Victor Vasarelys Formgestaltung im Centre Pompidou Paris
Zum ersten Mal seit mehr als 50 Jahren ist eine große Retrospektive von Victor Vasarely in einem französischen Museum zu sehen. Das Centre Pompidou eröffnete im vergangenen Februar die Ausstellung Vasarely: Sharing Forms, die mehr als 300 Objekte zusammenbringt, darunter Kunstwerke und Ephemera, die die vollständige ästhetische Entwicklung eines der Giganten des Modernismus des 20. Jahrhunderts dokumentieren. Die Ausstellung stellt Vasarely nicht nur als großen Künstler, sondern auch als großen Idealisten dar, der daran glaubte, dass es keine Grenze zwischen Kunst und Alltag gibt. Geboren 1907 in Pécs, Österreich-Ungarn, schrieb sich Vasarely 1918 an der Műhely (Werkstatt)-Schule ein, der Budapester Version des Bauhauses. Die Schule wurde vom Künstler und Grafikdesigner Sándor Bortnyik geleitet. Nach zwei Jahren Studium bei Bortnyik zog Vasarely nach Paris und begann eine Karriere als Grafikdesigner. Sein Ziel war es, die visuellen Lehren des Modernismus auf die Welt der Massenkommunikation anzuwenden. Eines seiner berühmtesten frühen Werke, „Zebra“ (1937), verkörpert den Grenzbereich, in dem die scheinbar getrennten Disziplinen Kunst und Gestaltung zu einer Einheit verschmelzen. Die schwarz-weiße, lineare Komposition zeigt zwei Zebras, die miteinander verheddert sind, möglicherweise im Kampf, möglicherweise verliebt. Das Bild erklärt Vasarely geschickt zum Meister der Perspektive, indem es seine Fähigkeit zeigt, eine flache Oberfläche in ein kinetisches, dreidimensionales Feld zu verwandeln. Doch bis heute kämpfen Kritiker mit der Frage, ob dieses und seine anderen frühen Werke als Kunst oder Gestaltung einzuordnen sind. Tatsächlich fand die letzte große Übersicht seiner Werke in Frankreich 1963 statt, als der Künstler erst 57 Jahre alt war, im Musée des Arts Décoratifs – kein Museum für bildende Kunst, sondern ein Museum für dekorative Kunst und Gestaltung. Nur zwei Jahre später wurde Vasarely jedoch in The Responsive Eye aufgenommen, die wegweisende Ausstellung im Museum of Modern Art, die die führenden Künstler der Op-Art-Bewegung etablierte. Vasarely: Sharing Forms bringt alle Aspekte seines Schaffens auf universelle Weise zusammen. Anstatt Definitionen aufzuzwingen, respektiert diese Ausstellung die Komplexität und Nuancen seiner Vision und bietet eine dringend benötigte Erweiterung der Vasarely-Geschichte.
Der ewige Erneuerer
Als Vasarely seine Karriere als Grafikdesigner begann, betrachtete er Werbung als die allgegenwärtigste Form visueller Kultur, weshalb er sie durch die Anpassung an die Bildsprachen des Kubismus, De Stijl, Suprematismus und anderer früher modernistischer Positionen verändern wollte. Nach dem Zweiten Weltkrieg verlagerte er jedoch seinen Fokus und entschied, dass er statt Kunst zur Reform der Gestaltung zu nutzen, in der realen Welt nach Hinweisen suchen würde, wie Kunst zu verwandeln sei. Er nahm alles in seiner visuellen Umgebung wahr, von architektonischen Strukturen über die Muster von Schatten und Licht auf natürlichen Formen bis hin zu den Oberflächen von Kristallen. Er erkannte, dass es einen ästhetischen Raum gibt, in dem die Prinzipien der geometrischen Abstraktion mit den Prinzipien der natürlichen und gebauten Welt koexistieren. Werke wie „Kiruna“ (1952) zeigen, wie er die visuelle Welt auf ihre wesentlichsten Bausteine wie Kreise und Quadrate sowie auf die einfachste Farbpalette reduzierte.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installationsansicht im Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto mit freundlicher Genehmigung von IdeelArt.
Obwohl er begonnen hatte, seine eigene wirklich einzigartige Bildsprache zu entwickeln, blieb Vasarely stets der Erneuerer. Er erkannte, dass seine geometrischen Kompositionen noch nicht vollständig waren. Sie brauchten einen weiteren Aspekt – das Erscheinen von Bewegung. Doch anstatt tatsächliche kinetische Kunst zu schaffen, wie die Mobiles von Alexander Calder, interessierte sich Vasarely dafür, wie das Gehirn Bewegung wahrnimmt. Er beobachtete, wie Wellen auf der Wasseroberfläche oder in der Hitze der Sonne die Illusion erzeugen, dass Raum verzerrt ist und feste Gegenstände flüssig erscheinen. Dieses Denken wandte er auf seine Kompositionen an, indem er Wellenmuster in seine geometrischen Kompositionen einführte und scheinbar die Oberflächen der Werke verzerrte. In Gemälden wie „Re.Na II A“ (1968) scheint die Oberfläche nach außen zu wölben. In anderen Gemälden scheint die Oberfläche einzustürzen. Am erstaunlichsten ist, dass das Bild, sobald das Auge die Wellenmuster erfasst, zu wechseln scheint und sowohl die Illusion von dreidimensionalem Raum als auch den Eindruck von Bewegung vermittelt.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Installationsansicht im Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto mit freundlicher Genehmigung von IdeelArt.
Eine universelle Bildsprache
Einer der idealistischsten Aspekte des Vasarely-Erbes war seine Schaffung der „plastischen Einheit“: ein grundlegendes visuelles Werkzeug, das angepasst werden kann, um unendliche visuelle Kompositionen zu schaffen. Die Vasarely plastische Einheit besteht aus einer geometrischen Form einer Farbe, die eine zweite, andere geometrische Form einer anderen Farbe enthält – zum Beispiel ein blaues Quadrat, das einen roten Kreis umschließt, oder umgekehrt. In zeitgenössischen Begriffen ist die plastische Einheit wie ein Pixel. Vasarely kombinierte die plastischen Einheiten in verschiedenen geometrischen Kombinationen und nutzte dann Linie und Farbe, um Wellen in die Kompositionen einzuführen. Diese einfache Bildsprache war wirklich demokratisch, da sie leicht von jedem kopiert werden konnte. Die Universalität des Stils inspirierte Vasarely sogar dazu, erneut darüber nachzudenken, wie er das, was er geschaffen hatte, nutzen könnte, um das tägliche Leben der Bürger positiv zu beeinflussen.
Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, um 1973. Ausgabe 23/50. Forme 1008 décor 5105, um 1973. Ausgabe 75. Forme 1008 décor 5104, um 1973. Ausgabe 17/75. Forme 1009 décor 5108, um 1973. Ausgabe 22/50. Forme 1007 décor 5101, um 1973. Ausgabe 27/100. Forme 1008 décor 5106, um 1973. Ausgabe 61/75. Forme 1010 décor 5112, um 1973. Ausgabe 31/100. Forme 1007 décor 5100, um 1973. Ausgabe 6/100. Installationsansicht im Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto mit freundlicher Genehmigung von IdeelArt.
Wie Vasarely: Sharing Forms eindrucksvoll zeigt, entwickelte Vasarely zahlreiche Strategien, um seine Kunst in den öffentlichen Raum zu bringen. Er schuf eine Vielzahl von Wandgemälden, Plakaten und sogar Industriedesigns, wie das 21-teilige Kaffee- und Dessertservice, das er für Rosenthal entwarf. Er entwarf Logos für Unternehmen wie Renault und das Musée de Cinéma, unter anderem. Und er widmete sich der Schaffung aller Arten von Kunst im öffentlichen Raum. Er stellte sich eine „polychrome Stadt des Glücks“ vor, in der seine lebendigen, farbenfrohen, geometrischen öffentlichen Werke die „düsteren und grauen Vororte“ zum Leben erwecken würden. Während dieser Ausstellung sehen wir, wie Plastizität allen Formen visueller Kultur gemein ist. Vasarely zeigte, wie sie ein wesentlicher Teil der bildenden Kunst ist, natürlich. Aber er sah Plastizität auch als wesentlich für die Steine, aus denen die Stadt gebaut ist, und für die Farben und Lichtschattierungen, die auf die Natur fallen. Die künstlichen Trennungen zwischen den Bereichen Kunst, Gestaltung, Mode, Film, Architektur und sogar Werbung lösen sich auf, wenn wir die gesamte visuelle Kultur auf diese Weise betrachten. Das ist die Lehre, die Vasarely vermittelte: dass Kunst überall ist. Vasarely: Sharing Forms ist bis zum 6. Mai 2019 im Centre Pompidou zu sehen.
Titelbild: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installationsansicht im Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto mit freundlicher Genehmigung von IdeelArt.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
