Victor Vasarelys Formgestaltung im Centre Pompidou Paris

Zum ersten Mal seit mehr als 50 Jahren ist eine große Retrospektive von Victor Vasarely in einem französischen Museum zu sehen. Das Centre Pompidou eröffnete im vergangenen Februar die Ausstellung Vasarely: Sharing Forms, die mehr als 300 Objekte zusammenbringt, darunter Kunstwerke und Ephemera, die die vollständige ästhetische Entwicklung eines der Giganten des 20. Jahrhunderts der Moderne dokumentieren. Die Ausstellung etabliert Vasarely nicht nur als großen Künstler, sondern auch als großen Idealisten, der glaubte, dass es keine Grenze zwischen Kunst und Alltag gibt. Geboren 1907 in Pécs, Österreich-Ungarn, schrieb sich Vasarely 1918 an der Műhely (Werkstatt) Schule ein, der lokalen Budapester Version des Bauhauses. Die Schule wurde von dem Künstler und Grafikdesigner Sándor Bortnyik geleitet. Nach zwei Jahren des Studiums bei Bortnyik zog Vasarely nach Paris und begann eine Karriere als Grafikdesigner. Sein Ziel war es, die visuellen Lektionen des Modernismus auf die Welt der Massenkommunikation anzuwenden. Eines seiner bekanntesten frühen Werke, „Zebra“ (1937), verkörpert den liminalen Raum, in dem die scheinbar getrennten Disziplinen Kunst und Design eins werden. Die schwarz-weiße, lineare Komposition zeigt zwei Zebras, die möglicherweise im Kampf, möglicherweise in Liebe miteinander verwickelt sind. Das Bild erklärt geschickt, dass Vasarely ein Meister der Perspektive ist, indem es seine Fähigkeit demonstriert, eine flache Oberfläche in ein kinetisches, dreidimensionales Feld zu verwandeln. Doch bis heute kämpfen Kritiker mit der Frage, ob dieses und seine anderen frühen Werke als Kunst oder Design klassifiziert werden sollten. Tatsächlich war die letzte große Übersicht seiner Arbeiten in Frankreich 1963, als der Künstler erst 57 Jahre alt war, im Musée des Arts Décoratifs – nicht in einem Kunstmuseum, sondern in einem Museum für dekorative Kunst und Design. Nur zwei Jahre später wurde Vasarely jedoch in The Responsive Eye, der wegweisenden Ausstellung des Museum of Modern Art, die die führenden Künstler der Op-Art-Bewegung etablierte, aufgenommen. Vasarely: Sharing Forms bringt alle Aspekte seiner Arbeit auf universelle Weise zusammen. Anstatt Definitionen aufzuzwingen, respektiert diese Ausstellung die Komplexität und Nuancen seiner Vision und bietet eine dringend benötigte Erweiterung der Vasarely-Geschichte.

Der ewige Reformer

Als Vasarely seine Karriere als Grafikdesigner begann, betrachtete er Werbung als die allgegenwärtigste Form der visuellen Kultur, und so machte er sich daran, sie zu transformieren, indem er sie an die visuellen Sprachen des Kubismus, De Stijl, Suprematismus und andere frühe modernistische Positionen anpasste. Nach dem Zweiten Weltkrieg jedoch verlagerte er seinen Fokus und entschied, dass er, anstatt Kunst zu nutzen, um Design zu reformieren, in der realen Welt nach Hinweisen suchen würde, wie man Kunst transformieren kann. Er nahm alles in seiner visuellen Landschaft wahr, von architektonischen Strukturen über die Muster von Schatten und Licht, die auf natürliche Formen fallen, bis hin zu den Oberflächen von Kristallen. Er erkannte, dass es einen ästhetischen Raum gibt, in dem die Prinzipien der geometrischen Abstraktion mit den Prinzipien der natürlichen und gebauten Welten koexistieren. Werke wie "Kiruna" (1952) zeigen, wie er die visuelle Welt auf ihre grundlegendsten Bausteine, wie Kreise und Quadrate, und auf die einfachste mögliche Farbpalette reduzierte.

Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installationsansicht im Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto mit freundlicher Genehmigung von IdeelArt.

Selbst als er begann, seine eigene wirklich einzigartige visuelle Sprache zu entwickeln, blieb Vasarely stets der Reformer. Er erkannte, dass seine geometrischen Kompositionen noch nicht vollständig waren. Sie benötigten einen zusätzlichen Aspekt – das Erscheinungsbild von Bewegung. Aber anstatt tatsächliche kinetische Kunst zu schaffen, wie die Mobiles von Alexander Calder, war Vasarely daran interessiert, wie das Gehirn Bewegung wahrnimmt. Er beobachtete, wie Wellen auf der Wasseroberfläche oder in der Hitze der Sonne die Illusion erzeugen, dass der Raum verzerrt ist und dass feste Objekte flüssig erscheinen. Dieses Denken wandte er auf seine Kompositionen an, indem er Wellenmuster in seine geometrischen Kompositionen einführte und scheinbar die Oberflächen der Werke verzerrte. In Gemälden wie „Re.Na II A“ (1968) scheint die Oberfläche nach außen zu wölben. In anderen Gemälden scheint die Oberfläche zusammenzubrechen. Am erstaunlichsten ist, dass, sobald das Auge erkennt, was es in diesen Wellenmustern sieht, das Bild zu shiftet, was sowohl die Illusion von dreidimensionalem Raum als auch den Eindruck von Bewegung vermittelt.

Victor Vasarely - Zante, 1949. Installationsansicht im Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto mit freundlicher Genehmigung von IdeelArt.

Eine universelle visuelle Sprache

Einer der idealistischsten Aspekte des Vasarely-Erbes war seine Schaffung der "plastischen Einheit": ein grundlegendes visuelles Werkzeug, das angepasst werden kann, um unendliche visuelle Kompositionen zu erstellen. Die Vasarely plastische Einheit besteht aus einer geometrischen Form einer Farbe, die eine zweite, unterschiedliche geometrische Form einer anderen Farbe in sich enthält – zum Beispiel ein blauer Quadrat, das einen roten Kreis umgibt, oder umgekehrt. In zeitgenössischen Begriffen ist die plastische Einheit wie ein Pixel. Vasarely kombinierte die plastischen Einheiten in verschiedenen geometrischen Kombinationen und verwendete dann Linie und Farbe, um Wellen in die Kompositionen einzuführen. Diese einfache visuelle Sprache war wirklich demokratisch, da sie von jedem leicht kopiert werden konnte. Die Universalität des Stils inspirierte Vasarely sogar dazu, sich erneut zu fragen, wie er das, was er geschaffen hatte, nutzen könnte, um das tägliche Leben der Bürger positiv zu beeinflussen.

Victor Vasarely - Forme 1009 dekor 5110, um 1973. Edition 23/50. Forme 1008 dekor 5105, um 1973. Edition von 75. Forme 1008 dekor 5104, um 1973. Edition 17/75. Forme 1009 dekor 5108, um 1973. Edition 22/50. Forme 1007 dekor 5101, um 1973. Edition 27/100. Forme 1008 dekor 5106, um 1973. Edition 61/75. Forme 1010 dekor 5112, um 1973. Edition 31/100. Forme 1007 dekor 5100, um 1973. Edition 6/100. Installationsansicht im Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto mit freundlicher Genehmigung von IdeelArt.

Wie Vasarely: Sharing Forms schön zeigt, entwickelte Vasarely zahlreiche Strategien, um seine Kunst in den öffentlichen Raum zu bringen. Er schuf eine Vielzahl von Wandmalereien, Postern und sogar Industriedesigns, wie das 21-teilige Kaffee- und Dessertset, das er für Rosenthal entwarf. Er entwarf Logos für Unternehmen, wie Renault und das Musée de Cinéma, unter anderem. Und er widmete sich der Schaffung aller Arten von Kunst im öffentlichen Raum. Er stellte sich eine "polychrome Stadt des Glücks" vor, in der seine lebhaften, bunten, geometrischen öffentlichen Werke die "tristen und grauen Vororte" zum Leben erwecken würden. In dieser Ausstellung sehen wir, wie Plastizität allen Formen der visuellen Kultur gemeinsam ist. Vasarely zeigte, dass sie ein wesentlicher Bestandteil der bildenden Kunst ist, natürlich. Aber er sah Plastizität auch als wesentlich für die Steine an, die zum Bau der Stadt verwendet werden, und in den Farben und Lichtschattierungen, die auf die Natur fallen. Die künstlichen Trennungen zwischen den Bereichen Kunst, Design, Mode, Kino, Architektur und sogar Werbung verschwinden, wenn wir die gesamte visuelle Kultur auf diese Weise betrachten. Das ist die Lektion, die Vasarely lehrte: dass Kunst überall ist. Vasarely: Sharing Forms ist bis zum 6. Mai 2019 im Centre Pompidou zu sehen.

Vorgestelltes Bild: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installationsansicht im Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto mit freundlicher Genehmigung von IdeelArt.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio