das großformatige „Tropicália“: eine Insel aus Sand und Stein in der Galerie, auf der mehrere „Penetrables“ so aufgebaut sind, dass sie wie die Favelas wirken, die jedem vertraut sind, der die Elendsviertel von Rio de Janeiro besucht hat. All diese späteren Werke beruhen auf dem Konzept, dass die Erfahrungen, die Menschen aus der Öffentlichkeit mit Kunst machen, einprägsamer und lebendiger sind, wenn sie partizipativ gestaltet werden. Dennoch wurzelt die visuelle Sprache, die diese partizipativen Kunstwerke prägt, in etwas rein Plastischem. Sie entwickelte sich aus jahrelangen frühen Forschungen, die Oiticica betrieb, während er sich bemühte, die Grundlagen seines gewählten Mediums zu entdecken. Diese Forschung bildet die Grundlage von „Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59“ in der Galerie Lelong. Die Ausstellung präsentiert drei eigenständige Werkgruppen. Den Anfang machen Beispiele aus der Serie „Grupo Frente“ oder „Front Group“: Gouache-Kompositionen auf Karton, die aus den Überresten der Konkreten Kunst hervorgingen, als würden sie untersuchen, worin die grundlegenden visuellen Strukturen der geometrischen abstrakten Kunst bestehen könnten. Es folgen mehrere Beispiele aus der Serie „Metaesquemas“ oder „Meta Schemes“. In diesen Gouachebildern auf Karton reduziert Oiticica seine visuelle Sprache auf ihre einfachsten, selbstreferenziellsten Elemente – farbige Kästen, die in ungewöhnlichen Rastern angeordnet sind. Schließlich bietet die Ausstellung den Betrachtern ein Werk aus der Serie „Relevo Espacial“ oder „Spatial Relief“. Diese Serie markierte einen Wendepunkt: Die Formen und Farben, die Oiticica in seinen Gemälden entwickelt hatte, traten in den dreidimensionalen Raum hervor und wurden zu Objekten, die in einer Zone gleichberechtigter Teilhabe mit den Betrachtern koexistierten.

Der Aufstieg des Nicht-Objekts

Hélio Oiticica wurde 1937 in Rio de Janeiro, Brasilien, geboren. Während seiner gesamten Kindheit und Jugend breitete sich in der südamerikanischen Avantgarde ein großer Optimismus aus. In Argentinien wurde 1945 die Arte Concreto Invención von Künstlern gegründet, die glaubten, dass die utopischen, universalistischen Ideen der geometrischen abstrakten Kunst dazu beitragen könnten, das korrupte politische System ihres Landes zu verändern. Unterdessen brachten in Brasilien Künstler, die nach einer Ausbildung in Europa zurückkehrten, viele derselben idealistischen Vorstellungen mit. Sie waren fest davon überzeugt, die formalen Philosophien der geometrischen abstrakten Kunst mobilisieren zu können, um die traditionelle brasilianische Gesellschaft irgendwie zu verändern und eine gerechtere, fortschrittlichere Kultur zu schaffen. Ihren optimistischen Eifer brachten sie am deutlichsten in der Gründung der Stadt Brasília zum Ausdruck, der neuen, modernen Hauptstadt Brasiliens – einer futuristischen Metropole mit strahlend weißer, modernistischer Architektur, deren Gesamtplan vom brasilianischen Architekten Oscar Niemeyer entworfen wurde.

Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59 in der Galerie Lelong, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lelong

Brasília wurde 1960 offiziell gegründet, doch für junge Künstler wie Oiticica war sofort die ernüchternde Realität ihres Scheiterns erkennbar. Obwohl die teuren und schönen Gebäude beeindruckend anzusehen waren, bettelten weiterhin verarmte Menschen und ihre Kinder auf den Straßen. Die Konkrete Kunst, die diese utopische Vision inspiriert und in Brasilien Fuß gefasst hatte, erwies sich als nichts weiter als der jüngste kulturelle Vorteil der Eliten. Die Enttäuschung dieser Epoche führte dazu, dass Oiticica gemeinsam mit Lygia Clark und Lygia Pape die Neo-Konkrete Bewegung gründete. Ihre neue Bewegung zielte darauf ab, das Leben der einfachen Bürger Brasiliens zu verbessern. Sie wurde von den Ideen inspiriert, die Ferreira Gullar in seinem Essay „Theory of the Non-Object“ formuliert hatte. Der Essay postulierte, dass materielle Objekte wie Kunstwerke für Menschen, die nach Sinn suchen, nicht an sich wertvoll sind. Sie sind nur insofern wertvoll, als ihr Status als Nicht-Objekte – materielle Objekte, die „sinnliche und mentale Erfahrungen … ermöglichen“ – verstanden werden kann.

Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59 in der Galerie Lelong, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lelong

Eine zurückhaltende Zuversicht

Indem Oiticica und andere neo-konkrete Künstler sich auf die Schaffung von „Nicht-Objekten“ statt auf traditionelle Kunstwerke konzentrierten, hofften sie, eine neue, wenn auch zurückhaltende Zuversicht in Bezug auf die Möglichkeiten zu wecken, wie Kunst mit den Bedürfnissen und Werten der Menschen im Alltag in Berührung kommen konnte. Oiticica setzte alles daran, seine Werke außerhalb von Museen auszustellen. Zu seinen Lebzeiten hatte er nur eine Ausstellung in einem traditionellen Museum. Die übrigen fanden in eher ungezwungenen Galerieräumen statt, die auf die Betrachter weniger einschüchternd wirkten. Er ermutigte die Menschen, seine Werke zu berühren. Die Betrachter tanzten und lachten, während sie seine „Parangolés“ trugen. In seinen „Penetrables“ kamen sie zusammen, aßen, tranken und liebten sich sogar. Doch auch diese optimistische Phase ging für Oiticica bald zu Ende. Er zog nach New York City und veränderte seine Arbeit erneut. In seiner eigenen Wohnung schuf er private Environments, in die kleine Gruppen von Menschen zu intimen Erlebnissen eingeladen wurden, bei denen sie Kokain konsumierten und von Oiticica angefertigte Videoprojektionen ansahen.

Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59 in der Galerie Lelong, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lelong

Als Oiticica New York verließ und nach Brasilien zurückkehrte, war er von den extremen Grenzen ernüchtert, bis zu denen er sein Konzept geführt hatte. Er hörte auf, Drogen zu nehmen, und wandte sich wieder dem Formalismus zu, wie späte Projekte wie „Magic Square nº 3“ (1979) zeigen. Doch wie auch dieses besondere Werk zeigt, war Oiticica weiterhin entschlossen, Werke zu schaffen, mit denen Menschen interagieren und an denen sie teilhaben konnten. Es ist verlockend, sich vorzustellen, welche noch großartigeren Werke Oiticica geschaffen hätte, wenn er 1980 nicht im Alter von 42 Jahren an einem durch hohen Blutdruck verursachten Schlaganfall gestorben wäre. Die andere große Tragödie seines Vermächtnisses besteht darin, dass 2009 viele der Werke und persönlichen Gegenstände, die Oiticica hinterlassen hatte, bei einem Brand im Haus seines Bruders zerstört wurden. Umso kostbarer ist jede Gelegenheit, authentische Beispiele seiner Arbeit zu sehen, wenn sie ausgestellt sind. Sie geben einen Einblick in einen brillanten Geist, der die Bedeutung der Verbindung zwischen Kunst und dem Alltag wahrhaft verstanden hatte. „Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59“ in der Galerie Lelong & Co. in New York ist noch bis zum 26. Januar 2019 zu sehen.

Titelbild: Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59 in der Galerie Lelong, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lelong
Von Phillip Barcio