Hinter Joan Snyders transzendierender Praxis

Joan Snyder hat etwas erreicht, was nur wenige Künstler schaffen: Sie ist zu einer Ikone geworden. Üblicherweise muss ein Künstler, um als ikonisch zu gelten, sich auf einen einzigen Stil, eine einzige Technik oder eine charakteristische Methode konzentrieren. Jackson Pollock ist eine Ikone wegen seiner Spritzbilder; Georgia O’Keeffe ist eine Ikone wegen ihrer Blumenbilder; Mark Rothko ist eine Ikone wegen seiner Farbflächenbilder; Yves Klein ist eine Ikone wegen seiner charakteristischen Verwendung von „IKB Blau“. Die Liste ließe sich endlos fortsetzen. Was Snyder jedoch zu einer perfekten Ikone unserer Zeit macht, ist, dass sie nicht für eine bestimmte Sache bekannt ist. Sie hat es vermieden, sich auf eine bestimmte Art von Werk oder eine bestimmte Methode oder Technik festzulegen. Seit sie Ende der 1960er Jahre erstmals Anerkennung für ihre Arbeit erhielt, hat sie ihre Praxis ständig weiterentwickelt. Jedes Bild, das sie schafft, folgt einer eigenen Logik, die nur insoweit von der Vergangenheit geprägt ist, als sie von ihr beeinflusst wird. Snyder besitzt eine von Natur aus sympathische Art von Intuition, die in manchen Kreisen als Weisheit oder Erleuchtung gelten könnte, tatsächlich aber eher Bescheidenheit ist. Sie nimmt an, was war, akzeptiert dessen Einfluss auf das, was ist, und tut nicht so, als wüsste sie, was sein wird. Diese Haltung hält sie trotz des erlittenen Leids vorsichtig optimistisch und macht ihre Bilder unendlich frisch. Betrachter werden nie voraussehen können, was Snyder als Nächstes in ihrem Atelier tun wird, denn sie selbst weiß es nicht wirklich. Obwohl sie plant, skizziert und eifrig Ideen notiert, sagt sie, ihre Bilder seien eher wie Jazz – „sie geschehen einfach“. Snyder übersteigt alle Versuche, ihre Arbeit zu etikettieren, indem sie sich weigert, sie einzuschränken. Sie bleibt offen, ehrlich und frei. Anders als die meisten anderen ikonischen Künstler, die von einer ihnen von der Geschichte oder dem Markt auferlegten Wahrheit gefangen genommen werden, ist Snyder ein ikonisches Beispiel für eine Künstlerin, die weiß, dass sie nur sich selbst treu sein muss.

Die erste Maximalistin

Wenn es ein Wort gibt, mit dem Snyder vielleicht bezeichnet werden könnte, dann wäre es der Begriff „Maximalistin“. Geboren 1940, erwarb sie 1966 ihren Meisterabschluss in Bildender Kunst an der Rutgers-Universität, nur wenige Kilometer von ihrem Heimatort Highland Park, New Jersey, entfernt. Die Kunstwelt flirtete damals mit einigen wenigen markanten Bewegungen: Pop Art, Op Art, die zweite Welle des Abstrakten Expressionismus, Konzeptkunst, Performancekunst. Doch ohne Zweifel war der vorherrschende Trend der Minimalismus. Künstler wie Donald Judd, Sol Le Witt und Frank Stella beeindruckten Kunstliebhaber mit ihren reduzierten, unsentimentalen Kompositionen. Für viele Betrachter, Kuratoren und Händler schien ihre Arbeit das perfekte Gegenmittel zu zwei Jahrzehnten emotional aufgeladener Werke von Künstlern zu sein, die jeden ihrer innersten unterbewussten Gefühle ausdrücken wollten.

Joan Snyder - Können wir unsere Wut in Poesie verwandeln, 1985. Farbige Lithographie auf Rives BFK-Papier. 76,8 × 112,4 cm. Edition Druckerprobe/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder

Snyder sah diese Minimalisten und schätzte die Struktur und das Selbstvertrauen ihrer Werke. Aber sie erkannte auch, dass ihre Arbeit nichts mit ihr persönlich zu tun hatte. Ebenso glaubte sie nicht, dass irgendeine dieser anderen Bewegungen etwas mit ihr zu tun hatte. Sie nahm alle diese Kunstbewegungen als Produkte eines patriarchalen Kunstmarktes und einer verzerrten, unvollständigen, männlich geprägten Kunstgeschichte wahr. Sie wusste nicht genau, welche Art von Bildern sie schaffen wollte, aber sie wusste, dass was auch immer sie malte, es ihr selbst treu sein würde. Die ersten Bilder, die sie nach der Schule schuf, waren malerische Erkundungen der Sprache des Rasters. Danach folgte eine Reihe sogenannter „Strich“-Bilder, die die visuelle Sprache von Pinselstrichen kartierten. Beide Versuche zielten darauf ab, eine persönliche Syntax zu entwickeln, mit der sie vielschichtige, komplexe persönliche Erzählungen vermitteln konnte. Dabei konzentrierte sie sich vor allem darauf, immer mehr in das Werk hineinzulegen, bis es das sagte, was sie ausdrücken wollte. Sie sagt: „Meine ganze Idee war, mehr und nicht weniger in einem Bild zu haben.“ Ihr Ansatz wurde „Maximalismus“ genannt.

Joan Snyder - Herbstlied, 2002. Öl und Mischtechnik auf Leinwand. 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder

Ein Erbe des Kampfes

Snyder hat ihre Werke manchmal mit Sinfonien verglichen. Zweifellos könnte die Mischung aus dicken Farbschichten, Überresten, Tropfen und kugeligen Formen in Bildern wie „Amor Matris“ (2015) oder „Symphony VII“ (2014) wie visuelle Musik gelesen werden, die auf die Übersetzung durch das gequälte Instrument unserer Seele wartet. Doch diese Bilder haben auch etwas mit epischer Literatur gemein. Erzählungen entfalten sich, angetrieben von der intensiven Dunkelheit und Helligkeit der Farben und Töne. Rohe, ursprüngliche Formen erklären sich selbst zu Charakteren mit Stolz; ihr Kampf, etwas Größeres zu werden, stellt eine gewaltige Herausforderung für unsere Augen und unseren Geist dar. Die Worte, die Snyder in Bilder wie „Powdered Pearls“ (2017) einfügt – manchmal schreibt sie sie, manchmal ritzt sie sie in das Medium – lenken unsere Gedanken und unsere Stimmung. Am Ende jedoch haben die Lieder, die wir hören, oder die Geschichten, die wir in diesen Bildern lesen, mehr mit unserer eigenen inneren Erzählung zu tun als mit dem, was Snyder dazu brachte, Pinsel auf Oberfläche zu setzen.

Joan Snyder - Powdered Pearls, 2017. Mischtechnik. Öl, Acryl, Stoff, Buntstift, Pastell, Perlen und Glitzer auf Leinwand. 137,0 × 91,5 cm. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Egal, wie wir die Bilder betrachten, die Snyder schafft, eines haben sie alle unbestreitbar gemeinsam: ihr Erbe des Kampfes. Snyder hat mit sich selbst gerungen, um sie entstehen zu lassen – ein Umstand, der sich in ihrer immensen visuellen Komplexität und materiellen Tiefe zeigt. Und doch sind sie kein Zeugnis für die Art von Kampf, die wir lieber vermeiden würden. Stattdessen sind sie Zeugnis eines fast freudigen Kampfes. Sie strahlen die Art von jugendlichem Stolz aus, den wir in jedem Alter tragen, wenn wir unsere natürliche menschliche Angst überwinden. Es ist, als wollten sie in ihrem gemächlichen Erzählen schwer zu erklärende, aber unbestreitbare Lösungen für Probleme anbieten, von denen wir immer wussten, dass wir sie haben, die wir aber dank Snyder und ihrem Bemühen, sich selbst treu zu bleiben, nun als gemeinsam erkennen.

Abgebildetes Bild: Joan Snyder - Kleine Meereslandschaft, 2011. Öl und Acryl auf Leinen. 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Alle Bilder dienen nur zu Anschauungszwecken
Von Phillip Barcio