Hinter Joan Snyders transzendierender Praxis

Joan Snyder hat etwas erreicht, was nur wenigen Künstlern gelingt: Sie ist zu einer Ikone geworden. Um als ikonisch zu gelten, muss ein Künstler normalerweise auf einen einzigen Stil, eine einzige Technik oder eine einzige charakteristische Methode fokussieren. Jackson Pollock ist eine Ikone wegen seiner Spritzbilder; Georgia O’Keeffe ist eine Ikone wegen ihrer Blumenbilder; Mark Rothko ist eine Ikone wegen seiner Color Field-Bilder; Yves Klein ist eine Ikone wegen seiner charakteristischen Verwendung von "IKB Blau." Die Liste könnte endlos fortgesetzt werden. Was Snyder jedoch zu einer perfekten Ikone für unsere Zeit macht, ist, dass sie nicht für eine bestimmte Sache bekannt ist. Sie hat sich bewusst bemüht, keine bestimmte Art von Werk zu schaffen oder eine bestimmte Methode oder Technik anzuwenden. Seit sie Ende der 1960er Jahre Anerkennung für ihre Arbeit erhielt, hat sie ihre Praxis kontinuierlich weiterentwickelt. Jedes Gemälde, das sie schafft, hat eine eigene Logik, die nur insofern durch die Vergangenheit definiert ist, als sie davon beeinflusst wird. Snyder besitzt eine von Natur aus sympathische Art von Intuition, die in einigen Kreisen als Weisheit oder Erleuchtung angesehen werden könnte, aber in Wirklichkeit mehr wie Demut ist. Sie umarmt, was war, akzeptiert dessen Einfluss auf das, was ist, und tut nicht so, als wüsste sie, was sein wird. Diese Einstellung hält sie trotz des Leidens, das sie erlitten hat, vorsichtig optimistisch, und sie hält ihre Gemälde endlos frisch. Die Betrachter werden niemals voraussehen können, was Snyder als Nächstes in ihrem Atelier tun wird, denn sie selbst weiß es nicht wirklich. Auch wenn sie plant und skizziert und eifrig Ideen aufschreibt, sagt sie, dass ihre Gemälde tatsächlich mehr wie Jazz sind – "sie geschehen einfach." Snyder überwindet alle Versuche, ihre Arbeit zu etikettieren, indem sie sich weigert, sie zu beschränken. Sie bleibt offen, ehrlich und frei. Im Gegensatz zu den meisten anderen ikonischen Künstlern, die von einer angenommenen Wahrheit gefangen genommen werden, die ihnen von der Geschichte oder dem Markt auferlegt wird, ist Snyder ein ikonisches Beispiel für eine Künstlerin, die weiß, dass sie nur sich selbst treu sein muss.

Der erste Maximalist

Wenn es ein Wort gibt, mit dem Snyder möglicherweise etikettiert werden könnte, wäre es der Begriff „Maximalistin“. Geboren 1940, erwarb sie 1966 ihren Masterabschluss in Bildender Kunst an der Rutgers University, ein paar Meilen von ihrem Heimatort Highland Park, New Jersey, entfernt. Die Kunstwelt flirtete zu dieser Zeit mit einer kleinen Anzahl von markanten Bewegungen: Pop Art, Op Art, der zweiten Welle der Abstrakten Expressionismus, Konzeptkunst, Performancekunst. Aber ohne Zweifel war der dominanteste aufkommende Trend Minimalismus. Künstler wie Donald Judd, Sol Le Witt und Frank Stella verblüfften die Augen und Köpfe der Kunstliebhaber mit ihren reduzierten, gefühllosen Kompositionen. Für viele Betrachter, Kuratoren und Händler schien ihre Arbeit das perfekte Gegenmittel zu zwei Jahrzehnten emotional aufgeladener Werke von Künstlern zu sein, die darauf abzielten, jedes einzelne ihrer innersten, unbewussten Gefühle auszudrücken.

Joan Snyder - Können wir unseren Zorn in Poesie verwandeln, 1985. Farblithografie auf Rives BFK-Papier. 30 1/4 × 44 1/4 Zoll; 76,8 × 112,4 cm. Auflage Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder

Snyder sah diese Minimalisten und schätzte die Struktur und das Selbstbewusstsein ihrer Arbeiten. Aber sie erkannte auch, dass ihre Arbeiten nichts mit ihr persönlich zu tun hatten. In dieser Hinsicht dachte sie auch nicht besonders, dass irgendeine dieser anderen Bewegungen etwas mit ihr zu tun hatte. Sie nahm wahr, dass all diese Kunstbewegungen aus einem patriarchalischen Kunstmarkt und einer verzerrten, unvollständigen, männlich fokussierten Sicht auf die Kunstgeschichte hervorgegangen waren. Sie wusste nicht genau, welche Art von Gemälden sie machen wollte, aber sie wusste, dass alles, was sie malte, wahrhaftig zu ihr selbst sein würde. Die ersten Gemälde, die sie nach der Schule machte, waren malerische Erkundungen der Sprache des Rasters. Danach kam eine Reihe von sogenannten "Stroke"-Gemälden, die die visuelle Sprache der Pinselstriche kartierten. Beide waren Versuche, eine persönliche Syntax zu entwickeln, mit der sie geschichtete, komplexe persönliche Erzählungen kommunizieren konnte. In der Zwischenzeit war das eine, worauf sie sich über alles andere konzentrierte, immer mehr in die Arbeit zu stecken, bis sie das sagte, was sie sagen wollte. Sie sagt: "Meine ganze Idee war, mehr zu haben, nicht weniger in einem Gemälde." Ihr Ansatz wurde "Maximalismus" genannt.

Joan Snyder - Herbstlied, 2002. Öl und Mischtechnik auf Leinwand. 50 × 96 Zoll; 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder

Ein Erbe des Kampfes

Snyder hat ihre Werke manchmal mit Symphonien verglichen. Ohne Zweifel könnte die Mischung aus Impasto-Schichten, Detritus, Tropfen und globularen Formen in Gemälden wie „Amor Matris“ (2015) oder „Symphony VII“ (2014) wie visuelle Musik gelesen werden, die darauf wartet, von dem gequälten Instrument unserer Seelen übersetzt zu werden. Doch diese Gemälde teilen auch etwas mit epischer Literatur. Erzählungen entfalten sich, vorangetrieben von der intensiven Dunkelheit und dem Licht der Farben und Töne. Roh, urtümliche Formen erklären sich selbst als charaktervoll und stolz; ihr Kampf, etwas Größeres zu werden, stellt eine formidable Herausforderung für unsere Augen und unseren Verstand dar. Die Worte, die Snyder in Gemälden wie „Powdered Pearls“ (2017) einführt – manchmal indem sie sie schreibt und manchmal indem sie sie in das Medium kratzt – leiten unsere Gedanken und unsere Stimmung. Am Ende jedoch haben die Lieder, die wir hören, oder die Geschichten, die wir in diesen Bildern lesen, mehr mit unserer eigenen inneren Erzählung zu tun als mit dem, was Snyder dazu brachte, Pinsel auf die Oberfläche zu setzen.

Joan Snyder - Puderperlen, 2017. Mischtechnik. Öl, Acryl, Stoff, Buntstift, Pastell, Perlen und Glitzer auf Leinwand. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 in. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Egal, wie wir die Gemälde von Snyder betrachten, das eine unbestreitbare gemeinsame Merkmal ist ihr Erbe des Kampfes. Snyder hat mit sich selbst gekämpft, um sie ins Leben zu rufen – ein Fakt, der sich in ihrer enormen visuellen Komplexität und materiellen Tiefe zeigt. Und doch sind sie kein Beweis für die Art von Kampf, die wir lieber vermeiden würden. Stattdessen sind sie der Beweis für einen fast freudigen Kampf. Sie strahlen mit der Art von jugendlichem Stolz, die wir in jedem Alter mit uns tragen, wann immer wir unsere natürliche menschliche Angst überwinden. Es ist, als ob sie in ihrem umherwandernden Geschichtenerzählen versuchen, uns schwer zu erklärende, aber unbestreitbare Lösungen für Probleme anzubieten, von denen wir schon immer wussten, dass wir sie haben, aber dank Snyder und ihrer Bemühungen, sich selbst treu zu bleiben, wissen wir jetzt, dass wir sie gemeinsam haben.

Vorschaubild: Joan Snyder - Kleines Seestück, 2011. Öl und Acryl auf Leinen. 18 × 24 Zoll; 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio