Der Wille zur Zurückhaltung: Tendenzen der reduktiven Kunst

Wenn man an Kunst denkt, ist es selten, dass man auf Begriffe stößt, die die einschränkenden Vorstellungen von Stil, Epoche oder Bewegung übersteigen. Doch wenn es gelingt, kann es befreiend und sogar verbindend sein, eine Sprache zu entdecken, die sich auf alle Kunstwerke bezieht, unabhängig davon, wann sie geschaffen wurden oder von wem. Reduktive Kunst ist ein solcher Begriff. Er bezeichnet keine Bewegung, keinen Stil und keine Epoche in der Kunst. Er steht für eine Idee. Reduktive Kunst ist Kunst, die durch einen Prozess entsteht, der darauf abzielt, zu vereinfachen, zusammenzufassen, zu verdichten. Im weiteren Sinne könnte man sagen, dass Michelangelos David, eine aus Marmor gemeißelte Skulptur, in gewisser Weise reduktiv ist. Schließlich wurde er durch einen Prozess der Bearbeitung der ursprünglichen Form geschaffen. Allerdings ist David auch eine starke Verkomplizierung der ursprünglichen Form. Hätte Michelangelo einfach die Ecken des ursprünglichen Marmorblocks abgeflacht und ihn als vertikales Rechteck präsentiert, das Menschlichkeit andeutet, anstatt sie explizit darzustellen, wäre das Zurückhaltung gewesen. Es wäre subtil gewesen. Es wäre reduktiv gewesen.

Frag Agnes

„Als ich zum ersten Mal ein Raster malte, dachte ich gerade an die Unschuld der Bäume, und dann kam mir ein Raster in den Sinn, und ich dachte, es stehe für Unschuld... also malte ich es und war dann zufrieden.“ – Agnes Martin

Die amerikanische abstrakte Expressionistin Agnes Martin wird oft als Malerin bezeichnet, deren Werk das Wesen der reduktiven Kunst verkörpert. Ihre linienhaften Gemälde vermitteln unterbewusste Gefühle auf die direkteste, vereinfachte Weise, die sie finden konnte. Martins Werk besitzt Klarheit. Es verwendet eine schmale Farbpalette. Es greift auf eine stark eingeschränkte Formensprache zurück. Es erweitert seine Andeutungen, indem es seine Aussagen begrenzt. Zudem zeigt Agnes Martins Werk präzises Handwerk, was eine weitere Voraussetzung reduktiver Kunst ist; nämlich dass das Werk bestrebt ist, ablenkende Elemente zu beseitigen, die das Erlebnis des Betrachters mit der Kunst stören könnten. Bescheiden gerahmt und präzise ausgeführt wirken Martins Gemälde zugleich selbstbewusst und demütig.

Joanne Freeman – Covers 20 Red A, 2015. Gouache auf handgeschöpftem Khadi-Papier. 50,8 x 50,8 cm.

Zeitgenössische Strömungen der Reduktion

Das Werk der zeitgenössischen amerikanischen abstrakten Malerin Joanne Freeman wird oft als reduktiv beschrieben. Mit einer lebhaften, reduzierten Farbpalette malt Freeman kantige geometrische Formen und vereinfachte, intuitive gestische Zeichen auf schneeweißen Hintergründen. Freeman lässt sich von Themen wie städtischer Beschilderung, Architektur, Grafikdesign-Trends der Mitte des 20. Jahrhunderts und den scharfkantigen Schatten inspirieren, die oft an von Sonnenlicht beschienenen Gebäuden erscheinen. Ihre Gemälde verweisen auf diese zeitgenössische Bildsprache, jedoch auf zurückhaltende, nachdenkliche Weise.

Der Schweizer Maler Daniel Göttin strebt ebenfalls nach Klarheit und Vereinfachung in seinem Werk. Er arbeitet mit einer eingeschränkten Sprache erkennbarer geometrischer Formen, Linien und Muster. Er verwendet eine begrenzte Farbpalette, um kühne, direkte ästhetische Aussagen zu präsentieren. Göttin hat gesagt, dass er die Aufmerksamkeit des Betrachters „auf den Raum innerhalb des Objekts“ lenken möchte. Diese zen-artige Einladung zu einer meditativen Begegnung mit dem Werk lässt den Betrachter eine Erfahrung machen, die dem Wiederholen eines Mantras ähnelt.

Daniel Göttin – Slopes B4, 2016. Acryl auf MDF. 30 x 24 cm.

Phänomenologische Reduktion

Wir Menschen sind darauf spezialisiert, Erfahrungen zu machen. Wir nehmen unsere Erfahrungen durch unser Bewusstsein wahr. Um unsere Erfahrungen einzuordnen, schaffen wir Strukturen in unserem Geist. Durch unser Handeln teilen wir diese Strukturen miteinander, und die Strukturen manifestieren sich wiederum auf vielfältige Weise in der physischen Welt – philosophisch, materiell, emotional, gesellschaftlich usw. Die Untersuchung dieser Strukturen menschlicher Erfahrung und Bewusstseins nennt man Phänomenologie. Die Phänomenologie steht im Zentrum der reduktiven Kunst. Indem ein Künstler die Strukturen menschlicher Erfahrungen untersucht und die visuelle Sprache, die sich daraus ableitet, reduziert, kann er zu einer symbolischen Sprache gelangen, die tiefere Bedeutungen hinter der komplexen Welt unseres Bewusstseins zugänglich macht.

Der amerikanische abstrakte Künstler Tom McGlynn konzentriert sich in seiner Arbeit auf einen phänomenologischen Ansatz. Indem er die Bildsprache der Stadt destilliert, hat McGlynn einen visuellen Wortschatz entwickelt, der auf kantige Quadrate, Rechtecke und Linien beschränkt ist. Seine Gemälde sind streng kontrolliert und präzise gefertigt. Sie zeigen Ausschnitte eines vereinfachten städtischen Gesprächs, das symbolisch und in zwei Dimensionen geführt wird. McGlynns Werk ist eine unterbewusste, reduktive Übersetzung der gebauten Landschaft, die es bewohnt.

Tom McGlynn – Survey 4, 2013. Acryl auf Fabriano-Papier. 55,8 x 83,8 cm

Das Ziel der reduktiven Kunst

„Menschen, die mein Gemälde betrachten, sagen, dass es sie glücklich macht, wie das Gefühl, wenn man morgens aufwacht. Und Glück ist doch das Ziel, oder?“ – Agnes Martin

Dieses Zitat fasst das Ziel und das Ergebnis erfolgreicher reduktiver Kunst perfekt zusammen. Natürlich wacht nicht jeder morgens auf, und nicht jeder, der aufwacht, fühlt sich glücklich dabei. Darum geht es nicht. Es geht um Vereinfachung. Agnes Martin fühlte sich morgens glücklich, und sie hat dieses genaue Gefühl irgendwie herausgearbeitet und in ihrem Werk ausgedrückt, und einige Betrachter, die das Werk erlebten, fühlten es ebenfalls. Das ist Klarheit. Darum geht es bei reduktiver Kunst.

Titelbild: Tom McGlynn – Test Pattern 11 (Kelly), 2005. Acryl auf Fabriano-Papier. 55,8 x 83,8 cm.
Von Phillip Barcio